La historia del arte ha sentido siempre una especial fascinación por las obras de juventud. Existe una tendencia casi inevitable a identificar la innovación con el impulso inicial, como si el lenguaje artístico alcanzara su máxima intensidad en los primeros años de una carrera. Pues bien, la exposición Matisse. 1941–1954, presentada en el Grand Palais de París, sin embargo, cuestiona ese relato. Además de reunir un conjunto excepcional de obras, propone una relectura historiográfica que sitúa los últimos años de Henri Matisse como el verdadero laboratorio desde el que se proyecta buena parte del arte de la segunda mitad del siglo XX.
La tesis curatorial es clara: Frente a la interpretación tradicional que entendía los célebres papeles recortados como una solución práctica derivada del deterioro físico del artista, la exposición demuestra que constituyen la culminación lógica de una investigación iniciada décadas antes sobre la autonomía del color, la simplificación formal y la expansión del espacio pictórico. No se trata de una renuncia a la pintura, sino de su transformación.
Henri Matisse (1869-1954) fue un creador que llegó relativamente tarde al arte. Tras iniciar estudios de Derecho, descubrió la pintura durante una convalecencia y encontró en ella una vocación definitiva. Formado con Gustave Moreau en París, muy pronto rechazó el naturalismo académico para convertir el color en el verdadero protagonista de la imagen. Como principal figura del fauvismo, abrió una de las grandes vías de la modernidad al liberar el color de cualquier obligación descriptiva. Sin reducir su legado al fauvismo, Matisse mantuvo una extraordinaria continuidad de una investigación que atravesó más de medio siglo de producción.
La exposición evita una tentación hagiográfica. No presenta al anciano Matisse como un genio que supera heroicamente la enfermedad, sino como un artista que modifica sus herramientas sin alterar las preguntas fundamentales de su trabajo. La limitación física derivada de la intervención quirúrgica de 1941 no interrumpe su proceso creativo, sino simplemente desplaza el medio desde el que pensar la pintura.
El recorrido relaciona dibujos, lienzos, libros ilustrados, textiles, maquetas para vidrieras y los grandes gouaches découpés en una convivencia que impide establecer jerarquías entre disciplinas. Para Matisse, el problema nunca fue la técnica, sino la organización del color y del espacio. La transversalidad de los lenguajes aparece entonces como uno de los coherentes argumentos de la muestra.
Las salas dedicadas a Jazz constituyen momentos reveladores; el libro, por su parte, aparece como un manifiesto visual sobre el movimiento, el ritmo y la síntesis formal. La relación entre imagen y texto bailan en una dimensión coreográfica que anticipa numerosos desarrollos posteriores del diseño gráfico y de la comunicación visual contemporánea.
Obras como La Gerbe, La Tristesse du roi o los Nus bleus construyen su mundo. La pintura se transforma en Matisse en una transición decisiva para comprender buena parte del arte instalado y ambiental de las décadas siguientes.
Otro elemento es la incorporación del proceso creativo del creador. Las fotografías del estudio de Vence, donde las formas permanecen fijadas provisionalmente con alfileres sobre las paredes, revelan un método dinámico, donde la composición funciona como una estructura definitiva y al mismo tiempo en un organismo en constante transformación. Mención especial merece la Capilla del Rosario de Vence, quizá la obra donde confluyen todas sus investigaciones. Se trata de una síntesis absoluta entre arquitectura, dibujo, luz y color. La exposición acierta al situarla como consecuencia lógica de un pensamiento plástico que aspiraba a integrar todas las artes.
La contención espacial, la precisión de la iluminación y la amplitud entre las obras permiten que sea el propio color quien organice la experiencia del visitante, donde la obra sigue siendo suficiente. La apuesta desmonta entonces la noción de obra tardía entendida como decadencia. La progresiva eliminación de elementos narrativos implica concentración. Cada recorte, cada superficie cromática y cada vacío poseen una intensidad estructural que solo podía alcanzarse tras décadas de depuración formal. La influencia de esta etapa resulta difícil de exagerar. Sin ella sería complicado comprender numerosos aspectos del minimalismo, la abstracción postpictórica, el arte ambiental, la arquitectura moderna e incluso la evolución del diseño gráfico internacional. Lo que durante un tiempo fue interpretado como una excepción biográfica terminó convirtiéndose en uno de los grandes puntos de partida del arte contemporáneo.
El estupendo Grand Palais propone así una revisión profunda del lugar que ocupa Matisse en la modernidad. Tras recorrer sus salas resulta difícil no concluir que ese relato deberá escribirse y comprenderse, a partir de ahora, de otra manera. Altamente recomendable.
