Hasta 1990, Lujiazui era barro, almacenes y astilleros. Hoy concentra la mayor densidad de superrascacielos del planeta y una de las postales urbanas más reproducidas del mundo. Todo eso ocurrió en poco más de tres décadas, en la orilla equivocada del río.

POR QUÉ ESTE SKYLINE NO SE PARECE A NINGÚN OTRO

La clave está en la geografía y en una decisión política. El río Huangpu parte la ciudad en dos: al oeste, el Bund (Waitan), el malecón colonial donde bancos británicos, franceses y estadounidenses levantaron sus sedes entre 1900 y 1937; al este, Pudong, que Deng Xiaoping declaró zona de desarrollo prioritario en 1990.

El resultado es un duelo visual sin equivalente. Un siglo de arquitectura neoclásica y art déco mirando de frente a tres torres que suman más de kilómetro y medio de altura acumulada. Nadie diseñó esa simetría. Simplemente pasó.

EL EDIFICIO MÁS ALTO: SHANGHAI TOWER, 632 METROS

La Shanghai Tower es el edificio más alto de China y uno de los tres más altos del mundo: 632 metros y 128 plantas, proyectada por el estudio estadounidense Gensler y rematada en 2015. Su forma retorcida —gira 120 grados sobre su propio eje— no es capricho estético: reduce la carga del viento en torno a un 24 %, un dato decisivo en una ciudad que recibe tifones cada verano.

Su doble fachada de cristal crea nueve atrios verticales que funcionan como plazas suspendidas. Y como aislante térmico.

El mirador de la planta 118, llamado Shanghai Summit, está a 546 metros sobre la calle y es el observatorio interior más alto del mundo abierto al público. La entrada general ronda los 180 yuanes (unos 22 euros), con tarifa reducida de 120 yuanes para estudiantes y mayores de 60 años, en horario aproximado de 8:30 a 21:30. Por unos 88 yuanes más se accede a las plantas 125 y 126, donde se exhibe el amortiguador de masa sintonizada, el contrapeso que frena el balanceo de la torre durante los tifones.

Se sube en el ascensor más rápido del mundo: 20,5 metros por segundo, unos 73,8 km/h, fabricado por Mitsubishi. Cincuenta y cinco segundos hasta el cielo.

LAS OTRAS TRES TORRES: CUÁL MERECE LA ENTRADA

Jin Mao Tower (420,5 metros, 88 plantas, 1999) es la más elegante del conjunto: un guiño explícito a la pagoda china traducido a acero y cristal. Su mirador de la planta 88 pierde en altura, pero gana en algo que la Shanghai Tower no puede ofrecer: desde ahí se ve la Shanghai Tower.

El Shanghai World Financial Center —492 metros, apodado el abrebotellas por su abertura trapezoidal— tiene el mirador visualmente más espectacular, con pasarelas de suelo transparente a 474 metros. Atención: figura como cerrado por obras de renovación desde 2023, así que conviene verificar su estado antes de contar con él.

La Torre Perla Oriental (468 metros, 1994) es la más antigua, la más kitsch y la más querida por los locales. Sus esferas rosadas envejecieron mal en las revistas de arquitectura y bien en el imaginario popular. La entrada de dos esferas cuesta unos 199 yuanes, e incluye la plataforma a 263 metros y el mirador de suelo de cristal a 259; por 220 yuanes se añade el módulo espacial a 351 metros. En su base, el Museo de Historia de Shanghái explica gratis lo que las torres callan.

LA MEJOR VISTA NO SE PAGA

Paradoja del turismo vertical: el mejor encuadre del skyline está a nivel del suelo. Desde el paseo del Bund, al atardecer, con las torres encendiéndose sobre el agua. Es gratis, está siempre lleno y funciona.

Las alternativas: el ferry público que cruza el Huangpu por unos pocos yuanes, muy superior en relación calidad-precio a los cruceros turísticos; las azoteas-bar de los hoteles del Bund; y el mirador de la Bund Sightseeing Tunnel si se busca algo genuinamente extravagante.

CÓMO ENTRAR: EL VISADO YA NO ES EXCUSA

China mantiene la exención unilateral de visado para los titulares de pasaporte ordinario español, prorrogada hasta el 31 de diciembre de 2026, con un máximo estricto de 30 días consecutivos por entrada. Quien viaje con un itinerario multipaís puede acogerse además al tránsito sin visado de 240 horas, vigente en Shanghái y en otras 23 provincias, siempre con billete confirmado hacia un tercer país.

