Fotos J. Fernández Ortega

Lo primero es darte la enhorabuena por la nominación en la segunda edición de los MEM Awards…  

Muchas gracias. ¡La verdad es que no me lo esperaba! Además, tampoco nos conocíamos de antes, así que, como puedes imaginarte, fue una sorpresa cuando me llamaste para darme la noticia. Recuerdo que me puse muy contenta, sobre todo teniendo en cuenta el poco tiempo que llevo en la escena. 

Sentí la nominación como una forma de reconocimiento al trabajo duro que hay detrás. Fue un regalo, como también lo fue compartir esa gala con tanta gente de la escena y grandes artistas. Sin duda, fue una experiencia muy linda de la que guardo un gran recuerdo. 

¿Cómo nació tu relación con la música?

Pues te diría que desde que me alcanza la memoria, la música siempre ha estado presente en mi vida y ha sido de lo más importante. 

A lo largo del camino, tomé clases de danza y otras disciplinas como hip hop, ballet o jazz. Luego, ya de preadolescente, iba a bailar a las discotecas para menores que había en mi Uruguay natal (risas). Supongo que la necesidad de empezar a pinchar comenzó allí, estando al otro lado, en la pista de baile. Para mí, ese siempre fue un lugar sagrado. Es donde conecto con mi verdadera esencia.

¿Y cuándo empezaste a pinchar?  

Pues hace tan solo tres añitos. Fue algo repentino. Después de una fiesta, justamente al acabar el último set, me senté a descansar y lo vi muy claro. Fue algo así como una epifanía (risas), una especie de revelación. De repente sentí que tenía algo para compartir desde otro lugar. Había pasado muchos años viviendo la música desde la pista de baile, y por primera vez me vi a mí misma al otro lado, construyendo esa experiencia para los demás. 

Un año más tarde, ya estaba pinchando en fiestas. Entonces, es cuando decidí ponerme como nombre artístico ‘Belucha’, que es la derivación de un apodo por el que conocían en mi adolescencia. Ahora, en esta nueva etapa, prefiero utilizar mi nombre y el apellido de mi madre: Belén Pacífico.

¿Con qué estilo te sientes más cómoda?  

Te diría que principalmente con el ‘house’ y sus subgéneros, desde el ‘minimal’ hasta el ‘deep’. Mi sonido también tiene influencias de los ochenta y los noventa, y me gusta explorar distintos matices dentro de esos estilos. Claro que también depende del lugar y de la hora en la que me toque tocar. No es lo mismo lo que pincho en un beach club por la tarde que lo que pongo de madrugada en un club.

¿Recuerdas tu primer bolo?  

¡Cómo no acordarme! (risas). Mi primera vez fue en una fiesta privada, organizada por unos amigos, de disfraces. Fue un back to back con un amigo que también estaba empezando. Recuerdo que durante todo el día me temblaron las piernas de los nervios. Era muy novata en ese entonces (risas). 

Mi primer bolo, ya profesional, fue en un restaurante en Cala d’Or al que llegué después de ver por redes que buscaban un deejay. Con valentía y confianza me postulé y lo conseguí (risas). 

Aquello fue una tremenda aventura. Ese día justo estaba en un retiro de yoga. Cuando me quise dar cuenta ya iba tarde, así que tuve que irme a toda prisa en un coche prestado, secándome el sudor y cambiándome en el coche de camino (risas). Una escena muy de película. Por suerte, también todo salió fenomenal. Otro día clave en mi carrera que me guardo en el baúl de los recuerdos.

Menuda carrera meteórica… 

La verdad es que ha ido todo bastante rápido. Al poco tiempo empezaron a surgir oportunidades para tocar en clubes, fiestas y agencias, y desde el verano pasado pude empezar a dedicarme profesionalmente a la música. Durante un tiempo lo compaginé con mi trabajo como profesora de yoga, pero cada vez dedicaba más tiempo y energía a este proyecto. 

Siento que estoy aprendiendo constantemente. Cada etapa trae retos nuevos, no solo a nivel técnico o profesional, sino, y sobre todo, personal. Considero que hay mucho trabajo detrás de este camino que muchas veces no se ve. 

Intento recordarme a menudo por qué empecé. En una industria donde pasan tantas cosas y todo se mueve tan rápido, es fácil perderse en las expectativas, las exigencias o en lo que viene después. Para mí es importante volver una y otra vez a la intención original: el amor y el respeto por la música, por el baile y por esa sensación que siempre encontré en la pista, incluso mucho antes de estar detrás de una cabina.

De momento, ¿Cuál ha sido la fiesta de tu vida?

Pues se me ocurren un par, pero me quedaría con una reciente de Pyramid Ibiza en el Over Club. Venía de un momento delicado a nivel personal y esa noche fue muy especial para mí. Además, pude compartir cabina con Traumer, un artista que me gusta mucho y al que admiro. 

Lo disfruté muchísimo, y recibí muchísimo amor del público. Fue una noche muy significativa. Se sintió como una gran confirmación.

Por cierto, ¿Te llama la atención el tema de la producción?

Obviamente, me interesa. Y lo respeto mucho. Aprender a producir es algo que me atrae y no descarto para nada hacerlo en algún momento. Pero, ahora mismo, estoy enfocada en la mezcla a vinilo y dedicándole energía a ello.

Cambiando de tema ¿Cómo ves la escena la isla?

Creo que la escena está constantemente en crecimiento y transformación. Cada vez surgen más propuestas, colectivos y artistas con ganas de aportar algo propio, y eso me parece muy positivo.

Obviamente, Mallorca no deja de ser una isla, y no podemos comparar su tamaño ni su oferta cultural con la de grandes ciudades. Aun así, eso también tiene algo bonito: las escenas son más cercanas, las personas se conocen y existe una sensación de comunidad que se siente mucho. 

Por otro lado, también creo que es natural que quienes vivimos y trabajamos aquí sintamos la necesidad de salir de vez en cuando, descubrir y nutrirnos de otras escenas, inspirarnos y volver más frescos. Al final, ese intercambio también forma parte del crecimiento de una escena.

¿Qué consejo le darías a alguien que quiera aprender a pinchar?

Por un lado está lo técnico, claro. Hay una parte de la música que tiene estructura y lógica, y en cierta medida es matemática, y sí, entender lo básico de teoría musical ayuda muchísimo y da mucha libertad. Eso no se niega.

Escuchar música, ir a los clubes a escuchar y mirar al deejay. Todo eso también ayuda muchísimo. 

Pero más allá de eso, me nace compartir que es un camino que, como cualquier proceso de aprendizaje o creativo, requiere paciencia. Como comenté antes, es importante no perderse ni olvidarse de por qué lo estamos haciendo. Reconectar constantemente con ese amor y ese respeto hacia la música es, para mí, lo principal.

Para acabar ¿Qué planes de futuro tienes?

Ahora mismo estoy haciendo la temporada de verano, con algunas residencias en beach clubs y diferentes fechas en clubes y eventos de la isla. 

Tengo muchas ganas de seguir creciendo, desarrollándome como artista y ampliando horizontes. Me ilusiona poder llevar mi música a otros lugares, tocar fuera, conocer nuevas escenas… y así seguir creciendo.

FAST CHECK 

• Un deejay: Tomoki Tamura
• Un productor: Glenn Underground
• Un tema: “Baby wants to ride” de Frankie Knuckles
• Un estilo que no sea electrónica: jazz
• Un club: Sisyphos Berlin
• Un festival: Garbicz Festival (Polonia)
• Una comida: una buena pasta
• Una bebida: agua de coco
• Una película: “El club de los poetas muertos” (Peter Weir, 1989)
• Una serie: “The Office” 
• Un lugar para perderse: el bosque

Este articulo Belén Pacífico (Belucha), nominada en los MEM Awards: “El amor y el respeto por la música siguen siendo mi brújula” aparece en La Siesta Magazine escrito por: Tommy M. Jaume

El 15 de junio, en el Mercedes-Benz Stadium de Atlanta, la selección española empató 0-0 ante Cabo Verde —un país que jugaba su primera Copa del Mundo en la historia— en un partido que Luis de la Fuente describió después como un encuentro que «deberíamos haber ganado». Yamal entró en el minuto 70, jugó veinte minutos, no pudo romper la muralla defensiva que organizó el técnico Pedro Brito, y al pitido final buscó a su pareja en la grada. La encontró.

