Una canción de hace treinta y un años ha vuelto a la lista española de singles sin que ninguna discográfica moviera un dedo. La empujó el fútbol. «Wonderwall», de Oasis, reentra en el puesto 62 de la lista de singles en España, se sienta en el número 13 del ranking global diario de Spotify y roza el 11 en Reino Unido. La causa no es un aniversario ni una serie de Netflix. Es que la afición inglesa la canta cada vez que su selección gana en el Mundial 2026.

El dato ya no es una anécdota de grada. Es medible.

QUÉ ESTÁ PASANDO EN LA LISTA ESPAÑOLA

El top 3 de singles en España no se ha movido: lo mandan «La graciosa» y «Al golpito» de Quevedo, seguidas de «Dai Dai» de Shakira y Burna Boy, el tema asociado al Mundial 2026. Nada nuevo en la cima. Lo interesante ocurre más abajo, entre las reentradas.

Ahí aparece Oasis. «Wonderwall» llevaba años funcionando como fondo de armario del streaming —acumulaba 2.500 millones de reproducciones en Spotify y ahora se acerca a los 3.000—, pero no estaba en la lista española de la semana. Ha vuelto por una razón concreta: cada victoria de Inglaterra termina con miles de gargantas cantándola. El diario británico The Independent cifró en un 300 % el salto de reproducciones tras la victoria inglesa sobre México.

La tradición arrancó pronto. Empezó tras el 4-2 de Inglaterra a Croacia en su estreno de grupo y se ha repetido, gol a gol, hasta convertir un lamento de desamor de los noventa en cántico de victoria.

POR QUÉ EL FÚTBOL LE GANA AL ALGORITMO

Aquí está lo que casi nadie explica. TikTok fabrica tendencias de quince segundos a diario y aun así no ha colocado ningún tema viejo en la conversación este verano con la fuerza con que lo ha hecho un partido de fútbol. El estadio hace algo que la plataforma no puede: obliga a decenas de miles de personas a cantar lo mismo, a la vez, en un momento de euforia colectiva. Después, cada una de esas personas vuelve a casa y le da al play.

La mecánica no es misteriosa. La armónica inicial de «Wonderwall» es fácil de imitar, el estribillo es coreable y la canción lleva tres décadas incrustada en la memoria británica. No hace falta que guste. Hace falta que la sepa todo el mundo.

El resultado es un tipo de éxito que no responde a la lógica del descubrimiento musical, sino a la del ritual. La canción dejó de ser de Oasis. Ahora es de la grada.

QUIÉN MÁS PUEDE RESUCITAR ANTES DE LA FINAL

Wonderwall es el caso confirmado en la lista española, pero no es el único candidato. El Mundial 2026 ha repartido himnos de estadio por medio planeta, y varios son viejos conocidos que ya han demostrado poder resucitar en otros torneos.

«Freed from Desire», de Gala —un eurodance de 1996—, suena en los estadios a petición de aficiones como la austriaca, la escocesa, la francesa, la neerlandesa y la suiza. «Seven Nation Army», de The White Stripes, forma parte de las listas de Estados Unidos, Escocia y República Checa. A ellas se suma el «Thunderstruck» de AC/DC. Son clásicos de megafonía que en cada gran cita reaparecen en las escuchas; habrá que ver si esta vez cruzan hasta la lista española o se quedan en el ruido del estadio.

El otro frente es el de la música fabricada para el torneo. El álbum oficial de la FIFA acumula 336 millones de reproducciones y llegó al número tres del ranking global de debuts de álbumes en Spotify entre el 5 y el 7 de junio. «Dai Dai» ya es top 10 mundial. La federación española, por su parte, apostó por Quevedo antes que por la nostalgia: un cálculo sobre quién compone hoy su afición.

Lo que el fútbol enseña sobre el streaming es incómodo para la industria. El acontecimiento colectivo mueve más escuchas que cualquier campaña de marketing. Una selección en racha vale más que un anuncio.

El calendario manda. Si Inglaterra avanza, «Wonderwall» seguirá subiendo en la lista española y en la británica; si llega a la final y gana, el número 1 en Reino Unido —el que se le escapó en 1995, cuando se quedó en el 2— está casi al alcance.

Conviene vigilar tres cosas concretas en las próximas semanas. Primero, si algún clásico de estadio —Gala, White Stripes— reentra en la lista de singles española como lo ha hecho Oasis. Segundo, cuánto aguanta «Dai Dai» en el top 3 una vez apagado el ruido del torneo. Tercero, qué pasa con los himnos de la afición española si La Roja avanza: la prueba real de si el «efecto Mundial» funciona igual en casa que en la grada inglesa.

Este articulo El «efecto Mundial» que resucita canciones en el streaming español aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

Estados Unidos ya paga más por Spotify desde febrero de 2026, y España lo sabe. La compañía confirmó el 15 de enero que su plan Individual estadounidense pasaba de 11,99 a 12,99 dólares, con incrementos paralelos en Dúo, Familiar y Estudiantes. En su historial reciente, lo que empieza en el mercado norteamericano cruza el Atlántico en cuestión de meses.

Todavía no hay anuncio oficial para España. Pero el patrón es el patrón.

PRIMERO FUE EE. UU., Y AMAZON YA HA MOVIDO FICHA AQUÍ

La última subida estadounidense es la tercera de Spotify en unos cuatro años. Individual sube un dólar, Dúo salta de 16,99 a 18,99, Familiar de 19,99 a 21,99 y Estudiantes de 5,99 a 6,99. Reuters calculó que cada dólar de incremento en Estados Unidos supone alrededor de 500 millones de dólares anuales adicionales para la empresa, que cerró 2025 con 290 millones de suscriptores de pago y 751 millones de usuarios activos.