Este articulo El skyline de Shanghái explicado desde arriba: qué torre subir y cuál saltarse aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

Un metro cuadrado de encimera obliga a decidir mejor que una cocina entera. Quien viaja en autocaravana lo descubre pronto: el problema nunca es el espacio, sino el exceso de cosas que se llevan «por si acaso». La Siesta Magazine reúne aquí los trucos de despensa, conservación y ejecución que convierten ese metro cuadrado en un sitio donde se come bien.

LA DESPENSA PERFECTA CABE EN POCOS METROS CUADRADOS

Organizar cualquier cocina es un reto. Organizar una de apenas un metro cuadrado es un oficio que se aprende kilómetro a kilómetro, y la regla que lo ordena todo es simple: cada ingrediente debe servir para más de una receta. Aceite de oliva, especias básicas, legumbres en conserva, pasta, arroz. Con esa base se improvisan platos distintos durante días sin robar un centímetro al armario.

El envase también cuenta. Cambiar los paquetes originales por recipientes herméticos y apilables ahorra espacio real y mantiene la frescura mucho más tiempo que una bolsa doblada sobre sí misma. Y un especiero de viaje —comino, pimentón, curry, orégano— ocupa lo que un libro de bolsillo y transforma cualquier plato repetido en otro distinto.

Menos inventario, más combinaciones.

CONSERVAR SIN DESPERDICIAR: CÓMO GESTIONAR UNA NEVERA PEQUEÑA

La nevera de una autocaravana es limitada por diseño, así que su gestión decide cuánta comida acaba en la basura. El primer gesto es ordenar por zonas y dejar a la vista lo que caduca antes: lo que no se ve, no se come. El segundo, no sobrecargarla, porque el frío necesita circular para hacer su trabajo.

Conviene además saber qué no necesita frío. Cebollas, ajos, huevos y patatas aguantan perfectamente fuera, y liberan un espacio que se agradece cuando la compra del mercado viene generosa.

La regla de oro tiene además un beneficio inesperado: comprar poco y a menudo, tirando de tiendas de pueblo y mercados locales en cada parada, no solo evita el desperdicio. Convierte el avituallamiento en parte del viaje.

RECETAS FÁCILES SOBRE RUEDAS: UNA PARA CADA DIETA

Cocinar en caravana no obliga a renunciar al sabor ni a las necesidades de nadie a bordo. Estas cinco recetas están pensadas para un solo fogón y se resuelven en menos de veinte minutos.

Wrap de hummus con verduras asadas (vegano)

Calentar tortillas de trigo en la sartén, untarlas con hummus y rellenarlas con calabacín, pimiento y berenjena previamente asados con un chorro de aceite y una pizca de comino. Se enrolla y listo. Cinco minutos, sin cubiertos, ideal para comer fuera con la puerta abierta.

Ensalada de quinoa mediterránea (sin gluten)

Funciona como plato principal o acompañamiento y aguanta bien de un día para otro si se guarda en hermético. Se cuece la quinoa según indicaciones, se deja enfriar y se mezcla con queso feta troceado, garbanzos, tomate cherry, pepino, aceitunas, alcaparras y un buen chorro de aceite de oliva con limón. Fresca, nutritiva y con el fuego encendido menos de diez minutos.

Arroz todo en uno

La receta que no falla ni en manos novatas. Se sofríe en una olla lo que haya —chorizo, pollo, verduras— y se añaden dos tazas de agua por cada taza de arroz, con especias al gusto. Tapar, fuego bajo, 15-18 minutos sin destapar y servir. Un plato único que se adapta literalmente a lo que quede en la despensa.

Curry rápido de garbanzos con leche de coco (sin lactosa)

Sofreír cebolla picada, incorporar una cucharada de pasta de curry, garbanzos de bote escurridos y leche de coco. Reducir 10 minutos, añadir un puñado de espinacas al final y servir con arroz. Cremoso, contundente y hecho con ingredientes que sobreviven días fuera de la nevera.

Shakshuka (vegetariana)

Sofreír cebolla y ajo, añadir tomate triturado, pimentón y comino. Cuando la salsa espese, hacer pequeños huecos y cascar los huevos dentro. Tapar hasta que cuajen. Este clásico magrebí se come directamente de la sartén con pan —menos platos que fregar— y sirve igual para desayuno que para cena.

Este articulo Cocinar en autocaravana: la despensa mínima y cinco recetas que se resuelven en un fogón aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

Bastó una melena para desordenar el guion. La princesa Leonor se presentó la noche del martes 4 de agosto en los jardines del Palacio de Marivent con unas ondas sueltas, salinas, casi recién salidas del agua, que no figuraban en ninguno de sus registros anteriores. Y en la Casa del Rey nada de lo que se ve delante de 600 invitados es casual.