España debutó en el Mundial 2026 sin ganar, y Lamine Yamal salió del campo abrazado a su novia.

Inés García Santos, 21 años, influencer sevillana con cerca de 371.000 seguidores en Instagram, había viajado a Atlanta para el debut. Llevaba la camiseta de la selección con el dorsal 19. Cuando Yamal saltó al terreno de juego, ella lo grabó y publicó el momento en sus stories con un corazón. Él respondió en comentarios a la foto que ella publicó en el estadio con una sola palabra: «Preciosa». El comentario acumuló casi 30.000 likes en pocas horas.

No era un gesto casual.

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LA RELACIÓN, PÚBLICA DESDE MAYO

La pareja hizo oficial su relación el 20 de mayo de 2026, cuando acudieron juntos a la cena de celebración del título de Liga del FC Barcelona. Los rumores habían circulado desde abril, pero fue esa noche la que cerró cualquier especulación. Yamal inició esta relación meses después de su mediática ruptura con la cantante Nicki Nicole, a finales de 2025.

Desde entonces, García Santos ha ido asumiendo de forma progresiva el papel que los medios anglosajones llaman WAG —wives and girlfriends—, ese foco mediático que recae sobre las parejas de los futbolistas internacionales durante los grandes torneos. No es un rol que ella haya buscado de forma explícita, pero el contexto lo construye solo: cuando tu novio tiene 18 años, juega en el FC Barcelona y es el mejor jugador joven del mundo, la cámara te encuentra antes de que te muevas.

LA NOCHE DE ATLANTA: GESTOS QUE SE VIRALIZAN SOLOS

A pesar del final amargo del primer partido, los jugadores de la selección española tuvieron el apoyo de toda su familia. Especialmente, Inés García fue la protagonista de la red por diferentes motivos.

El más comentado: Yamal compartió en sus stories una imagen junto a su novia y a su hermano pequeño Keyne —toda una estrella en redes sociales—, una imagen que no pasó desapercibida. Horas después del partido, García fue fotografiada junto al jugador en las gradas, luciendo la camiseta de España con el nombre y el número de Yamal, después de un resultado que dejó a La Roja con trabajo por delante en el Grupo H. 

El propio Yamal publicó en redes un mensaje dirigido a la afición española: «Primer partido del Mundial y sumamos un punto. Sabemos que esto es una competición larga y que el objetivo aún está lejos, seguiremos trabajando y saldrá todo como lo deseamos, no dudéis.» Habló también de gratitud por haber podido jugar después de la lesión.

Y ahí, en ese texto, estaba la clave del contexto que hace más significativa la presencia de Inés García en Atlanta.

EL REGRESO DESPUÉS DE LA LESIÓN

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Días antes del debut, la preocupación sobre la condición física de Yamal era real. El jugador había arrastrado una lesión en el bíceps femoral de la pierna izquierda que puso en serias dudas su participación en el Mundial. Fue García quien se encargó de calmar los ánimos antes del primer partido. Publicó en sus stories una fotografía de Yamal tumbado en la cama con una mascarilla facial y escribió: «No os preocupéis por él, llega perfecto al Mundial.»

El mensaje llegó antes que cualquier comunicado oficial. Y funcionó.

Yamal jugó los últimos veinte minutos contra Cabo Verde. El Barcelona aportó energía fresca en el ataque, pero no fue suficiente para romper la muralla del portero Vozinha, de 40 años, que firmó una actuación que la FIFA reconoció como la mejor del partido. España terminó el encuentro con 62% de posesión y 23 remates, sin un solo gol que mostrar.

Pero eso, en Atlanta, fue cosa del campo. Fuera, García Santos ya era tendencia.

Este articulo Inés García, el apoyo de Lamine Yamal en el debut más amargo aparece en La Siesta Magazine escrito por: Neus Bellver

Una sola fotografía por autor. Sin texto. Sin explicación. La Associació de Fotoperiodistes de les Illes Balears lanza con Photo Press una apuesta conceptualmente exigente: poner a prueba la autonomía narrativa de la imagen periodística aislándola de todo apoyo verbal de un artículo, y ver si aguanta sola el peso de lo que cuenta. La respuesta, anticipada en la propia decisión de montar la muestra, es que sí.

La inauguración tendrá lugar el 19 de junio, de 19 a 21 horas, en el nuevo espacio XForum, ubicado en la calle Industria 19 (bajos) de Palma. Catorce fotógrafos. Catorce imágenes. Un argumento colectivo construido sin una sola palabra de apoyo.

EL FOTOPERIODISMO COMO LENGUAJE, NO COMO ILUSTRACIÓN

Hay una discusión que atraviesa décadas de teoría visual y que las redacciones resuelven cada día de forma práctica, casi sin pensarlo: ¿la fotografía acompaña al texto o es el texto? La respuesta habitual —la fotografía ilustra— ha ido cediendo terreno a medida que los consumidores de información se han acostumbrado a procesar noticias a través de imágenes antes de leer una sola línea.

Photo Press parte de esa premisa y la lleva hasta sus consecuencias más limpias. Al retirar el texto, la imagen queda expuesta. Sin cobertura. Y lo que se comprueba no es fragilidad, sino otra cosa: que una buena fotografía periodística contiene ya su propio relato, su propio conflicto, su propia dirección de lectura.

Los 14 fotoperiodistas seleccionados para esta muestra son Rafel Blanc, Miquel A. Borràs, Isaac Buj, Catalina Cladera, Javier Fernández, Joan Lladó, Manu Mielniezuk, Tomàs Moyà, Damià Prohens, Bartolomé Ramon, Jaime Reina, Alejandro Sepúlveda, Francisco Ubilla e Ismael Velázquez. Nombres que llevan años cubriendo la actualidad de las Islas con una cámara, construyendo un archivo colectivo —disperso, fragmentado, cotidiano— de lo que ocurre en este archipiélago.

UNA SELECCIÓN QUE ES TAMBIÉN UN POSICIONAMIENTO

No es casual que la asociación haya optado por el formato de una imagen por autor. La elección obliga a cada fotógrafo a elegir —o a que se elija por él— cuál es la fotografía que mejor los representa, la que resiste mejor el escrutinio sin acompañamiento. Eso ya dice algo del nivel de exigencia interna que la muestra impone a sus propios participantes.

El espacio elegido refuerza ese tono. XForum es un espacio reciente en el corazón de Palma, y su apertura con una propuesta de estas características —discreta en la forma, rotunda en el fondo— no es un detalle menor. La fotografía documental y de prensa no siempre encuentra hueco en los circuitos habituales del arte y la cultura visual. Cuando lo encuentra, las condiciones importan.

La muestra cuenta con la colaboración de Foto Ruano, señal de que el proyecto tiene respaldo desde el sector especializado en imagen profesional en las islas.

QUÉ SIGNIFICA ESTO PARA EL FOTOPERIODISMO EN BALEARES

El fotoperiodismo local lleva años en una posición incómoda: imprescindible para la cobertura informativa del territorio, pero habitualmente relegado a función de soporte visual en un ecosistema mediático que prioriza la velocidad sobre la profundidad. Las imágenes se publican, sí, pero encuadradas, recortadas, subordinadas al texto y al diseño de página.

Photo Press funciona como contrapropuesta. No confrontacional, pero sí inequívoca. La fotografía aislada obliga a mirar de otra manera: sin ancla textual que oriente la interpretación, el espectador debe construir su propia lectura, y en ese proceso descubre que la imagen ya contiene las instrucciones para hacerlo. El encuadre, la luz, el instante elegido, la tensión entre los elementos que aparecen en el plano —todo eso es lenguaje. Y funciona.