Mientras Spotify observa, la competencia no espera. Amazon Music Unlimited subió precios en España en febrero de 2026: el plan individual con Prime pasó de 10,99 a 12,99 euros al mes, y el familiar de 17,99 a 22,99. La subida entró en vigor para clientes antiguos desde el 10 de marzo. No hizo falta que Spotify diera el primer paso en Europa: el encarecimiento ya está sobre la mesa del consumidor español.

CUÁNTO PAGA HOY UN USUARIO ESPAÑOL Y CUÁNTO PAGARÍA

En España, Spotify Premium sigue en las tarifas fijadas en agosto de 2025: Individual 11,99 €/mes, Estudiantes 6,49 €, Dúo 16,99 € y Familiar 20,99 €. Un año de plan Individual cuesta 143,88 euros pagando mes a mes.

La foto larga es más dura. En agosto de 2023 el Individual costaba 9,99 euros. Dos subidas después, ha subido un 20 %. El plan Familiar es el que más ha corrido: de 14,99 euros en 2023 a los 20,99 actuales, un 40 % en dos años —seis euros más al mes, setenta y dos al año, por el mismo servicio.

Si España replica el guion estadounidense, el Individual se iría a unos 12,99 euros y los planes compartidos sumarían entre uno y dos euros. Traducido: doce euros más al año en el plan Individual, y una factura familiar acercándose a los 264 euros anuales.

Nadie ha firmado todavía esa cifra. El aviso, cuando llegue, será un correo y una notificación en la aplicación.

LA TABLA QUE EXPLICA POR QUÉ ALGUNOS SE VAN

El problema de Spotify no es solo cuánto sube. Es contra quién compite.

Apple Music es hoy la más barata entre las grandes, y por un margen que se nota en las cuentas compartidas. Una familia que abandone Spotify por Apple Music paga cuatro euros menos al mes: 48 euros de ahorro anual, que se irían a 60 si Spotify cumple la subida esperada. Apple, además, incluye audio Hi-Res Lossless y Dolby Atmos que Spotify no ofrece, y regala Apple TV en el plan de estudiantes.

Ahí está la grieta. Spotify mantiene su ventaja real —el algoritmo de descubrimiento, las listas personalizadas, los pódcasts integrados—, pero ninguna de esas bazas figura en la factura. Y la factura es lo que mira quien duda entre pagar o migrar. El usuario más expuesto a marcharse es el que menos fidelidad tiene y más vigila el presupuesto: estudiantes y familias numerosas, justo cuando Netflix, Disney+ y Prime Video también aprietan en el mismo semestre.

QUÉ COBRAN LAS DISCOGRÁFICAS EN TODO ESTO

Detrás de cada subida hay una presión que el usuario no ve. Universal Music, Sony Music y Warner llevan tiempo empujando a Spotify y Apple Music a encarecer sus tarifas, con un argumento concreto: la música cuesta menos que el vídeo, y una suscripción de streaming musical debería acercarse a lo que se paga por Netflix.

Lo que las discográficas defienden es que el reparto actual no compensa lo suficiente a los titulares de derechos. Los artistas, sin embargo, cobran por reproducción, no por el precio de la suscripción, y la parte que llega al creador depende de cómo se distribuya el pastel. Subir la tarifa engorda los ingresos del sistema. No garantiza que ese euro extra termine en quien compone la canción.

Esa es la contradicción de fondo: el usuario paga más en nombre de los músicos, sin que exista una vía directa que asegure que los músicos verán ese dinero.

Este articulo La subida de Spotify que se avecina en España: quién paga más y quién se va aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

Un mismo artista ocupa esta semana el número 1 de álbumes y el número 1 de canciones en España, y coloca tres temas entre los diez más escuchados al mismo tiempo. No es una anécdota de verano. Es la fotografía más nítida de cómo se fabrica hoy un éxito en el mercado español, y de por qué la lista que suena en la radio parece contar otra cosa.

DIEZ SEMANAS QUE NO SON UN GOLPE DE SUERTE

El álbum ‘El Baifo’ de Quevedo llega a su décima semana en la lista oficial de Promusicae sin moverse del primer puesto, con dos discos de platino ya acumulados desde su salida a principios de mayo. Por delante deja a Bad Bunny, que resiste segundo con ‘Debí tirar más fotos’ en su semana 78.

En canciones, la concentración es todavía mayor. ‘La graciosa’, con Elvis Crespo, encadena su décima semana en el número 1. ‘Al golpito’, con Nueva Línea, se mantiene segunda. Y ‘Ni borracho’ aparece séptima.

Tres canciones del mismo artista en el top 10 a la vez.

Es el tipo de dominio que no se construye con una radiofórmula, sino con reproducciones. Y ahí está la primera pista de lo que mide realmente el chart.

EL 90% DEL CONSUMO YA ES STREAMING, Y ESO REESCRIBE LA LISTA

Las listas oficiales que compila Promusicae se elaboran con ventas y streaming de audio y vídeo. No con lo que programan las emisoras. Esa distinción metodológica lo cambia todo.

Durante 2024, el 90% del consumo de música grabada en España se generó en plataformas de streaming, según las listas anuales de Promusicae y GfK: 98.500 millones de reproducciones, un 13% más que el año anterior. Cuando el número 1 se decide por reproducciones, gana quien acumula escuchas repetidas de una audiencia joven y digital. Gana, casi por definición, la música urbana.

El top 10 de singles de esta semana lo confirma sin adjetivos: junto a los tres temas de Quevedo aparecen Shakira con Burna Boy, Ana Mena con Lola Indigo, Young Miko y Omar Courtz. Reguetón, trap y pop urbano de arriba abajo. La lista no está sesgada hacia lo urbano. La lista es lo que la gente reproduce.

LA RADIO VIVE EN OTRO PAÍS

Aquí se abre la grieta. La misma semana en que ‘La graciosa’ manda en ventas y streaming, en la lista de radios cae al segundo puesto, superada por ‘Superestrella’ de Aitana. El resto del top 10 radiofónico lo completan Romeo Santos y Prince Royce, Álvaro de Luna, Nil Moliner, Leire Martínez o Bruno Mars. Pop melódico y baladas donde el streaming pone reguetón.