UN GESTO CAPILAR QUE NO ESTABA EN EL GUION

La heredera ha construido su imagen pública sobre una disciplina casi militar: raya marcada, media coleta, recogidos que despejan la cara y sostienen el gesto. Apenas tres semanas antes, en los Premios Princesa de Girona, había apostado por una coleta pulida y tirante que le alargaba el cuello y le afilaba la mandíbula. Aquello era protocolo hecho peinado.

Lo de Marivent fue otra cosa.

Una melena ondulada, desenfadada y visiblemente sin domar —las llamadas ondas surferas— que rompe con todo lo anterior y coloca a la princesa en un territorio que hasta ahora había evitado: el de la informalidad calculada. No es un descuido. Es una decisión.

EL VESTUARIO CONFIRMA LA OPERACIÓN

El resto del estilismo apuntala la lectura. Leonor eligió un conjunto de dos piezas —top plisado sin mangas con cierre de botón a la espalda y falda larga a juego— con un estampado tie dye en el que se cruzan rojizos, naranjas, amarillos y azul marino. Precio: 220 euros. Firma: Thinking Mu, marca barcelonesa fundada en 2008 por un grupo de amigos, pionera en España en moda sostenible y de vocación mediterránea.

Accesorios dorados, brazalete, anillo y sandalias de tacón mínimo. Nada de firmas internacionales de escaparate. Nada de sastrería.

El mensaje se lee sin esfuerzo: una heredera de veinte años que se permite el verano, la sostenibilidad como credencial y el desenfado como forma de cercanía. La monarquía lleva décadas administrando su capital simbólico con la ropa; lo que cambia aquí es quién lo administra. Por primera vez, el gesto estético parece salir de la propia Leonor y no del manual.

TRES GENERACIONES, UNA MISMA FOTOGRAFÍA

La agenda oficial solo anunciaba a Felipe VI y Letizia como anfitriones de la tradicional recepción a la sociedad balear. Aparecieron los cuatro. Y detrás, la reina emérita Sofía, entrando del brazo de sus dos nietas, que la sostuvieron una a cada lado con una naturalidad que ninguna oficina de comunicación puede fabricar.

Es la imagen que la institución persigue cada agosto: continuidad, afecto, permanencia. Tres generaciones de mujeres de la Familia Real en el mismo encuadre, en el escenario más reconocible del verano mallorquín.

Letizia optó por un vestido blanco de rayas con transparencias de la diseñadora Sybilla, afincada en la isla desde hace años, combinado con sandalias de Aquazzura y sus anillos habituales de Karen Hallam y Coreterno. La infanta Sofía eligió un maxivestido estampado de la italiana Momonì, cinturón dorado y —fiel a sí misma— el pelo liso y el zapato plano. La emérita, maxivestido floral en tonos borgoña.

MARIVENT, LA LITURGIA DE AGOSTO

La recepción se celebra en los jardines del palacio desde 2022, cuando la Casa del Rey la trasladó desde el Palacio de la Almudaina. El cambio no fue decorativo: permitió ampliar el aforo hasta los 500 o 600 invitados y sustituir la rigidez del salón por un formato abierto, con muestra gastronómica balear incluida. Quinta edición consecutiva en el mismo escenario.

Marivent es residencia estival de la Familia Real desde hace más de cincuenta años, y su relación con Mallorca ha oscilado entre el afecto y la fricción política. Cada agosto, la Corona vuelve a medir esa temperatura. Este año lo ha hecho con una carta nueva sobre la mesa: una heredera que ya no se limita a acompañar.

Este articulo El peinado que Leonor nunca había llevado: la heredera rompe su código estético en Marivent aparece en La Siesta Magazine escrito por: Neus Bellver

Hay fotografías que valen más que un comunicado de la Casa del Rey. La del martes por la noche en los jardines del Palacio de Marivent —tres generaciones de mujeres de la Familia Real entrando del brazo— es una de ellas. Y en el centro de esa imagen, con 19 años recién cumplidos y un vestido de la firma italiana Momoni, la infanta Sofía.

Felipe VI y doña Letizia presidieron el 4 de agosto la tradicional recepción a las autoridades y a la sociedad civil de Baleares, el acto institucional de mayor calado de la agenda estival de la Corona en Mallorca. Cerca de 600 invitados recorrieron los jardines orientados a la bahía de Palma. La reina Sofía, la princesa Leonor y la infanta completaron una estampa que ya empieza a repetirse: según recogió Chic, es la segunda vez que la Familia Real al completo, junto a la reina emérita, ejerce de anfitriona en este escenario.