Que sean 14 fotógrafos de las Islas los que protagonicen esta demostración convierte la muestra en algo más que una exposición de autor. Es un estado de situación. Un mapa parcial, subjetivo, pero representativo, de cómo se ve Baleares desde el ojo de quienes tienen por oficio documentar su presente.

Este articulo Photo Press reúne a 14 fotoperiodistas de Baleares para demostrar que la imagen no necesita palabras aparece en La Siesta Magazine escrito por: Ramón Gómez

Hay eventos de moda. Y luego hay lo que THALIBIS propone para el 28 de junio de 2026 en los jardines del Hotel Occidental Playa de Palma: una puesta en escena donde la graduación de modelos de la academia Enluc Paz Modeling deja de ser una ceremonia de cierre y se convierte en un lenguaje visual con lógica propia.

La velada arranca con recepción a las 20:30 horas y tiene previsto su inicio a las 21:00. Un espacio al aire libre, iluminación cálida, ambientación diseñada alrededor del blanco perla y el hibiscus —los dos tonos que articulan toda la narrativa estética del proyecto— y un guion visual inspirado en sirenas, roca y mar. El Mediterráneo como marco conceptual, no como decorado turístico.

LA DIRECCIÓN: DOS NOMBRES DETRÁS DE LA IMAGEN

El proyecto lleva la firma de Enluc Paz, responsable de la narrativa visual y la organización, y del fotógrafo Carlos Bota, que el pasado 17 de mayo realizó el shooting editorial y el making-of que documentará el proceso creativo previo al evento. La producción audiovisual del evento en sí recae en VOA Films, a cargo de capturar lo que ocurra esa noche y convertirlo en material para redes sociales.

La distinción entre el trabajo previo —el shooting como construcción de identidad visual— y la cobertura del evento —la captura del instante— revela una arquitectura de comunicación más cuidada de lo habitual en este tipo de celebraciones. No es una fiesta con fotógrafo. Es un proyecto con estrategia de imagen.

LAS MARCAS: COLECCIONES CÁPSULA CON PALETA UNIFICADA

Tres firmas presentarán colecciones bajo la paleta cromática del evento. Daniela Lara y Estimolo llevarán prendas; Luz de Gaia cubrirá el apartado de accesorios. Las tres, según la organización, han adaptado sus propuestas a los tonos definidos por el proyecto —blanco perla e hibiscus— sin abandonar sus registros naturales.

El apartado de belleza y estilismo suma a SMK Beauty & Makeup by Silvia Ramón y al Salón Kontrastes Hair and Nails. Dos referencias del sector que aportan coherencia técnica a una propuesta donde el detalle estético forma parte del argumento, no del complemento.

Como patrocinadores oficiales aparecen Fascinado y Artego, esta última con una línea de productos naturales que la organización vincula explícitamente al discurso de autenticidad y sostenibilidad del proyecto.

La música correrá a cargo de Charly Feliu, con una selección pensada para acompañar, no para protagonizar.

ENLUC PAZ MODELING: EL NÚCLEO DEL PROYECTO

Lo que THALIBIS celebra, en su raíz, es el trabajo de una academia. La agencia Enluc Paz Modeling forma a modelos en expresión corporal y fotopose —una especialización técnica que la aleja del modelo convencional de agencia comercial— y THALIBIS funciona como la presentación pública de esa formación.

Eso cambia el encuadre. No es un evento de marcas que invitan a modelos. Es una academia que construye un evento a su medida para mostrar lo que ha producido. Las marcas, el fotógrafo, el equipo de belleza y la producción audiovisual orbitan alrededor de esa premisa central.

El problema real de muchas graduaciones de escuelas creativas no es la falta de talento. Es la falta de contexto. THALIBIS intenta resolverlo construyendo un universo estético propio antes de que nadie llegue al jardín.

Este articulo THALIBIS lleva a Mallorca una graduación de modelos que borra la línea entre desfile y experiencia artística aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

El Ajuntament de Palma ha diseñado un calendario de 15 visitas guiadas al cementerio municipal de Son Tril·lo que se extenderá desde el 19 de junio hasta el 26 de diciembre de 2026, combinando recorridos diurnos y nocturnas que pretenden transformar un espacio habitualmente cerrado al relato colectivo en una experiencia cultural de primer orden. No es solo una apertura de puertas. Es una apuesta por la memoria histórica de la ciudad.

El primer turno nocturno arranca a las 22.00 horas del 19 de junio, y desde ese momento el programa no da tregua hasta finales de año: nueve visitas nocturnas y seis diurnas distribuidas con lógica estacional, concentrando la actividad en los meses de calor tardío —agosto, septiembre, octubre— cuando la oscuridad en un cementerio deja de ser amenaza y se convierte en atmósfera.

QUÉ SE PUEDE VER EN SON TRIL·LO

El recorrido no se limita a los grandes panteones. El itinerario despliega capas: la evolución arquitectónica del recinto desde su fundación, las sucesivas ampliaciones que registran el crecimiento de Palma, y los elementos singulares que convierten a Son Tril·lo en un conjunto patrimonial fuera de lo común. Entre ellos, las catacumbas, el mausoleo de los militares italianos —presencia que remite a episodios de la historia contemporánea de Mallorca—, el panteón de aviación y una colección de conjuntos escultóricos cuya simbología funeraria constituye un manual en piedra sobre la cultura de la muerte en los siglos XIX y XX.

Los jardines y los árboles del recinto también forman parte del relato. Son Tril·lo no es solo mármol y silencio; es también un espacio verde con décadas de historia botánica integrada en la arquitectura del duelo.

Las personalidades que reposan en el recinto

La visita incluye referencias a algunas de las figuras más relevantes de la cultura y la política mallorquina. Francesc de Borja Moll, filólogo y pilar de la lengua catalana en las islas. Joan Alcover, poeta del Modernisme. Josep Maria Llompart, intelectual y defensor de la identidad cultural balear. Y Emili Darder, médico y último alcalde republicano de Palma, fusilado en 1937, cuya presencia en el recorrido convierte la visita en algo más que turismo patrimonial: es una forma de restitución.

Cada nombre es también un episodio de la historia de la ciudad. Y el itinerario los conecta.

TEATRIX: CUANDO EL CEMENTERIO HABLA

La programación incorpora la colaboración de Teatrix, compañía que introduce lecturas dramatizadas e intervenciones escénicas basadas en textos históricos y literarios vinculados a los personajes del recorrido. Es una decisión editorial acertada: donde la guía convencional informa, la dramatización emociona. El resultado combina divulgación patrimonial con experiencia sensorial, especialmente efectivo en los recorridos nocturnos.

No es novedad absoluta —Teatrix ya ha participado en ediciones anteriores—, pero su presencia sistemática en el calendario 2026 confirma que el Ajuntament consolida un formato que funciona.

EL CALENDARIO COMPLETO DE VISITAS

Las 15 fechas programadas entre junio y diciembre son las siguientes:

• 19 de junio — nocturna (22.00 h)
• 26 de junio — nocturna (22.00 h)
• 27 de junio — diurna (11.00 h)
• 25 de julio — diurna (19.00 h)
• 29 de agosto — diurna (19.00 h)
• 18 de septiembre — nocturna (22.00 h)
• 25 de septiembre — nocturna (22.00 h)
• 26 de septiembre — diurna (11.00 h)
• 23 de octubre — nocturna (22.00 h)
• 24 de octubre — diurna (11.00 h)
• 30 de octubre — nocturna (22.00 h)
• 6 de noviembre — nocturna (22.00 h)
• 13 de noviembre — nocturna (22.00 h)
• 28 de noviembre — diurna (11.00 h)
• 26 de diciembre — diurna (11.00 h)

Las entradas pueden adquirirse a través de la web municipal efm.palma.es.

Este articulo El cementerio de Son Tril·lo abre sus puertas de noche aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

David Hockney (Yorkshire, 1937 – Londres, 2026) fue otro de esos pasajeros de un tren que pasa por la vida, frente a nuestros ojos, a toda velocidad. No sólo porque aquel tren avanza a idéntica rapidez por nuestras vidas, sino porque él mismo pisaba el acelerador hasta el fondo, sin vértigo, adicto a la adrenalina. Son esos pasajeros que una vez desaparecidos, son acreedores de toda clase de homenajes, que aparecen en la portada de los periódicos alrededor del mundo entero, íconos de una época.