No es la excepción de una semana. En 2024, solo 16 de las 100 canciones más escuchadas en España entraron en el Top 50 de las radios musicales. Del top 10 de streaming, apenas tres sonaron en las emisoras.

El caso que mejor resume la distancia tiene nombre: Saiko, el artista español más escuchado del país en 2024, no colocó ni una sola canción en el top 50 de la radio. El granadino que en 2023 firmó su primer número 1 con ‘Supernova’ es, para la programación radiofónica, casi invisible.

Las dos listas salen del mismo país. Miden dos consumos distintos.

DELLAFUENTE, SAIKO Y LA LETRA PEQUEÑA DE LOS SELLOS

La brecha también es de estructura de industria. DELLAFUENTE publicó ‘Brigado,’ y debutó directo en el número 4 de álbumes; una semana después baja al 8. Una entrada alta y una caída rápida: el patrón típico de un lanzamiento urbano que concentra su consumo en los primeros días de streaming, sin el rodaje largo que da la radio.

Y ese consumo viaja cada vez más al margen de las grandes discográficas. En 2024, siete de las diez canciones más escuchadas de artistas españoles pertenecían a proyectos independientes o autoeditados. En la radio, el reparto se invierte: de las 50 canciones más programadas, solo cuatro salían de sellos independientes. Una de ellas, ‘Columbia’, de Quevedo.

Lo que la radio no programa no es un nicho. Es el centro del mercado.

Este articulo Quevedo lleva diez semanas en lo más alto y solo cuenta media historia del consumo español aparece en La Siesta Magazine escrito por: Malik Dehouche

El Mad Cool cumple diez años y ha cambiado casi todo menos lo que más molesta a quien vive al lado. El festival estrenó su décima edición el 8 de julio en el recinto Iberdrola Music de Villaverde con una jornada al borde del aforo —55.000 personas, según la organización— y el mismo cuello de botella de siempre a la salida. Los conciertos se pagan en euros. La vuelta a casa, en horas.

DE LA CAJA MÁGICA A VILLAVERDE: UNA DÉCADA DE MUDANZAS

El festival nació en 2016 en la Caja Mágica y no ha parado de buscar sitio. Dos ediciones en aquel recinto de tenis, un salto en 2018 a los descampados de Valdebebas —donde llegó a reunir 240.000 asistentes en tres días, su récord— y, desde 2023, el traslado definitivo al espacio al aire libre de Villaverde.

Cada mudanza resolvió un problema y abrió otro.

En Valdebebas el terreno quedó abandonado y sin urbanizar entre ediciones. En Villaverde, el recinto ganó accesos ferroviarios y perdió tranquilidad vecinal. El patrón se repite: el festival crece, invierte —esta edición mueve cerca de 20 millones de euros— y el entorno absorbe la factura que no aparece en el presupuesto.

Lo que nadie explica del todo es por qué, tres sedes después, el problema logístico sigue siendo el mismo.

QUÉ PROMETE EL PLAN DE MOVILIDAD DE ESTA EDICIÓN

La organización asegura haber aprendido. Para 2026 financió íntegramente un dispositivo de movilidad que, según sus propias cifras, supera los 540.000 euros: ampliación del servicio de Cercanías hasta las 3.30 de la madrugada y lanzaderas nocturnas hacia el centro de Madrid para descongestionar la salida.

Sobre el papel, es el despliegue más ambicioso de la última década.

Sobre el asfalto, la primera noche volvió a saturarse. Los asistentes describieron esperas de hasta hora y media y aglomeraciones en los accesos a la estación. «Vaya infierno la vuelta a casa desde Mad Cool. Un día va a pasar algo y lo vamos a lamentar», escribió un usuario en X, en un mensaje que resume el tono de las redes durante la madrugada. La vicealcaldesa Inmaculada Sanz reconoció que hacen falta ajustes en el transporte público y el tráfico rodado alrededor del recinto.

El dispositivo mejora cada año. La percepción de que no basta, también.

LO QUE ESCUCHAN LOS VECINOS: HASTA 80 DECIBELIOS Y UN JUICIO ABIERTO

Para los barrios de Villaverde y Getafe, el festival no se mide en cabezas de cartel, sino en decibelios. Las asociaciones vecinales sostienen que el ruido ha alcanzado entre 75 y 80 decibelios en zonas residenciales, por encima de lo tolerable para descansar de madrugada.

La Plataforma Stop Festivales Villaverde lo dijo sin rodeos: «Las mejoras se están haciendo para los asistentes; para los vecinos, nada. No se puede dormir».

El conflicto ya salió del terreno de la queja. El Juzgado de Instrucción número 34 de Madrid abrió juicio oral contra el administrador y la promotora del festival, tras la denuncia de la Fiscalía por superar los niveles de ruido autorizados en la edición de 2023. El Ayuntamiento anunció que este año mantiene «dispositivo de medición como todos los años» para vigilar el cumplimiento.

Desde la dirección, Javier Arnáiz defiende el trabajo hecho: «Nos hemos reunido muchas veces con los vecinos y hemos ido intentando mejorar con cada edición». Los vecinos, en cambio, sienten que la balanza está decidida de antemano. «Nos han dado a entender que, dado que la Comunidad y el Ayuntamiento quieren que el recinto siga adelante, a los vecinos les damos exactamente igual», lamentó una portavoz.

El problema real no es el volumen de una noche. Es que el calendario de macroeventos convierte una molestia puntual en una rutina de verano.

Fotos @mad Cool

Este articulo Diez años de Mad Cool: el recinto crece y Villaverde sigue atrapada en la vuelta a casa aparece en La Siesta Magazine escrito por: Rafa Gil

El 26 de junio, la cantante mallorquina publica su primer EP. Seis temas. Un alter ego llamado Selena. Y la voluntad de demostrar que su segundo puesto en el Benidorm Fest 2025 no fue un accidente sino el inicio de algo más grande.