UNA LÍNEA DE SALUDO QUE MIDE EL PULSO POLÍTICO DEL ARCHIPIÉLAGO

El besamanos de Marivent funciona como un termómetro. Quién pasa, quién estrecha la mano y quién se queda fuera dice bastante más del estado de la política balear que muchas comparecencias de otoño.

Por allí desfilaron la presidenta del Govern, Marga Prohens; el presidente del Parlament, Gabriel Le Senne; la presidenta del Congreso, Francina Armengol; el presidente del Consell d’Eivissa, Vicent Marí, y el del Consell de Formentera, Óscar Portas. También mandos militares, Fuerzas y Cuerpos de Seguridad, empresarios, diseñadores de moda Adlib, gestores culturales y representantes del tercer sector.

Y una ausencia sostenida en el tiempo: MÉS per Mallorca y MÉS per Palma declinaron formalmente la invitación, un año más, en una decisión que la coalición ecosoberanista justificó, según su comunicado, como coherente con «su compromiso con los valores republicanos y la igualdad entre todas las personas». No es novedad. Es liturgia.

Hubo también un reencuentro que cargó la velada de emoción contenida: Jaime Anglada, músico y viejo amigo del Rey, reapareció en Marivent después del grave accidente que sufrió el verano pasado. Letizia, Leonor y la infanta Sofía lo saludaron con evidente cariño.

¿POR QUÉ IMPORTA LA PRESENCIA DE LA INFANTA SOFÍA?

Porque marca un cambio de estatus. Durante años, la hija menor de los Reyes aparecía en Mallorca en el posado veraniego, en un partido de vela, en una imagen de archivo. Ahora atiende una línea de saludo de casi una hora, conversa con empresarios y alcaldes, y sostiene el peso institucional de un acto que reúne a las élites de un archipiélago con 1,2 millones de habitantes y una economía que vive del turismo.

La infanta Sofía llega a Marivent con el primer curso ya cerrado en el Forward College, donde estudia Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales en un programa itinerante: Lisboa el primer año, París el segundo —que arranca en septiembre— y Berlín el tercero. Una formación deliberadamente europea, distinta de la vía militar que recorre su hermana. Dos itinerarios, dos funciones.

El detalle del vestuario tampoco fue casual. Doña Letizia apostó por un midi blanco de Sybilla, diseñadora afincada en Mallorca desde hace años; la princesa Leonor recuperó una pieza de la firma sostenible Thinking Mu que estrenó en un concierto de Bad Bunny; doña Sofía eligió un conjunto tipo caftán de Alejandro de Miguel. Ropa como mensaje. Cercanía calculada.

MARIVENT COMO DECISIÓN: DEL PROTOCOLO A LA BRISA

El traslado de esta recepción desde el Palacio de la Almudaina hasta los jardines de Marivent, decidido en 2022, no fue un ajuste logístico. Fue un giro de tono. Los salones de la Almudaina imponen solemnidad; el césped frente al Mediterráneo, con la luz cayendo sobre la bahía, permite corrillos, conversación cruzada y una informalidad que la Corona necesita exhibir.

La gastronomía se convirtió en argumento político por otras vías. El cóctel lo firmaron tres nombres mayúsculos de la cocina balear: Santi Taura, Maca de Castro y Marga Coll. Tumbet mallorquín, mousse de camaiot, berenjenas en escabeche con queso Mahón curado, tomate con peix sec de Formentera, croqueta de bullit, flaó ibicenco. Los vinos, todos del archipiélago: Pedra de Binissalem Blanc Eco 2025, Flaires de Mortitx Rosat 2025 y Sa Caterina Negre 2024. Producto local elevado a categoría de discurso.

Conviene apuntar el contexto: fue la primera aparición pública de Felipe VI en Marivent este verano, después de que sus audiencias con Pedro Sánchez y con Prohens se celebraran en la Almudaina. La separación de espacios —trabajo allí, sociedad civil aquí— responde a una lógica que la Zarzuela cuida al milímetro.

Este articulo La infanta Sofía y el papel que estrena en Marivent aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

La vela mediterránea tiene una liturgia y empieza siempre en tierra firme, con una copa en la mano y la bahía de fondo. La 44ª Copa del Rey Mapfre ya está en marcha: el tradicional Cóctel de Armadores reunió a más de 300 invitados y estrenó sede en el Hotel de Mar, Gran Meliá, uno de los emblemas del lujo mediterráneo en Mallorca.