La muerte de David Hockney, ocurrida en Londres el 12 de junio recién pasado a la edad de 88 años, cierra uno de los capítulos más luminosos y trascendentes de la historia del arte contemporáneo. Durante más de seis décadas, el artista británico transformó la manera de entender la pintura figurativa, defendiendo el placer de mirar en una época dominada por las teorías, los discursos y las modas pasajeras. Y es que Hockney siempre estuvo de moda. Su obra, reconocible por la intensidad de su color y por su capacidad para representar la experiencia visual, deja una huella comparable a la de los grandes maestros del siglo XX y XXI.

Nacido en Bradford, Yorkshire, en el seno de una familia trabajadora, mostró desde muy joven un talento para el dibujo. Estudió en la Bradford School of Art y posteriormente en el Royal College of Art de Londres, donde se convirtió en una de las figuras más prometedoras de una generación que redefiniría el arte británico de la postguerra. A comienzo de los años sesenta ya era considerado una de las voces fundamentales del emergente pop art británico, aunque su trayectoria acabaría desbordando cualquier etiqueta estilística. 

Su llegada a Los Ángeles en 1964 marcó un punto de inflexión. Fascinado por la luz californiana, la arquitectura moderna y la libertad de la costa oeste estadounidense, creó algunas de las imágenes más icónicas del arte del siglo XX. Obras como A Bigger Splash (1967), Peter Getting Out of Nick’s Pool (1966) y Portrait of an Artist (pool with Two Figures) (1972) transformaron las piscinas en símbolos universales de deseo, modernidad y contemplación. Ningún otro artista logró convertir un paisaje tan cotidiano en un emblema cultural de alcance global. 

Hockney defendió con firmeza la vigencia de la representación figurativa cuando gran parte del mundo artístico parecía orientarse hacia la abstracción conceptual. Su pintura reivindicó la observación directa, el dibujo y la experiencia humana como ejes centrales de la creación artística. En este sentido, fue uno de los grandes renovadores de la tradición pictórica occidental, tendiendo puentes entre el legado clásico y las sensibilidades contemporáneas.

La influencia en él de artistas como Pablo Picasso, Henri Matisse, Vincent Van Gogh y Piero Della Francesca fue determinante en su formación y posterior producción. Sin embargo, Hockney nunca se limitó a la admiración académica. Estudió la historia del arte con la misma intensidad con la que cuestionó sus convenciones, especialmente las relacionadas con la perspectiva tradicional, desarrollando investigaciones visuales que influyeron tanto en la pintura como en la fotografía contemporánea.

Su producción se extendió mucho más allá del lienzo. Fue un innovador en la fotografía, creando célebres fotomontajes compuestos por múltiples instantáneas; diseñó escenografías para óperas, realizó grabados de notable calidad técnica y, ya en el siglo XXI, se convirtió en uno de los primeros artistas consagrados en adoptar herramientas digitales como el iPhone o el iPad para la creación de obras de gran formato. Lejos de apreciar la tecnología como una amenaza, la entendió como una nueva extensión del acto de dibujar.

Entre sus contribuciones más importantes destaca su exploración constante de la percepción visual. Dedicó décadas a estudiar cómo observamos el mundo y cómo las imágenes pueden representar mejor la experiencia humana del espacio y el tiempo. Sus investigaciones sobre la perspectiva, el movimiento del observador y la fragmentación de la visión influyeron en generaciones de artistas, fotógrafos y técnicos de la imagen. 

Las grandes instituciones internacionales reconocieron tempranamente la magnitud de su legado. Sus exposiciones retrospectivas en la Tate Britain, la Royal Academy of Arts y la Fondation Louis Vuitton, por nombrar sólo algunas, convocaron a millones de visitantes. Incluso en la última etapa de su vida, continuaba siendo una de las figuras más admiradas y vigentes del arte mundial. 

El mercado también defendió su importancia histórica. En 2018, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), alcanzó los 90,3 millones de dólares en subasta, estableciendo entonces el récord para una obra realizada por un artista vivo. Pero su valor no residía en las cifras. Su grandeza radicó en haber construido una obra accesible y sofisticada al mismo tiempo, capaz de emocionar tanto a especialistas como a los espectadores ocasionales, democratizándola.

Abiertamente homosexual en una época en la que ello suponía riesgos personales y profesionales, Hockney también desempeñó un papel capital en la representación de la identidad del colectivo gay dentro de la historia del arte. Sus retratos de amigos, amantes y círculos íntimos ampliaron los límites de la visibilidad cultural y ayudaron a normalizar nuevas formas de representación afectiva en el arte occidental. 

Pocos artistas han combinado con tanta naturalidad la alegría visual, la profundidad intelectual y la innovación técnica como David Hockney. Desde las piscinas soleadas de la sexy California hasta los paisajes monumentales de Yorkshire y Normandía, toda su obra estuvo atravesada por la convicción de que el mundo merece ser observado con atención, curiosidad y asombro. Su pintura convirtió la mirada en una forma de celebración. 

Hasta su último respiro, Hockney continuó concentrando su actividad expositiva en una serie de muestras de enorme escala. La última, realizada en 2025 en la Fondation Louis Vuitton en la ciudad de París, fue la más ambiciosa de toda su carrera. La fundación le dedicó la totalidad del edificio diseñado por Frank Gehry, reuniendo más de 400 obras realizadas entre 1955 y 2025. El artista participó personalmente en la selección y el montaje. Fue considerada la mayor retrospectiva organizada durante su vida. Esta experiencia inmersiva revolucionó la forma de presentar su obra. Utilizando proyecciones monumentales, sonido envolvente y narración del propio creador, permitía recorrer digitalmente sus cuadros, dibujos y fotografías. El éxito fue tal que posteriormente viajó a Corea del Sur, China y otras sedes internacionales. 

Este mismo año, la Pace Gallery, que lo representó internacionalmente, organizó varias muestras centradas en sus obras más recientes. Entre ellas destaca The Moon Room (2026), dedicada a nuevas pinturas y dibujos digitales realizados en Normandía. Asimismo, diversos museos estadounidenses presentaron amplias retrospectivas de su trabajo sobre papel. Entre ellas Perspective Should Be Reversed, en el Honolulu Museum of Art, con más de cien grabados, collages, fotografías y dibujos digitales que recorrían seis décadas de producción. 

Por otro lado, la importancia de David Hockney para la comunidad gay fue enorme, tanto en el plano artístico como en el cultural y social, convirtiéndolo en un pionero de la visibilidad homosexual. Comenzó a abordar temas de temática LGBT a principios de los años sesenta. En aquella época, las relaciones entre hombres seguían siendo ilegales en gran parte del Reino Unido. Mucho antes de que existiera una representación amplia de la diversidad sexual en el arte y los medios, él pintaba escenas inspiradas en su propia experiencia como hombre gay.

Obras como We Two Boys Together Clinging (1961), cuyo título procede de un poema de Walt Whitman, mostraban de forma explícita el afecto y el deseo entre hombres. No se trataba de una reivindicación militante en el sentido político tradicional, pero sí un gesto de gran valentía artística. Durante los años sesenta y setenta, especialmente tras instalarse en Los Angeles, Hockney creó imágenes que transformaron la percepción política de la homosexualidad. 

Aparte de las célebres piscinas, los retratos de parejas y escenas domésticas presentaban a hombres viviendo con naturalidad, elegancia y felicidad. Frente a los estereotipos de marginalidad o tragedia que dominaban muchas representaciones de la época, el pintor mostraba una vida cotidiana plena y luminosa.

Algunas de sus obras más influyentes fueron los retratos de parejas masculinas. Cuadros como Mr and Mrs Clark and Percy contribuyeron a normalizar  estas relaciones y su trabajo abrió un espacio que más tarde ocuparían artistas como Robert Mapplethorpe, Nan Goldin, Wolfgang Tillman o Félix González-Torres, por estos días presente de manera póstuma con una gran retrospectiva en el Museo Reina Sofía de Madrid. 