La irrupción de Daniela Blasco en el circuito pop español lleva meses acumulando evidencia a su favor: 2,2 millones de seguidores en TikTok, cerca de 739.000 en Instagram, una actuación en el Benidorm Fest que la colocó en el mapa de la industria y, ahora, un primer proyecto de largo aliento que llega con nombre propio. ‘First Shot’ no es un single de tanteo ni una maniobra de posicionamiento calculada al milímetro. Es, o aspira a ser, la declaración de intenciones de una artista que hasta ahora había demostrado que sabía moverse en los márgenes del sistema y que ahora ocupa su centro.

EL EP QUE VENÍA GESTÁNDOSE DESDE LA INFANCIA

El concepto de ‘First Shot’ no nació en una sala de reuniones ni en una sesión de estrategia de marca. Blasco lo sitúa mucho antes: en los años en que aprendía a bailar con el sonido estadounidense de principios de los 2000 como banda sonora de fondo. Esa nostalgia —la que no se fabrica sino que se lleva encima— es el hilo que atraviesa las seis canciones del proyecto: ‘Selena’, ‘T Prometo Q’, ‘Fashion Girls’, ‘Umami’, ‘3 Canciones’ y ‘Desde Que Te Vi’.

«Todo mi primer EP está inspirado en el sonido americano con el que he crecido desde pequeña. Son canciones que me transportan a los artistas que escuchaba mientras bailaba y que siguen haciéndome sentir la misma energía», explica la artista. La apuesta estética mezcla pop urbano con influencias del hip hop americano y momentos de mayor densidad emocional, evitando el error habitual de los debuts: la uniformidad que aplana todo en un solo estado de ánimo.

El resultado —según la propia artista— alterna temas bailables con otros más contenidos, «siempre siendo fiel al sonido principal y a la idea que da sentido a todo el proyecto.»

‘SELENA’: CUANDO UN ALTER EGO ES MÁS HONESTO QUE EL NOMBRE PROPIO

La canción que abre y vertebra el EP no es una casualidad. ‘Selena’ presenta a un alter ego que funciona como una suerte de válvula de escape conceptual: una joven impulsiva, libre de juicio ajeno, que vive el momento sin calcular las consecuencias. Dicho así podría sonar a recurso de manual, pero Blasco lo carga de una capa autobiográfica que le da consistencia.

«Selena es una parte de mí que también existe. Es esa versión que vive el momento, que se deja llevar, que no piensa demasiado y simplemente disfruta», afirma. El alter ego no es una máscara sino, paradójicamente, una forma de desnudez: la espontaneidad como acto de autenticidad en un ecosistema pop donde todo parece milimetrado.

Más allá del single, Selena actúa como brújula temática de todo el proyecto. La idea de ser quien uno quiere ser sin pedir permiso —sin el ruido de la validación externa— recorre el EP y conecta con una generación que ha crecido sobreexpuesta al juicio de las redes y ha aprendido, a trompicones, a filtrarlo.

UNA SEGUNDA POSICIÓN QUE VALIÓ MÁS QUE MUCHAS VICTORIAS

El Benidorm Fest 2025 colocó a Daniela Blasco en una posición incómoda y, al mismo tiempo, perfecta. Segunda. Lo suficientemente cerca del primer puesto para que la industria tomara nota; lo suficientemente lejos para que la narrativa de la promesa no cumplida —esa ficción tan conveniente para los medios— no se activara del todo.

Pero el festival fue, sobre todo, un escaparate de dimensiones insólitas para una artista que combinó formación en baile, interpretación y presencia escénica con una identidad visual ya definida. Y la respuesta del público fue la que determinó lo que vino después. ‘First Shot’ es, en ese sentido, el paso natural de alguien que ya sabe cómo ocupar un escenario y necesita ahora demostrar que también sabe ocupar un catálogo.

Para Manuel Martos, director general de Virgin Music Group España, la lectura es clara: «Daniela representa a una nueva generación de artistas que entienden la música como una expresión global. Tiene una enorme capacidad de comunicación, una identidad muy definida y un talento especial para conectar con el público. ‘First Shot’ es solo el comienzo de un proyecto con un recorrido muy prometedor y una gran proyección tanto dentro como fuera de España.»

El sello acompaña. El público ya estaba. Lo que faltaba era el disco.

Este articulo Daniela Blasco lanza ‘First Shot’: seis canciones para dejar de ser una promesa y convertirse en una certeza aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

Fotos J. Fernández Ortega

Lo primero es darte la enhorabuena por la nominación en la segunda edición de los MEM Awards…  

Muchas gracias. ¡La verdad es que no me lo esperaba! Además, tampoco nos conocíamos de antes, así que, como puedes imaginarte, fue una sorpresa cuando me llamaste para darme la noticia. Recuerdo que me puse muy contenta, sobre todo teniendo en cuenta el poco tiempo que llevo en la escena. 

Sentí la nominación como una forma de reconocimiento al trabajo duro que hay detrás. Fue un regalo, como también lo fue compartir esa gala con tanta gente de la escena y grandes artistas. Sin duda, fue una experiencia muy linda de la que guardo un gran recuerdo. 

¿Cómo nació tu relación con la música?

Pues te diría que desde que me alcanza la memoria, la música siempre ha estado presente en mi vida y ha sido de lo más importante. 

A lo largo del camino, tomé clases de danza y otras disciplinas como hip hop, ballet o jazz. Luego, ya de preadolescente, iba a bailar a las discotecas para menores que había en mi Uruguay natal (risas). Supongo que la necesidad de empezar a pinchar comenzó allí, estando al otro lado, en la pista de baile. Para mí, ese siempre fue un lugar sagrado. Es donde conecto con mi verdadera esencia.

¿Y cuándo empezaste a pinchar?  