UN ESTRENO CON VISTAS: POR QUÉ CAMBIA EL ESCENARIO

El acto inaugural de la regata cambió de dirección postal, y no por capricho. El hotel —miembro de la colección The Leading Hotels of the World— abrió su terraza frente al mar, sus jardines suspendidos sobre el Mediterráneo y la Sky Pool asomada a la bahía para recibir a la que en Palma se conoce, sin ironía, como la gran familia de la vela.

El decorado importa. En un acontecimiento donde la competición deportiva convive con la diplomacia empresarial y el turismo de altísimo poder adquisitivo, la elección de sede funciona como declaración de intenciones: Meliá Hotels International refuerza así su vínculo con un evento que proyecta la marca Mallorca mucho más allá de la isla.

QUIÉN ESTABA: INSTITUCIONES, ARMADORES Y ROSTROS CONOCIDOS

La convocatoria mezcló los tres círculos que sostienen la Copa. Por el lado institucional acudieron el presidente de la Real Federación Española de Vela, Joaquín González-Devesa; el Consejero de Empresa, Autónomos y Energía, Alejandro Sáenz de San Pedro García, y el almirante de la Armada, Jaime Rodríguez-Toubes.

Después, el registro social. El actor Javier Rey, la modelo Eugenia Silva, la medallista olímpica de balonmano Eli Pinedo, la diseñadora Fiona Ferrer, el bailaor Joaquín Cortés, la actriz Ana Fernández, el modelo italiano Antonio Medugno, las influencers Emily Costa y Gloria Montserrat, la modelo e influencer Sara Botton, la modelo Malena Costa y el exfutbolista Mario Suárez completaron una lista que explica por qué esta cita ocupa páginas de deportes y de sociedad a la vez.

Y en el centro, los armadores. Los que pagan las velas.

LOS DISCURSOS: ALIANZAS, MARCA Y CUATRO DÉCADAS DE VECINDAD

Rafael Gil, presidente del Real Club Náutico de Palma, y Gabriel Escarrer, presidente y consejero delegado de Meliá Hotels International, dieron la bienvenida y coincidieron en el argumento de fondo: la regata como motor de proyección internacional para la isla.

«Cuando dos entidades que comparten estos principios navegan juntas, no solo generan valor para ellas mismas, sino también para Mallorca y para el conjunto de la sociedad», afirmó Gil.

Escarrer tiró de memoria y de geografía: «Durante más de cuatro décadas, el Hotel de Mar Gran Meliá ha sido testigo privilegiado de las sucesivas ediciones de la Copa del Rey, observando desde primera línea cómo esta competición ha contribuido a proyectar Palma, Mallorca y nuestro Mediterráneo por todo el mundo. Por ello tiene tanto sentido esta celebración, porque compartimos la tradición, la excelencia, la pasión por el mar y por la atracción de una comunidad internacional que comparte nuestros valores».

El conseller Sáenz de San Pedro García dio el pistoletazo de salida institucional subrayando que ambas marcas —Meliá y la Copa del Rey Mapfre— «llevan décadas representando a Mallorca en todo el mundo».

GASTRONOMÍA, MÚSICA Y UN CÁLCULO ECONÓMICO DE FONDO

La noche discurrió con una propuesta gastronómica de raíz mediterránea, música en directo y ese ambiente distendido en el que el deporte, la hospitalidad y el estilo de vida se confunden deliberadamente. Nadie disimula la operación: la Copa es competición y es escaparate.

Para Meliá, la colaboración encaja en una estrategia sostenida de apoyo a los acontecimientos que sitúan a Mallorca en el mapa del turismo de excelencia. Para el hotel, acoger el Cóctel de Armadores consolida su posición como uno de los escenarios más codiciados de la isla.

LO QUE VIENE EN EL AGUA

La 44ª edición se esta disputando en la bahía de Palma hasta el 8 de agosto de 2026, con más de un centenar de barcos, cerca de 1.000 regatistas de unos veinte países y competición repartida en nueve clases. El programa social incluye la fiesta Blanco by MAPFRE en el Real Club Náutico de Palma y la entrega de premios en el Palacio de la Almudaina.

El embat hará el resto.

Este articulo El Cóctel de Armadores inaugura la 44ª Copa del Rey Mapfre en el Hotel de Mar, Gran Meliá aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

Elcano no tiene sepultura. Murió el 4 de agosto de 1526 en algún punto sin fijar del Pacífico, a bordo de la nao Santa María de la Victoria, y su cuerpo fue echado al agua igual que el de cualquier grumete. Cuatro años antes había entrado en Sanlúcar de Barrameda al frente de los 18 hombres que quedaban de la primera vuelta al mundo.