Durante la crisis del Sida en los años ochenta y noventa, Hockney vivió la devastación que produjo la epidemia en la comunidad artística y homosexual. Aunque no se convirtió en un activista tan visible como otros creadores, muchos de sus amigos y colaboradores murieron durante esos años. Su obra de ese período contiene un tono más meditativo y melancólico, y su propia supervivencia lo convirtió en una figura de referencia para varias generaciones de artistas gays.

Podría decirse que lo suyo fue un modelo de libertad personal. Más allá de sus cuadros, su importancia simbólica radica en que nunca ocultó su orientación sexual ni intentó adaptarse a las expectativas sociales para alcanzar el éxito. Mantuvo una vida pública relativamente abierta desde una época en que pocos personajes famosos podían hacerlo. Para el colectivo LGBT de las décadas de 1960, 1970 y 1980, representó la posibilidad de desarrollar una carrera artística de primer nivel sin renunciar a la propia identidad. Así, hoy pasa a ser una de las figuras fundamentales de la historia cultural del colectivo, creador de imágenes duraderas de amor, deseo y la vida misma entre hombres que lograron entrar en los grandes museos del mundo. 

Con la desaparición de David Hockney se extingue una de las últimas grandes figuras que conectaban directamente la tradición moderna con el presente digital, con un legado que permanece intacto. Como pocos artistas antes que él, logró demostrar que la pintura seguía siendo un lenguaje capaz de reinventarse continuamente y de revelar, una y otra vez, la belleza de estar vivos. Se recordará con admiración a un hombre que supo vivir con intensidad y que logró ser reconocido en esta vida como se merecía. Nos queda, a quienes aún somos pasajeros de ese tren, un legado inigualable repleto de integridad, cariño y generosidad. 

Este articulo Pasajero Hockney aparece en La Siesta Magazine escrito por: Alex Ceball

Una breve pero contundente exposición aparece de forma tímida, discreta, en el centro histórico de la ciudad de Palma, que sin embargo podría tratarse de uno de los eventos artísticos más importantes del año desde el punto de vista histórico, si no a nivel nacional, definitivamente en la historia de la isla de Mallorca y la propia ciudad. El artífice es la Fundación Juan March de Palma y la propuesta, una exposición titulada “Un poco de Infinito”, dedicada a Yves Klein, definitivamente, uno de los creadores más influyentes e innovadores del siglo XX. 

Impacta el hecho de que vaya pasando desapercibida hasta el momento una exposición de esta relevancia, que reúne un conjunto excepcional de piezas del artista francés, que nos aproxima a una trayectoria que transformó para siempre la relación entre la pintura, el espacio y la experiencia; y con ello, la historia del arte misma. Su presencia, hasta ahora, parece ser algo meramente anecdótico para el gran público y la escena artística local.

Pocas figuras resultan tan determinantes para comprender la evolución del arte contemporáneo de posguerra como Yves Klein. Su producción, desarrollada en apenas una década, fue capaz de alterar profundamente los límites tradicionales de la creación artística. Lejos de concebir la pintura como representación, Klein la entendió como una experiencia perceptiva y espiritual, una vía de acceso a lo invisible. Esa ambición radical convirtió al artista en uno de los más grandes renovadores de la segunda mitad del siglo XX.

La obra de Klein refleja a un artista con un estilo enigmático y de profundas ideas revolucionarias sobre la naturaleza y los límites del arte, que persiguió una práctica que inventara una nueva realidad inmaterial. Fue él mismo que se catapultó como una leyenda renovadora del arte moderno que escapaba a cualquier clasificación. 

Al igual que Marcel Duchamp, ascendió al panteón artístico a través de la provocación. Si Duchamp había roto con el arte convencional inventando los ready-made, Klein lo hizo comprometiéndose con el color como fuerza espiritualmente edificante. Atraído por su intensidad, desarrolló una nueva forma de emplearlo en su estado más puro, casi hipnótico, creando un efecto inmaterial, como bien afirma en el catálogo de la exposición la curadora de la muestra, Cristina Carrillo de Albornoz. 

Tanto desde la teoría como desde la práctica del arte, Klein se erigió en campeón y propietario del color. Llegó incluso a patentar un color inédito, su famoso International Klein Blue (IKB). Fue también un pintor del espacio, pero sobre todo, un artista disruptivo y polifacético. Reivindicaba la sensación sobre el intelecto, la sensibilidad pura sobre la presencia material y desafió todos los límites entre pintura, escultura, performance, música, filosofía oriental y arte conceptual para capturar lo invisible, en obras que trascendieron las formas y los materiales convencionales.

Yves nunca estudió arte formalmente. Tampoco lo necesitaba. Su padre, Fred Klein (1989-1990) fue un pintor postimpresionista que le inculcó las técnicas figurativas y los secretos de una paleta cromática. Mientras que su madre, Marie Raymond (1908-1988), fue también pintora del arte informal. Sin embargo, el joven Yves pasaba olímpicamente, sin aceptar las premisas básicas de que una pintura era un plano bidimensional ni un campo para la expresión personal del artista. Lo de él iba más allá. Quería que sus pinturas salieran del lienzo e invadieran la sensibilidad del espectador. Si Yves hoy estuviera vivo, probablemente entraría a museos y galerías repartiendo patadas voladoras directo a la cabeza. Y estaría muy bien.

Pronto despertarían en un joven Yves intereses como el jazz, la literatura, las religiones orientales y la filosofía Zen. Pero su primera vocación, que le abrió la puerta hacia lo espiritual, fue la práctica del judo. En esa característica cultural tan francesa de los intereses por todo lo que sea exótico, se inscribió en un club de judo en Niza en el verano de 1947. Klein comenzó a pintar a la vez que profundizaba en el judo. Los principios estéticos de sus obras solo se entienden desde los fundamentos del judo tradicional y su base en la filosofía zen. Conceptos como el vacío, la inmaterialidad, el infinito o la propia espiritualidad se convertirían en la esencia misma de su arte.

Fue en España, en un momento de plena efervescencia creativa, donde decidió dedicarse al arte y donde comenzó a fraguarse el mito de artista genial. Tuvo dos estancias en el país con dos proyectos, uno más íntimo y el otro una primera aparición en público. Yves pasó varios meses en Madrid en 1951. Durante ese tiempo, llenó una libreta con fotos, bocetos y anotaciones de sus actividades, casi todas escritas en castellano. Lo tituló “Diario de España”. Allí encontramos acuarelas de paisajes de la capital y fotografías de su visita a Toledo, atraído por El Greco. Este registro da cuenta de la reflexión de Klein sobre el color y la gestación de lo que más tarde llamaría su “epopeya monocroma”. En este cuaderno deja también constancia, por primera vez, de su intención de exponer su obra en público, acompañada por música en directo. 

Klein regresó a España en 1954 convertido en deportista de élite. Un año antes, en Japón, había llegado a ser el primer europeo en ostentar el grado de 4º Dan en Judo. Era un tipo de armas tomar. No se iba con tonterías. En el cincuenta y cuatro volvió a Madrid invitado por la Federación Española de Judo y el equipo que compitió ese año en el campeonato europeo. 

Durante esa segunda estancia, el francés creó su primera obra con clara vocación pública: un libro de artista titulado Yves, Peintures y publicado en noviembre de ese año, donde incluye una serie de diez intensos lienzos monocromos. Esos monocromos los pintará y exhibirá al año siguiente en París. De regreso en la ciudad de las luces, se centró en la creación artística y en explorar el color puro. Describió la pintura monocromática como “una ventana abierta a la libertad”. Afirmaba que el monocromatismo es una especie de alquimia moderna practicada por pintores, nacida de la tensión de experimentar un baño en un espacio más vasto que el infinito. Única forma física de pintar que permite acceder al absoluto espiritual. 