Pues hace tan solo tres añitos. Fue algo repentino. Después de una fiesta, justamente al acabar el último set, me senté a descansar y lo vi muy claro. Fue algo así como una epifanía (risas), una especie de revelación. De repente sentí que tenía algo para compartir desde otro lugar. Había pasado muchos años viviendo la música desde la pista de baile, y por primera vez me vi a mí misma al otro lado, construyendo esa experiencia para los demás. 

Un año más tarde, ya estaba pinchando en fiestas. Entonces, es cuando decidí ponerme como nombre artístico ‘Belucha’, que es la derivación de un apodo por el que conocían en mi adolescencia. Ahora, en esta nueva etapa, prefiero utilizar mi nombre y el apellido de mi madre: Belén Pacífico.

¿Con qué estilo te sientes más cómoda?  

Te diría que principalmente con el ‘house’ y sus subgéneros, desde el ‘minimal’ hasta el ‘deep’. Mi sonido también tiene influencias de los ochenta y los noventa, y me gusta explorar distintos matices dentro de esos estilos. Claro que también depende del lugar y de la hora en la que me toque tocar. No es lo mismo lo que pincho en un beach club por la tarde que lo que pongo de madrugada en un club.

¿Recuerdas tu primer bolo?  

¡Cómo no acordarme! (risas). Mi primera vez fue en una fiesta privada, organizada por unos amigos, de disfraces. Fue un back to back con un amigo que también estaba empezando. Recuerdo que durante todo el día me temblaron las piernas de los nervios. Era muy novata en ese entonces (risas). 

Mi primer bolo, ya profesional, fue en un restaurante en Cala d’Or al que llegué después de ver por redes que buscaban un deejay. Con valentía y confianza me postulé y lo conseguí (risas). 

Aquello fue una tremenda aventura. Ese día justo estaba en un retiro de yoga. Cuando me quise dar cuenta ya iba tarde, así que tuve que irme a toda prisa en un coche prestado, secándome el sudor y cambiándome en el coche de camino (risas). Una escena muy de película. Por suerte, también todo salió fenomenal. Otro día clave en mi carrera que me guardo en el baúl de los recuerdos.

Menuda carrera meteórica… 

La verdad es que ha ido todo bastante rápido. Al poco tiempo empezaron a surgir oportunidades para tocar en clubes, fiestas y agencias, y desde el verano pasado pude empezar a dedicarme profesionalmente a la música. Durante un tiempo lo compaginé con mi trabajo como profesora de yoga, pero cada vez dedicaba más tiempo y energía a este proyecto. 

Siento que estoy aprendiendo constantemente. Cada etapa trae retos nuevos, no solo a nivel técnico o profesional, sino, y sobre todo, personal. Considero que hay mucho trabajo detrás de este camino que muchas veces no se ve. 

Intento recordarme a menudo por qué empecé. En una industria donde pasan tantas cosas y todo se mueve tan rápido, es fácil perderse en las expectativas, las exigencias o en lo que viene después. Para mí es importante volver una y otra vez a la intención original: el amor y el respeto por la música, por el baile y por esa sensación que siempre encontré en la pista, incluso mucho antes de estar detrás de una cabina.

De momento, ¿Cuál ha sido la fiesta de tu vida?

Pues se me ocurren un par, pero me quedaría con una reciente de Pyramid Ibiza en el Over Club. Venía de un momento delicado a nivel personal y esa noche fue muy especial para mí. Además, pude compartir cabina con Traumer, un artista que me gusta mucho y al que admiro. 

Lo disfruté muchísimo, y recibí muchísimo amor del público. Fue una noche muy significativa. Se sintió como una gran confirmación.

Por cierto, ¿Te llama la atención el tema de la producción?

Obviamente, me interesa. Y lo respeto mucho. Aprender a producir es algo que me atrae y no descarto para nada hacerlo en algún momento. Pero, ahora mismo, estoy enfocada en la mezcla a vinilo y dedicándole energía a ello.

Cambiando de tema ¿Cómo ves la escena la isla?

Creo que la escena está constantemente en crecimiento y transformación. Cada vez surgen más propuestas, colectivos y artistas con ganas de aportar algo propio, y eso me parece muy positivo.

Obviamente, Mallorca no deja de ser una isla, y no podemos comparar su tamaño ni su oferta cultural con la de grandes ciudades. Aun así, eso también tiene algo bonito: las escenas son más cercanas, las personas se conocen y existe una sensación de comunidad que se siente mucho. 

Por otro lado, también creo que es natural que quienes vivimos y trabajamos aquí sintamos la necesidad de salir de vez en cuando, descubrir y nutrirnos de otras escenas, inspirarnos y volver más frescos. Al final, ese intercambio también forma parte del crecimiento de una escena.

¿Qué consejo le darías a alguien que quiera aprender a pinchar?

Por un lado está lo técnico, claro. Hay una parte de la música que tiene estructura y lógica, y en cierta medida es matemática, y sí, entender lo básico de teoría musical ayuda muchísimo y da mucha libertad. Eso no se niega.

Escuchar música, ir a los clubes a escuchar y mirar al deejay. Todo eso también ayuda muchísimo. 

Pero más allá de eso, me nace compartir que es un camino que, como cualquier proceso de aprendizaje o creativo, requiere paciencia. Como comenté antes, es importante no perderse ni olvidarse de por qué lo estamos haciendo. Reconectar constantemente con ese amor y ese respeto hacia la música es, para mí, lo principal.

Para acabar ¿Qué planes de futuro tienes?

Ahora mismo estoy haciendo la temporada de verano, con algunas residencias en beach clubs y diferentes fechas en clubes y eventos de la isla. 

Tengo muchas ganas de seguir creciendo, desarrollándome como artista y ampliando horizontes. Me ilusiona poder llevar mi música a otros lugares, tocar fuera, conocer nuevas escenas… y así seguir creciendo.