CINCO DÍAS AL MANDO DE UNA ARMADA QUE YA SE DESHACÍA

La expedición que lo mató salió de La Coruña el 24 de julio de 1525 con siete naves y unos 450 hombres, según la documentación conservada en el Archivo General de Indias. La dirigía García Jofre de Loaísa, comendador de la Orden de San Juan. Elcano iba de segundo y de piloto mayor —el cargo técnico, el que sabía dónde estaba el barco— porque la Corona quería su experiencia pero no le dio el mando.

Loaísa murió el 30 de julio de 1526. Elcano heredó la jefatura de una flota que ya no existía: el estrecho de Magallanes se había tragado naves, las tormentas habían dispersado el resto y en la travesía del Pacífico murieron alrededor de 40 tripulantes. Cinco días después de asumir el mando, murió él.

Nadie lo escribió como una tragedia. Era la aritmética normal de aquellos viajes.

EL TESTAMENTO DE UN HOMBRE QUE SABÍA LO QUE VENÍA

El 26 de julio de 1526, nueve días antes de morir, Elcano dictó testamento a bordo. Es el documento más revelador que dejó. No hay épica en él: hay deudas, encargos y dos hijos naturales a los que reconoce —Domingo y María—, nacidos de mujeres distintas y en años distintos.

Un hombre que dicta testamento en alta mar sabe exactamente en qué punto está.

El escorbuto, que fue lo que acabó con él, no era entonces una enfermedad con nombre útil. Se sabía que aparecía tras meses sin tocar tierra, que sangraban las encías y se aflojaban los dientes, y que a bordo se moría de ello con regularidad estadística. La relación con el ácido ascórbico tardaría más de dos siglos en establecerse.

POR QUÉ UN HOMBRE CONDECORADO VOLVIÓ A EMBARCAR

Esta es la parte que la versión escolar suele saltarse. Carlos I premió a Elcano tras el regreso de la Victoria en septiembre de 1522: escudo propio con un globo terráqueo y el lema «Primus circumdedisti me» —«el primero que me rodeaste»—, y una pensión anual de 500 ducados.

La pensión estaba cargada sobre los ingresos del comercio de la especiería. Es decir: sobre un negocio que aún no funcionaba, en unas islas que España todavía no controlaba y que Portugal disputaba. El dinero dependía de que alguien fuera hasta allí y lo hiciera rentable.

Y ese alguien acabó siendo él.

Elcano no volvió al mar por vocación aventurera. Volvió porque su recompensa era un pagaré sobre las Molucas y porque el maestre de la Concepción —su cargo real bajo Magallanes— seguía siendo un marino de oficio, no un noble con rentas. La Corona le dio un escudo y le devolvió la factura.

LO QUE SOBREVIVIÓ AL DESASTRE

De aquella armada de siete naves, una sola alcanzó las Molucas. Los supervivientes quedaron atrapados años en el archipiélago, en guerra intermitente con los portugueses, hasta que los últimos regresaron a España en 1536, once años después de zarpar.

Entre ellos iba un guipuzcoano que embarcó con poco más de 17 años: Andrés de Urdaneta. Cuarenta años más tarde, en 1565, resolvió el problema que ninguna de aquellas expediciones había sabido resolver —el tornaviaje, la ruta de vuelta desde Filipinas a América aprovechando la corriente de Kuroshio— y abrió el Galeón de Manila.

El viaje que mató a Elcano formó al hombre que cerró la ruta que él buscaba.

Este articulo La muerte de Juan Sebastián Elcano: escorbuto, cinco días de mando y ninguna tumba aparece en La Siesta Magazine escrito por: Josep M. Aguiló

La Generación Z coreana ha encontrado su amuleto contra la precariedad y mide menos de un centímetro. Son tortugas de resina en relieve, adhesivas, que se pegan en fila india sobre la carcasa del móvil, y desde julio de 2026 aparecen en los selfies de Nayeon (Twice), en los directos de Choi San (Ateez) y en las fundas negras que Seonghwa enseña sin querer mientras habla con sus fans. El punto de partida fue Seúl —tiendas de accesorios de Hongdae, cuentas de Instagram como @bora_and, con unos 60.000 seguidores—, pero la difusión ha sido de manual: primero el barrio, luego el idol, luego el algoritmo.

Y ahí sigue. El hashtag #phonecharm acumula millones de reproducciones en TikTok, y las páginas de descubrimiento de la plataforma ya tienen categorías propias para «turtle on phone trend» y «lucky turtle charm Korea».