Pensaba que los colores no eran una herramienta decorativa, sino una sustancia viva y palpitante, materia prima del alma, las emociones y el espacio metafísico. Pretendía liberar el color de las limitaciones de la forma, ya que creía que el color puro e intenso, especialmente el azul, permitía a los espectadores sentir la esencia inmaterial del universo.

Los monocromos, de una belleza sensual y brillante energía, eran pinturas rectangulares en las que el color estaba cuidadosamente preparado y era tratado como espacio abierto, rompiendo con la convención pictórica del cuadro. Con ellos revolucionó el arte al convertir el color en sí mismo en el tema. Esa es la importancia real de la obra de Klein. La pintura monocromática, gracias a él, sería llamada a convertirse en un estilo pictórico de primer orden en el siglo XX, que se extiende hasta nuestros días. En menos de una década (1954-1962) Yves Klein produjo más de mil cuatrocientas obras con las que alteró el curso del arte occidental y anticipó muchos de los cambios culturales de los siglos XX y XXI.

Su elección del azul para su etapa más prolífica se confirmó durante un viaje en el que descubrió los azules de los frescos de Giotto (h.1266-1337) en la capilla degli Scrovegni de Padua. No sin razón, el azul ultramar representaba para el artista italiano la transformación de la pintura occidenta y, a posterior, el nacimiento de la pintura moderna.  

Tradicionalmente, el pigmento ultramarino quedaba adulterado por el aceite con el que se mezclaba, y Klein buscaba un azul puro. Lo encontró trabajando con Edouard Adam, cuya tienda de materiales artísticos sigue abierta en el barrio parisino de Montparnasse. La novedad de la fórmula no estriba en el pigmento, sino en el Rhodopas M, la resina sintética en la que se suspende, que logra mantener la intensidad cromática original. Ese azul mate, vibrante y profundo que clein registró como IKB, se convirtió en su firma natural y le valió el reconocimiento internacional. 

Además de ser inmediatamente reconocible, el IKB permitía a los espectadores “sumergirse en una sensibilidad cósmica”. No es un cantamañanismo. Póngase frente a dicho color puro y comprobará un efecto psicológico inmediato que no se produce frente a ningún otro. El nuevo y célebre azul también daba pie a reflexionar sobre el papel del artista, que no se limita a producir, sino que se extiende a todos los campos de expresión. Aquel infinito azul debía desbordar el lienzo para alcanzar otros formatos e incluso objetos. 

Su proyecto más arriesgado y radical tuvo lugar en marzo de 1960, titulado Symphonie Monotone-Silence, donde tres modelos desnudas se cubrían con pintura azul IKB para imprimir sus cuerpos sobre un lienzo blanco. Las modelos se habían convertido, según él, en “pinceles vivientes”. A ese estreno sensacional seguirían medio centenar de “antropometrías” sobre papel y una treintena sobre seda, todo un corpus de obras que ponía de manifiesto una concepción experimental y novedosa en la que el arte está en comunión con la vida misma. 

En la primavera de 1961 realizó unas series de pinturas con fuego, es decir, cubría el lienzo con pintura y luego, a modo de pincel, lanzaba fuego con un soplete que pesaba casi cuarenta kilos, bajo la supervisión de un bombero que echaba agua al lienzo para evitar accidentes. Su serie “Pinturas de fuego” sigue siendo una de las más elementales y espirituales jamás creadas. 

Yves Klein fue un pionero. Su revolución del color y su obra heterogénea y compleja anticipan muchos de los cambios culturales que sucederían tras su muerte. Influyó en el pop art y abrió nuevas vías hacia la performance, el arte conceptual, el movimiento Fluxus y el minimalismo. El artista falleció en su casa en París el 6 de junio de 1962 a la temprana edad de 34 años víctima de un ataque al corazón. El tercero en un mes. El primero fue en el Festival de Cannes tras asistir al estreno de la película Mondo Cane, donde fue ridiculizado en pantalla por el cineasta Gualtiero Jacopetti. Esa misma noche, dolido, tuvo un primer infarto. Fue una traición injusta, cobarde.

El artista tuvo una una historia impresionante, intensa, y una carrera repleta de logros contra el tiempo, como si intuyera de alguna manera que no viviría demasiado. Se trata de una figura determinante dentro de la historia del arte que nos ayuda a entender el presente del arte. Sin embargo, esta exposición parece no llegar a representar esa importancia. Algo extraño sucede con ella. De hecho, debí visitarla dos veces para confirmar mis sospechas, de que no eran simples ideas mías.

En mi primera visita, a la que dediqué bastante tiempo a cada obras, a solas, algo llamó mi atención. Los visitantes que entraban a la exposición (casi todos turistas, franceses incluso), salían de sus salas a una rapidez asombrosa, como si aquello fuera un trámite. Ni menos de un minuto entre entrada y salida. En mi segunda visita, me senté a propósito para comprobar si esa conducta se repetía. Volvía a suceder, con insistencia. Volví a recorrer la exposición, ahora con otros ojos.

Esta conducta de los visitantes responde, en exclusiva, hacia errores en el modelo del montaje de la exposición. Si bien en la entrada se encuentra disponible el catálogo con un largo texto de la comisaria y una descripción básica de cada una de las obras, con sus fotografías, la ausencia de carteletas al lado de las obras en el propio montaje, sustituídas por números que debemos buscar y encontrar en el catálogo, convierte a las obras monocromo y al conjunto de la muestra en un auténtico enigma para el visitante común, perdiendo completamente el interés por lo que ve: pinturas monocromo con bordes redondeados encapsuladas en cajas plásticas de metacrilato atornilladas a la pared.

Otro de los errores es su disposición espacial. La exposición ocupa solo cuatro salas del total de la planta, con salas sucedidas una a continuación de la otra, compartida con otra. Es decir, cuando se acaban las obras de Klein, en la sala contigua continúa inmediatamente, como parte de un mismo recorrido, otras obras abstractas de otros artistas de la colección permanente de la fundación, lo que no sólo confunde al visitante, sino también hace perder el interés por las obras que acaba de ver, sin explicaciones evidentes. Lo que continúa viendo tampoco es muy alentador. Normal que la visita no se prolongue más allá de un minuto. Una exposición de esta envergadura debiese ocupar la planta entera para envolver al visitante en el universo completo del artista. La exposición queda, literalmente, cortada por la mitad.

La exposición tampoco muestra un trabajo de mediación artística en relación al IKB, que hizo mundialmente famoso a Klein. Aparece sólo como un intrascendente detalle biográfico en una línea del tiempo instalada a la entrada de la primera sala. 

Otra falencia inaudita del montaje la encontramos en la gran y única instalación que ocupa una sala entera, con unas barras azules suspendidas en el aire sobre una base cuadrada de polvo azul. A aquella sala no se puede entrar. El acceso está impedido a los visitantes gracias a una estructura que asimila un balcón, donde solo es posible apreciarla de lejos. No poder acercarse ni recorrer esta instalación, sumergiendo al visitante en una experiencia inmersiva, contradice al propio Klein en todo lo que buscaba y pregonaba con su obra, explicada con anterioridad, volviendo el montaje absurdo. Con todo esto, el impresionante y concienzudo trabajo realizado por Cristina Carrillo de Albornoz para sumergirnos en la obra, la vida y la genialidad de un artista esencial para la historia del arte, queda anulado, como el propio artista y su obra, gracias a un montaje incorrecto desde su formulación y ejecución.

Esperemos que la segunda vida de esta exposición, que continuará entre el 29 de octubre de 2026 y el 31 de enero de 2027 en el Museo de Arte Abstracto Español, de la misma fundación, en la ciudad de Cuenca, pueda subsanar estas deficiencias para el verdadero disfrute y la real inmersión en la fabulosa obra de este artista esencial de dimensión universal. Mientras tanto, si está en Mallorca, no deje de asistir a contemplar de cerca su obra, eso sí, con catálogo en mano y tiempo suficiente para leer y buscar de qué se trata cada obra (en la página 20 del catálogo). Abierta hasta el próximo 2 de septiembre. 