FAST CHECK 

• Un deejay: Tomoki Tamura
• Un productor: Glenn Underground
• Un tema: “Baby wants to ride” de Frankie Knuckles
• Un estilo que no sea electrónica: jazz
• Un club: Sisyphos Berlin
• Un festival: Garbicz Festival (Polonia)
• Una comida: una buena pasta
• Una bebida: agua de coco
• Una película: “El club de los poetas muertos” (Peter Weir, 1989)
• Una serie: “The Office” 
• Un lugar para perderse: el bosque

Este articulo Belén Pacífico (Belucha), nominada en los MEM Awards: “El amor y el respeto por la música siguen siendo mi brújula” aparece en La Siesta Magazine escrito por: Tommy M. Jaume

Hay clubes que cierran y dejan nostalgia. Y hay clubes que cierran —o sobreviven— y dejan una historia que otros países, otras industrias y otros géneros musicales reclaman como propia. Amnesia pertenece al segundo tipo. Este año cumple medio siglo.

LA FINCA, EL FILÓSOFO Y EL NOMBRE QUE LO EXPLICA TODO

En 1976, Antonio Escohotado firmó un contrato de arrendamiento sobre una casa de campo ibicenca y la convirtió en sala de espectáculos. Escohotado no era promotor ni empresario nocturno: era filósofo, ensayista, figura de la contracultura española que había llegado a Ibiza buscando otra cosa. Quería llamar al local «El Taller del Olvido». Fue Manolo Sáenz de Heredia, uno de los cofundadores, quien propuso el nombre griego que resumía la misma idea con una sola palabra: Amnesia.

La finca donde se instalaron había pertenecido durante cinco generaciones a la familia Planells, que la vendió en 1970 a una viuda de origen aristocrático. Antes de convertirse en club, el lugar funcionó como punto de encuentro para hippies, idealistas y músicos de paso. Ibiza no era todavía la industria que es ahora. Era otra cosa: un refugio, un margen, un lugar donde las reglas del continente no llegaban con la misma fuerza.

Lo de Escohotado duró poco. El negocio no daba grandes beneficios —o los precios eran demasiado bajos, o había demasiados gorrones, según su propio relato— y el proyecto original cerró al cabo de ocho meses. Pero el nombre quedó. Y la licencia. Y la idea.

EL HOMBRE QUE INVENTÓ UN GÉNERO SIN PROPONÉRSELO

Alfredo Fiorito nació en Rosario, Argentina, en 1953. Emigró a Ibiza en 1976 huyendo de la dictadura. Trabajó fabricando velas, repartiendo y diseñando moda. No era DJ. Cuatro años después de su llegada, encontró su primer mezclador mientras servía copas en un bar del puerto. El aparato tenía dos platos y un funcionamiento sencillo: subir un cursor o el otro para que sonara el disco. 

Ahí empezó todo lo demás.

En 1984 se incorporó como residente de Amnesia. Su estilo combinaba rock, pop europeo, soul, música latina, electrónica temprana, italo disco y el primer house. Se alejaba de los cánones de género y respondía a la dinámica emocional de la pista. No construía sets por géneros. Los construía por estados de ánimo, por la luz que entraba desde la terraza descubierta, por la hora del amanecer. Ponía Kraftwerk junto a Bob Marley, The Human League junto a Marvin Gaye. Lo que no encajaba en ninguna categoría era exactamente lo que funcionaba.

Lo que nadie explica del todo es que el «balearic beat» no fue un género que Alfredo decidió inventar. Fue el nombre que otros pusieron a lo que él ya hacía.

EL VERANO DE 1987 Y EL MOMENTO QUE LO CAMBIÓ TODO

En septiembre de 1987, cuatro DJs londinenses —Nicky Holloway, Paul Oakenfold, Danny Rampling y Johnny Walker— pasaron una semana en Ibiza. Iban a celebrar el 24 cumpleaños de Oakenfold. Habían oído hablar de Amnesia: una antigua granja reconvertida, alejada de los pubs ingleses y de las zonas más pobladas de la isla, con un DJ argentino que no se parecía a nada de lo que conocían.

Llegar al club era complicado —estaba en una zona remota— y tuvieron que juntar el dinero entre todos para pagarse el transporte. Mereció la pena.

Rampling lo describió años después sin ambigüedades: «Amnesia y DJ Alfredo lo cambiaron todo. Sabíamos después de la primera noche que aquello era algo muy especial.» De vuelta en Londres, Rampling abrió Shoom el 5 de diciembre de 1987, en el sótano de un gimnasio en Southwark. Oakenfold lanzó Spectrum en abril de 1988. Holloway, Trip en mayo del mismo año. El acid house se extendió por el Reino Unido con la velocidad y la desorientación de algo que no tiene nombre todavía cuando empieza. 

Pero hay que ser precisos. No fueron los primeros en llevar el house music al Reino Unido —el DJ Jazzy M ya tenía un programa en la emisora pirata London Weekend Radio desde 1986—, aunque sí hicieron más que nadie por popularizarlo. La historia tiene épica suficiente sin necesidad de simplificarla.

DE LA TERRAZA ABIERTA AL TECHO Y LA INDUSTRIA

Amnesia en los ochenta era, físicamente, otra cosa. La pista estaba al aire libre. La luz del amanecer caía sobre los cuerpos. No había normativa que dijera cuándo parar. Esta forma de programar sesiones prolongadas, con horarios que se extendían hasta las primeras horas de la mañana, convirtió a Amnesia espontáneamente en uno de los primeros after-hours.

Eso acabó. Las regulaciones llegaron, las terrazas se cerraron, los horarios se acotaron. El 22 de junio de 1991, Amnesia reabrió bajo la gestión de MFC, ya con techo, ya con otra escala. Las cuatro barras originales se multiplicaron hasta dieciséis. El personal pasó de 16 a más de 200 empleados en temporada.

Y sin embargo, algo no cambió. O al menos eso es lo que defienden quienes llevan el club. En una Ibiza que evoluciona hacia propuestas cada vez más visuales y espectaculares, Amnesia mantiene la música electrónica y la pista de baile como núcleo de la experiencia. No es una afirmación neutral —la hace el propio club—, pero tampoco es solo marketing. Amnesia ganó el título de Best Global Club en los IDMA Awards de Miami en 2007, 2008, 2009 y 2011. Cuatro veces en cinco años. Algo sostenía esa reputación.