POR QUÉ UNA TORTUGA Y NO CUALQUIER OTRA COSA

La elección no es estética. En Corea, como en buena parte de Asia oriental, la tortuga simboliza longevidad, paciencia y fortuna, una asociación que viene de su esperanza de vida y que lleva siglos en la iconografía popular.

Lo que ha cambiado es a quién le habla ese símbolo.

Los compradores son mayoritariamente veinteañeros que describen el charm como un recordatorio para bajar el ritmo: lo llevan a los exámenes, a las entrevistas de trabajo, a la primera semana en una oficina. Varios medios especializados han vinculado el fenómeno al mismo patrón que explica el auge de los coleccionables entre jóvenes con poco margen económico: gasto pequeño, gratificación inmediata, sensación de control. No compras una tortuga. Compras cinco minutos de calma.

EL CÓDIGO DE COLORES QUE CONVIERTE UN ADHESIVO EN UN DESEO

Aquí está el mecanismo que ha disparado la viralidad. Cada color tiene un significado atribuido y el usuario compone su propia fila según lo que quiera atraer:

• Rosa: amor y relaciones.
• Verde y rojo: salud y vitalidad.
• Amarillo y dorado: dinero y prosperidad.
• Azul: éxito profesional.
• Morado: suerte inesperada.

San, de Ateez, eligió azul y morado. Dino, de Seventeen, apareció el 20 de julio en un directo de Weverse con dos tortugas en tonos rose quartz y serenity —los colores oficiales del grupo— asociadas a salud y dinero. El detalle importa porque explica por qué el formato funciona en vídeo corto: es un objeto diminuto que obliga al espectador a acercarse a la pantalla, y esa pausa es exactamente lo que premia el algoritmo.

DEL DIRECTO A LA MANICURA

La tendencia ya se ha salido del móvil. Estudios de uñas de Seúl —cuentas como @purplejay_nail o @hido_nail documentan el proceso en Instagram— están incrustando las mismas tortugas 3D en manicuras de gel sobre bases pastel translúcidas.

Y en paralelo ha resucitado el decoden, la técnica japonesa de decorar carcasas con una pasta de silicona que imita nata montada, sobre la que se pegan charms: lazos, perlas, postres en miniatura, animales. Nació en Japón hace más de una década y volvió al circuito con la ola maximalista de este año. Las tortugas encajaron sin fricción: son pequeñas, baratas y coleccionables, tres condiciones que el decoden pide de serie.

CUÁNTO CUESTA Y DÓNDE SE COMPRA

Las artesanales coreanas, las que llevan los idols, se venden entre 10.000 y 20.000 wones —de 6 a 12 euros al cambio— según el vendedor y el acabado. No es el precio de un capricho de un euro: es el precio de una pieza hecha a mano en una tienda pequeña de Seúl.

Por debajo hay tres capas de mercado. Los sets de llavero tipo Artbox y las versiones de tiendas de a mil wones, en la horquilla de 1.000 a 3.500 wones. Los revendedores internacionales —Cokodive, Hallyu Superstore, Etsy—, que aplican margen y envío. Y los clones de resina y acrílico de Temu y AliExpress, donde el precio unitario cae en cuanto se compra por lotes y donde también se encuentran los kits completos de decoden: pasta, charms surtidos y espátula.

En España no hay todavía distribución oficial de las marcas coreanas originales. Quien quiera la pieza exacta que sale en los directos tiene que pasar por Instagram o por reventa.

Este articulo Las tortugas de la suerte se comen TikTok: el colgante coreano que ya llevan Nayeon, San y Dino aparece en La Siesta Magazine escrito por: Rafa Gil

Pieter Mulier ocupa el despacho creativo de Versace desde el 1 de julio de 2026 y su primer desfile no llegará hasta febrero del año que viene. Ocho meses sin colección. En una industria donde los fichajes se miden en semanas hasta el estreno, la decisión no es del diseñador: es de Prada Group, que compró la casa por 1.250 millones de euros y quiere evitar exactamente lo que acaba de pasar.

Porque Versace viene de un accidente.

DE OSTENDE A AMBERES: UN ARQUITECTO QUE ACABÓ CORTANDO PATRONES

Mulier nació en Ostende en 1978 y no estudió moda. Se formó en arquitectura de interiores en el Institut Saint-Luc, un máster que explica bastante de cómo trabaja: piensa la ropa como estructura antes que como superficie. Entró de becario en el estudio de Raf Simons en Amberes en 2002 y un año después ya dirigía el diseño de la línea masculina.