Este articulo Yves Klein y el infinito aparece en La Siesta Magazine escrito por: Alex Ceball

Olvídate del brunch de aguacate y los huevos benedictinos. Si hay un plato que define el ADN gastronómico de Mallorca, ese es el Variat. Una torre de Babel culinaria donde lo frío se mezcla con lo caliente, y el vinagre convive con la salsa de tomate en un caos delicioso que solo un verdadero isleño entiende. Este fin de semana, reivindicamos la costumbre más sagrada de nuestros bares: el ‘berenar’ a base de cazuelitas. Te descubrimos la anatomía del variat perfecto y las rutas imprescindibles en Palma y la Part Forana para disfrutarlo sin arruinarte en la cuesta de enero.

ANATOMÍA DE UN MITO: ¿QUÉ DEBE LLEVAR UN BUEN VARIAT?

Para el no iniciado, puede parecer una mezcla sin sentido. Para el experto, es una sinfonía. El éxito de un buen variat en 2026 sigue residiendo en la calidad individual de sus capas y en cómo interactúan entre ellas. La base canónica suele ser la ensaladilla rusa, que actúa como el cemento que une la estructura.

Sobre ella, se apilan estratos de sabor intenso: el frito mallorquín (con su hinojo y patata), el pica-pica de sepia (con su punto picante), las albóndigas con tomate y, coronando la cima, los champiñones al ajillo o la tortilla de patata. La magia ocurre cuando el aceite del frito se mezcla con la mayonesa de la ensaladilla y la salsa del pica-pica. No intentes separarlo; el variat se come mezclado y con pan moreno para empujar. Es un plato de aprovechamiento histórico que se ha convertido en un lujo asequible.

LA RUTA DE PALMA: DE BODEGAS CLÁSICAS A BARRAS MODERNAS

En Palma, el variat es religión. Si buscas la experiencia clásica este sábado, el barrio de Santa Catalina (en sus bares antiguos, no los turísticos) y la zona de Pedro Garau mantienen la esencia. Lugares emblemáticos como Can Frau (dentro del mercado) siguen siendo el «Santo Grial», pero requieren paciencia y codos en la barra.

Sin embargo, en 2026 han surgido nuevas barras en el centro que recuperan la tradición. Busca aquellos locales que exponen sus cazuelas de barro en la vitrina; es el sello de garantía. Un truco de experto: fíjate en la rotación. Un buen bar de variats debe reponer las bandejas constantemente. Si la ensaladilla tiene una costra amarilla, huye. El variat es un alimento vivo que debe consumirse fresco a media mañana.

PART FORANA: PEREGRINAJE GASTRONÓMICO

Salir de Palma tiene premio. En los pueblos, el tamaño de la ración aumenta y el precio se mantiene o baja. Municipios como Sineu, Algaida o Llubí esconden cellers donde el variat es el plato estrella del día de mercado.

En la Part Forana, es común encontrar variantes locales: algunos añaden croquetas de pollo, otros lengua con alcaparras o incluso callos. La ruta del variat es la excusa perfecta para coger el coche un domingo, visitar un pueblo de interior y practicar el «esmorzar» (desayuno tardío y contundente) que te dejará listo para una siesta de campeonato. Es la antítesis de la comida rápida: se cocina lento y se disfruta despacio, con un vaso de vino o un «laccao» para los más tradicionales.

EL MARIDAJE PERFECTO: VERMUT O HERBES

¿Con qué se acompaña esta bomba de sabor? La ortodoxia mallorquina admite dos vías. La diurna y familiar apuesta por el refresco o la cerveza bien fría. Pero la vía hedonista del fin de semana exige un vermut casero (con su rodaja de naranja y aceituna) o, para los valientes que lo toman como aperitivo antes de comer, un palo con sifón.

El amargor de estas bebidas limpia el paladar entre la grasa del frito y la cremosidad de la ensaladilla. El variat no es solo comida, es el acto social de compartir. Pedir uno «completo» al centro de la mesa es la mejor forma de socializar en Baleares. Barato, sabroso y nuestro. ¿Qué más se puede pedir a este enero?

Este articulo El arte del ‘Variat’: Cómo disfrutar de la tapa de culto mallorquina este fin de semana aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

A finales del pasado mes de mayo, se inauguró en un apartamento de la calle Jaime III, en pleno corazón de Palma, una exposición colectiva sin título, organizada por The Room Concept, con un hilo conductor basado en la heterogeneidad y multiculturalidad de sus participantes. Comisariada por Benvenutto Studio (Martina Benvenutto), entre las salas de este showroom artístico encontramos obras de Olaf Hajek (Alemania), Iside Pellegrino (Italia), Pupi (Argentina) y los españoles Yoko (Juan Luis Sánchez Cortés), Marcos Torandell y Marta Muniesa.

Es importante partir por alegrarse de que existan este tipo de espacios alternativos a los circuitos convencionales del arte contemporáneo, con propuestas de calidad y posibilidades comerciales. El nacimiento de nuevos espacios independientes son siempre saludables para el ecosistema de las artes, en cualquier sitio. La aparición de este showroom gracias a la apuesta de una agencia inmobiliaria es más importante de lo que quizá la misma empresa cree, porque aporta una bocanada de aire fresco, necesario. 

Entrar a este showroom ha sido encontrarse tras la puerta con las fotografías de la joven italiana Iside Pellegrino. Sus disparos están contenidos en un universo estrictamente femenino, que se abocan al tratamiento de ciertos temas que le son propios a las mujeres y sus razonamientos relacionados a aspectos de lo social. Interpela con una crítica visual a las apariencias y el culto a la belleza, a la obsesión por la perfección. Sus fotografías apelan a una estética más punk, donde encontramos influencias visibles de la obra del archi conocido Steven Meisel, con una pizca de Terry Richardson, para hacer una peineta con el brazo extendido hacia la competitividad entre su propio género y la cultura de las falsas apariencias. “ser como a uno le salga” parece ser la premisa de su propuesta en esta serie, sin importarle mucho la opinión de los demás, que siempre está muy bien.

Continúa en otra sala la estupenda obra de Olaf Hajek. La pintura de este artista es ya conocida en la isla y fuera de ella, presentada por última vez en la feria Art Cologne en su primera edición mallorquina a inicios de este año, de la mano de una galería de su país de origen. Esta vez, en un ambiente mucho más íntimo, Hajek vuelve a enternecernos con sus obras figurativas, de pinceladas suaves pero firmes y una paleta muy contenida, calibrada. Hajek es un buen pintor y su propuesta muy clara, con un estilo coherente que lo ha hecho reconocible. De narrativas surrealistas, su pintura está profundamente relacionada al lenguaje de los simbolismos y la representación de la naturaleza y sus infinitas posibilidades. Posee una obra preciosa.

Otro de los espacios abre la puerta al creador local Marcos Torandell. En esta ocasión presenta una serie de esculturas en madera de formas orgánicas de una fuerte influencia mediterránea en sus asimetrías. Le acompañan otras piezas elaboradas en lana rústica de oveja sobre estructuras de alambre metálico suspendidas en el espacio, en general más relacionado a prácticas artísticas ejercidas por artistas mujeres. Estas obras marcan un giro radical respecto a su obra anterior, caracterizada por el uso de la piedra y la roca en toda su tosquedad. Pasa de materiales sólidos a otros sensibles y tradicionales en un cambio de corte más terapéutico, que las vuelve válidas desde la interpretación masculina.

La colectiva permite redescubrir, por último, la obra de un artista vital que suele mantenerse en silencio. Me refiero a Yoko (Juan Luis Sánchez Cortés). Hablamos de un artista de práctica multidisciplinar, aunque proviene de una formación especializada en pintura. A lo largo de los años, este creador ha combinado la pintura con el mixed media y la experimentación visual a través de composiciones intuitivas y texturas de fuerza emocional. 