Este articulo Amnesia Ibiza, 50 años: la finca que cambió la historia de la música electrónica aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

La edición 2026 del Festival de les Arts ha quedado marcada por una decisión sin precedentes. La organización se ha visto obligada a cancelar la segunda jornada del evento después de que las autoridades determinaran que durante la primera jornada se superaron los límites acústicos permitidos por la normativa municipal y por una reciente sentencia judicial que obliga a proteger a los vecinos de la zona de la contaminación sonora.

La suspensión se produjo apenas unos minutos antes de la apertura de puertas del sábado, generando desconcierto entre miles de asistentes que ya se encontraban en Valencia para disfrutar de uno de los festivales de música independiente más importantes de España.

UNA SENTENCIA QUE LO CAMBIÓ TODO

El origen del conflicto se remonta a una sentencia dictada el pasado mes de marzo, en la que un juzgado dio la razón a varios vecinos del entorno de la Ciudad de las Artes y las Ciencias, considerando que los niveles de ruido generados por los festivales celebrados en la zona vulneraban sus derechos fundamentales. La resolución obligaba al Ayuntamiento de Valencia a garantizar el cumplimiento estricto de los límites acústicos establecidos.

Ante esta situación, otros eventos musicales optaron por trasladarse a diferentes recintos. Sin embargo, el Festival de les Arts decidió mantenerse en su ubicación habitual, aplicando limitadores de sonido, modificando horarios y adoptando medidas extraordinarias para cumplir la normativa.

EL PROBLEMA DEL SONIDO MARCÓ LA PRIMERA JORNADA

Desde los primeros conciertos del viernes comenzaron a surgir las quejas entre los asistentes. Numerosos espectadores denunciaron que el volumen era insuficiente para disfrutar de las actuaciones, llegando incluso a corear consignas como «no se oye» durante varios conciertos.

La situación afectó también a los artistas. La cantante Leire Martínez tuvo que interrumpir temporalmente su actuación para explicar al público que las restricciones sonoras escapaban al control de los músicos. Otros grupos mostraron igualmente su malestar por unas condiciones que dificultaban ofrecer un espectáculo de calidad.

Paradójicamente, pese a las limitaciones impuestas y a las constantes protestas por el bajo volumen, las mediciones realizadas por las autoridades detectaron que los niveles permitidos fueron superados durante la jornada inaugural. Esa circunstancia activó el protocolo previsto y derivó en la suspensión definitiva de la segunda jornada.

DEVOLUCIONES Y MALESTAR GENERALIZADO

Tras anunciarse la cancelación, la organización informó de que devolverá íntegramente el importe de las entradas correspondientes al sábado, además del saldo restante de las pulseras de consumo. Los poseedores de abonos recibirán también el reembolso del 50% de su importe.

La decisión ha provocado una fuerte frustración tanto entre los asistentes como entre los promotores, que aseguran haber trabajado durante meses para adaptar el festival a las nuevas exigencias legales y estudiar posibles ubicaciones alternativas.

EL FUTURO DE LOS FESTIVALES EN VALENCIA

La cancelación del Festival de les Arts abre ahora un debate de gran alcance sobre la convivencia entre los grandes eventos culturales y el derecho al descanso vecinal.

Los promotores musicales advierten de que las actuales limitaciones pueden comprometer la viabilidad de algunos festivales e incluso provocar que ciertos artistas internacionales descarten actuar en Valencia. Por su parte, las administraciones recuerdan que están obligadas a cumplir las resoluciones judiciales y garantizar el respeto a la normativa acústica.

Lo ocurrido este fin de semana supone un punto de inflexión para la industria musical valenciana. La cancelación de una de las citas más emblemáticas del calendario cultural evidencia que la búsqueda de un equilibrio entre actividad cultural, turismo y calidad de vida vecinal será uno de los grandes desafíos de los próximos años.

Este articulo Se cancela el Festival de les Arts por incumplir la ordenanza de ruido: un duro golpe para la música en Valencia aparece en La Siesta Magazine escrito por: Joan Miquel Perpinya

La cantante española suspendió los conciertos del LUX Tour 2026 programados esta semana en Miami y Orlando por una emergencia familiar imprevista. El anuncio llegó a pocas horas del arranque del primer show, cuando miles de fans ya tenían billetes, hoteles y planes de viaje cerrados.

LA NOTICIA QUE NADIE ESPERABA A POCAS HORAS DEL PRIMER SHOW

Live Nation emitió un comunicado urgente en el que anunciaba el aplazamiento de tres fechas: los días 4 y 6 de junio en el Kaseya Center de Miami y el 8 de junio en el Kia Center de Orlando. El texto era escueto. Sin detalles, sin cronología, sin nombre de familiar ni tipo de emergencia. Solo una disculpa y una instrucción: conservad las entradas.

«Debido a una emergencia familiar, Rosalía se ve obligada a posponer sus próximos conciertos en Miami y Orlando. Lamenta decepcionar a sus fans, pero las circunstancias no le han dejado otra opción. Mientras se estudia la posibilidad de reprogramar la gira, por favor, conserva tu entrada. Pronto daremos más información», rezaba el comunicado distribuido por la promotora.

Nadie lo vio venir. Porque el calendario no dejaba margen de duda.

La gira daba este jueves el salto a América tras su paso por Europa entre el 16 de marzo y el 6 de mayo. Florida era el arranque de la etapa más larga e importante de LUX Tour. Después de Miami y Orlando, el recorrido tenía previsto llegar a Boston el 11 de junio, y continuar por Nueva York, Chicago, Houston, Los Ángeles, San Diego y Oakland antes de cruzar a Canadá y de ahí a Latinoamérica a partir del 16 de julio. Todo eso sigue en pie, por ahora. 