Su obra expuesta, para perplejidad de los espectadores, está elaborada en base a plastilina, contenida en distintos soportes como cajas de CD’s, frascos de golosinas, láminas de metacrilato, superficies de madera o una bombona de butano. Se vale de toda clase de soportes para crear piezas conceptuales de un alto contenido crítico y social. Una de sus obras en cajas de CD’s y plastilina roja emula un gran corazón invertido, haciendo alusión a los Likes de las redes sociales y su falsedad. Otra composición muestra el símbolo “R” de marca registrada. Dos placas de metacrilato atrapan plastilina roja en cuyo vacío interior reza “Vendido”, hablándonos de la importancia de vender obra en el espacio expositivo y a su vez, generando una doble crítica en referencia a cómo los artistas, a veces, deben “venderse” para hacerse un hueco en el ecosistema artístico. 

Suspendidos sobre tres peanas en una de las paredes, tres frascos de famosas golosinas invertidos y rellenos de plastilina nos observan en caritas felices siniestras, casi demoníacas, burlescas. Son obras de antigua elaboración, que sin embargo nos traen a una reflexión sumamente actual.

Algunos de los materiales utilizados para la construcción de estas obras, con el paso del tiempo, han prácticamente dejado de circular (el caso de las propias cajas de CD’s) en favor de los teléfonos móviles y las pantallas de todo tipo. La misma utilización de la plastilina como material primario de la educación infantil elemental, tan común a todos y cada uno de nosotros en alguna época de nuestras vidas, abre una reflexión severa sobre los cánones de comportamientos sociales. A pesar de que la tecnología avanza y sus artefactos pasan de moda, u otros materiales plásticos que nunca más volvemos a utilizar, como la plastilina, la obra pone de manifiesto que nuestros comportamientos continúan intactos, con todos sus defectos y vicios. En ese sentido, su obra no sólo se vuelve atemporal. También funciona a modo de archivo grupal, colectivo, general, humano. Es un artista cuya obra requiere de una contemplación pausada más allá de la primera impresión, muy válida.

Es así como el conjunto de esta exposición se convierte en una experiencia de encuentro, conversación e inspiración desde distintos puntos de vista, desde los más clásicos a los más conceptuales en una relación íntima sin artificios en dormitorios paralelos, activada por un espacio envidiable que vale la pena recorrer. Enhorabuena.

Este articulo Dormitorios Paralelos aparece en La Siesta Magazine escrito por: Alex Ceball

Hay noches que trascienden la categoría de evento para convertirse en una experiencia estética. La inauguración de The Curated House by Catalina Socías fue una de ellas.

La noche del pasado 5 de junio, Ses Salines sumó una nueva dirección a su mapa cultural con la presentación de un espacio concebido para reunir arte, diseño, moda y creatividad contemporánea bajo una misma visión. Un lugar donde la belleza no se contempla únicamente, sino que se vive.

Mientras caminaba hacia The Curated House, una imagen captaba mi atención una y otra vez. Siluetas vestidas de negro avanzaban lentamente hacia el mismo destino. Mujeres envueltas en vestidos impecables, piezas de diseñadores cuidadosamente elegidas para la ocasión, joyas discretas y una elegancia sin esfuerzo. Hombres de impecable sastrería. No hacía falta preguntar adónde iban. Todos se dirigían a la cena de Catalina Socías.

Y, de alguna manera, aquella escena ya anticipaba lo que estaba por venir.

Porque el universo de Catalina siempre ha estado profundamente ligado al arte, al diseño y también a la moda. Quienes conocen su trayectoria saben que posee una extraordinaria capacidad para construir atmósferas donde la belleza se manifiesta en cada detalle. No solo diseña espacios; crea escenarios donde suceden historias.

Al cruzar la puerta de The Curated House, la sensación fue inmediata. Había un hilo conductor invisible que unía cada elemento. Las obras, la iluminación, la música, las flores, la conversación y hasta la manera en que los invitados ocupaban el espacio parecían formar parte de una misma narrativa.

Lo que encontré al llegar superó cualquier expectativa.

Nada estaba dejado al azar. Catalina Socías había diseñado una puesta en escena impecable, fiel a la sensibilidad estética que ha definido toda su trayectoria. Dos largas mesas imperiales vestidas con manteles negros recorrían el espacio como una instalación artística. Sobre ellas, cubertería de plata, delicadas flores blancas y una línea continua de sal que atravesaba el centro como un homenaje poético a Ses Salines y a la identidad del lugar.

La luz de las velas dibujaba reflejos sobre cada superficie, envolviendo la escena en una atmósfera íntima, sofisticada y profundamente evocadora.

Mientras transcurría la cena, hubo un momento en el que me detuve simplemente a mirar. Las mesas iluminadas por las velas, los invitados vestidos de negro, las conversaciones que fluían con naturalidad y la belleza serena de cada detalle me transportaron lejos de Mallorca. Por un instante, podría haber estado en una cena privada en París, en un encuentro creativo en Nueva York o en una de esas veladas elegantes que definen la vida cultural de Madrid.

No por una cuestión de escala, sino por algo mucho más difícil de conseguir: la capacidad de crear emoción a través de la belleza.

A medida que avanzaba la noche, las risas, los brindis y los reencuentros fueron marcando el ritmo de la celebración. Los elogios eran constantes. Los invitados no dejaban de felicitar a Catalina y a todo su equipo por haber creado una experiencia tan cuidada como auténtica.

Y era imposible no percibir el vínculo especial que existe entre las mujeres que forman parte de su universo profesional. Más que un equipo, transmitían la sensación de pertenecer a una gran familia creativa unida por una misma sensibilidad.

Nacida en Sa Pobla, Catalina Socías combina una formación en Historia del Arte y decoración con una sensibilidad profundamente ligada al estilo de vida mediterráneo. Desde la apertura de su primera tienda en Ses Salines en 2001 hasta la consolidación de Cassai Mallorca, ha construido un universo creativo reconocible por su elegancia serena y su capacidad para emocionar.

The Curated House representa la evolución natural de ese universo. Un proyecto que reúne arte, moda, diseño, arquitectura y experiencias. La dirección creativa responde a una visión profundamente personal de Catalina Socías. Parte de la dirección artística del espacio nace de conversaciones e intercambios creativos desarrollados junto al equipo curatorial.

Para esta primera presentación, la curaduría artística de las obras estuvo a cargo de Estudio Multidisciplinar.

Uno de los grandes protagonistas de la noche fue el trabajo de la artista y fotógrafa Iside Pellegrino Preite. Sus fotografías en blanco y negro de gran formato dominaban el espacio con una presencia serena y poderosa. Más allá de su extraordinaria calidad estética, las obras invitaban a detenerse y mirar.

Pellegrino Preite, cuya trayectoria mantiene un estrecho vínculo con el universo de la moda y la representación femenina, construye imágenes que hablan de fuerza, identidad, belleza y vulnerabilidad. Sus retratos poseen una intensidad silenciosa que atrapa al espectador desde el primer instante.

Entre los asistentes destacaron personalidades procedentes de distintos ámbitos de la vida cultural, institucional y empresarial de Mallorca, entre ellos el arquitecto Pedro Cerón Siles y su marido, Manuel Molina; el promotor inmobiliario Juan Luis Mateos Hernández junto a Elisa Andreeva Virfel; la empresaria Aina Sastre; el director de cine Nicolás Pacheco; la influencer y colaboradora de televisión María Barceló; el empresario Roberto Zampeiro; la vicepresidenta del Consell de Mallorca y consellera de Cultura i Patrimoni, Antònia Roca; la fotógrafa Marie Caroline; el CEO de Face Agency, José Carlos García Ruiz; y la artista Alina Polobok.

La música de Álvaro Anaya acompañó discretamente la velada, sumándose a una atmósfera donde todo parecía fluir con naturalidad.

La moda pasa, las tendencias cambian y las temporadas se suceden. Pero el arte, la belleza y los lugares capaces de emocionarnos permanecen para siempre.

Estoy segura de que próximamente veremos mucho más del universo de The Curated House by Catalina Socías. Y si algo quedó claro aquella noche en Ses Salines, es que este es solo el primer capítulo de una historia que seguirá dando mucho que hablar.

Este articulo La inauguración de The Curated House: Una experiencia estética única en Ses Salines aparece en La Siesta Magazine escrito por: Martina Benvenutto