QUÉ SE SABE Y QUÉ NO SE SABE

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La información confirmada hasta ahora es limitada. Live Nation Florida informó que los conciertos fueron pospuestos por una emergencia familiar que requiere la atención inmediata de la cantante. Punto y aparte.

Lo que nadie explica es la naturaleza de esa emergencia. Por el momento no ha trascendido ningún detalle sobre los motivos exactos ni la gravedad de la situación, aunque se presupone que la artista se ha desplazado a Barcelona para estar cerca de su entorno más íntimo.

Ese entorno tiene un nombre propio que aparece siempre que se habla de la arquitectura real de su carrera. Su madre, Pilar Tobella, no solo encabeza su círculo más cercano sino que gestiona los aspectos financieros de la carrera de la artista a través de la empresa familiar Motomami SL. La familia, en el caso de Rosalía, nunca ha sido un telón de fondo: es la estructura.

Pero más allá de las especulaciones, los hechos son tres conciertos cancelados a menos de 24 horas de su celebración y miles de asistentes —muchos de ellos llegados desde otros estados— sin saber cuándo ni si verán el espectáculo.

QUÉ PASA CON LAS ENTRADAS Y CON EL RESTO DE LA GIRA

Las empresas encargadas de la logística solicitaron al público que conserve sus entradas originales. Los boletos adquiridos mantendrán su validez total para los nuevos días que el equipo técnico gestione a la brevedad. No se habla de devoluciones. Se habla de reprogramación.

El concierto de Boston, previsto para el 11 de junio, no figura entre los afectados. Por ahora, el resto del calendario estadounidense de la gira no prevé cambios.

Pero conviene recordar el tamaño de lo que está en juego. LUX Tour 2026 es la gira más extensa hasta ahora en la carrera de Rosalía: 17 países, 42 conciertos en grandes recintos. Tres fechas canceladas son, estadísticamente, una fracción pequeña. Para los fans de Florida que llevan meses esperando, son todo.

Este articulo Rosalía para su gira en mitad del salto a América: cancela tres conciertos en Florida por una emergencia familiar aparece en La Siesta Magazine escrito por: Malik Dehouche

Once años llevan los fans mallorquines esperando que Alejandro Sanz volviera a pisar un escenario en la isla. La última vez fue en 2015, en la Plaza de Toros de Palma, donde congregó a cerca de 9.000 personas y colgó el cartel de entradas agotadas. Ahora el regreso llega con otra escala: el Estadi Mallorca Son Moix, un recinto muy distinto, y una gira mundial de por medio.

El concierto está fijado para el 17 de junio de 2026 dentro del tour ¿Y Ahora Qué?, el mismo nombre que su álbum más reciente, con cuatro nominaciones a los Latin Grammy 2025. Grup Trui, la promotora mallorquina que gestiona el evento, ha confirmado un aforo habilitado de 17.000 personas —el estadio tiene capacidad para algo más de 26.000 en partidos de fútbol, pero la configuración escénica reduce la cifra disponible—. El escenario se ubicará sobre el propio césped, siguiendo el modelo de los últimos grandes conciertos celebrados en el recinto, como los de Joaquín Sabina o Rels B.

Nadie esperaba menos. Y aun así, la demanda superó las previsiones en pocas horas.

PRECIOS Y ZONAS: CUATRO OPCIONES PARA 17.000 PERSONAS

Los precios van desde los 66 euros hasta los 165 euros, según la web de venta. Se han habilitado cuatro zonas diferenciadas: el Front Stage, zona de pie más cercana al escenario, sobre el propio césped; una entrada general también de pie en el césped; las gradas del Fondo Norte; y las gradas laterales Este y Oeste, para quienes prefieran ver el espectáculo sentados. 

Hay una quinta opción que juega en otra categoría de precio: la zona Ikono Premium Club, una experiencia VIP con vistas panorámicas, acceso independiente, baños privados y servicio de restauración.

LA DEMANDA QUE NO SORPRENDIÓ A NADIE

A la hora y media del lanzamiento de entradas, las ventas ya eran muy altas, con colas virtuales formadas en las plataformas habilitadas, según declaró el propio Jaume. El promotor lo calificó de esperable, pero también celebró que Son Moix ofrezca condiciones que otros recintos de la isla no tienen: césped, gradas con buena visibilidad, accesos. Un argumento de producción que, en el fondo, también es un argumento de precio.

El último concierto de Sanz en Mallorca —hace once años, en un recinto con la mitad de aforo— se agotó. Este tiene el doble de capacidad y los precios más altos. Y sigue sin entradas disponibles en los canales oficiales.

La gira mundial arrancó en México y recorre Latinoamérica antes de la etapa española. Mallorca forma parte de una secuencia de grandes recintos: Estadio La Cartuja de Sevilla el 6 de junio, Bizkaia Arena el 14, Son Moix el 17 y el Metropolitano de Madrid el 20. Cuatro estadios en dos semanas. No es una gira de teatros.

EL REPERTORIO: CLÁSICOS Y ÁLBUM NUEVO

Sanz ofrecerá un recorrido por sus grandes clásicos —Corazón partío, ¿Y si fuera ella?, Mi soledad y yo, Amiga mía o La tortura, el hit que grabó con Shakira— junto a los temas más recientes de ¿Y Ahora Qué? El álbum que da nombre a la gira cuenta con cuatro nominaciones a los Latin Grammy 2025. No es un ciclo de despedida ni una retrospectiva: Sanz presenta material nuevo con la infraestructura de un artista con treinta años de clásicos a sus espaldas.

Pero ocurre algo con las giras de este formato. El espectáculo se diseña para estadios —pantallas, producción audiovisual, banda grande—, lo que inevitablemente aleja al artista del público de una manera que no ocurría en la Plaza de Toros.

Este articulo Alejandro Sanz vuelve a Mallorca once años después aparece en La Siesta Magazine escrito por: Redacción