A partir de ahí, veinte años de sombra. Siguió a Simons a Jil Sander —primero como consultor, después en plantilla—, luego a Dior y finalmente a Calvin Klein, donde fue director creativo global. Nunca firmó una colección con su nombre. Nunca salió a saludar.

Esa biografía tiene una lectura evidente y otra menos cómoda. La evidente: sabe construir una casa desde dentro, conoce los ateliers, entiende la relación entre archivo y producto. La menos cómoda: hasta 2021 nadie sabía qué haría Mulier sin Simons delante.

ALAÏA: CINCO AÑOS PARA RESPONDER A ESA PREGUNTA

Alaïa lo contrató en 2021, cuatro años después de la muerte de Azzedine Alaïa. Fue el primer director creativo externo de la casa tras un periodo en que el equipo interno sostuvo las colecciones.

Lo que hizo allí es medible. Trabajó los códigos duros de la maison —construcción arquitectónica, siluetas que siguen la anatomía, artesanía extrema— y les puso encima un filtro contemporáneo: reducción cromática, formas limpias, poco ornamento. Y, en paralelo, fabricó los objetos que pagan las facturas: las bailarinas de malla, el bolso Le Teckel. Rihanna, Dua Lipa y Taylor Russell hicieron el resto.

Mulier demostró que se puede venerar un archivo sin momificarlo. Su colección de despedida, presentada en París en marzo de 2026, la describió él mismo como un vocabulario de cinco años: bodycon noventero, peplums, abrigos hasta el tobillo, punto. Refinamiento, no reinvención.

POR QUÉ PRADA LO ELIGIÓ DESPUÉS DEL EPISODIO VITALE

La secuencia importa. Donatella Versace dejó la dirección creativa en marzo de 2025 y pasó a chief brand ambassador el 1 de abril. Dario Vitale la sustituyó ese mismo mes. Desfiló una vez, en septiembre. El 4 de diciembre se anunció su salida —dos días después del cierre de la compra por parte de Prada— y se hizo efectiva el 12.

Un director creativo, una colección, ocho meses.

Vitale venía de Miu Miu y su Versace apostó por una lectura sexualizada y contemporánea que no convenció ni a la nueva propiedad ni al circuito comercial. Mulier llega con el perfil opuesto: discreto, metódico, con veinte años de experiencia integrando equipos ajenos. Reporta directamente a Lorenzo Bertelli, presidente ejecutivo de Versace.

QUÉ CAMBIA EN LA ESTÉTICA DE LA MEDUSA

Aquí conviene bajar las expectativas de ruptura. Según la comunicación de Prada Group, el encargo es «expresar una nueva visión creativa arraigada en el espíritu y el ADN de la marca». Traducido: nadie quiere otro giro de 180 grados. La dirección apunta a recuperar un lenguaje más próximo al de Gianni y Donatella que al experimento anterior.

Lo que nadie explica es cómo se concilia eso con el Mulier de Alaïa. Su firma es la reducción; la de Versace, el exceso —barroco, dorado, print. El punto de encuentro plausible está en el corte: ambas casas construyen sobre el cuerpo, no sobre la tela. Si Mulier traslada su obsesión anatómica al vocabulario Versace, el resultado no será minimalismo con Medusa. Será estructura con voltaje.

El plan industrial acompaña: Prada Group prevé para 2027 el regreso de Atelier Versace, la línea de alta costura, junto a una racionalización de la oferta de producto, foco en calidad y distribución a precio completo. Menos referencias, menos descuento, más margen.

Este articulo Pieter Mulier lleva un mes en Versace y no piensa enseñar nada hasta 2027 aparece en La Siesta Magazine escrito por: Neus Bellver

Nueve minutos de pulverizador bastaron para que una marca francesa de seis años se convirtiera en el contenido más compartido de la moda de esa temporada. El 30 de septiembre de 2022, en el Musée des Arts et Métiers de París, Bella Hadid salió en ropa interior y dos técnicos le rociaron encima un líquido que se solidificó en tejido. La empresa detrás de aquello, Coperni, entró en redressement judiciaire —protección concursal— el 11 de junio de 2026.

Entre una fecha y otra no hay una relación causal directa. Hay algo más incómodo: la demostración de que el alcance en redes y la solvencia de una marca emergente se miden en escalas distintas, y que la segunda depende de cosas que no salen en el vídeo.

LA TECNOLOGÍA ERA REAL, Y NO ERA DE COPERNI

Conviene despejar el equívoco. El vestido no fue un truco de pasarela ni un efecto de posproducción.

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La sustancia se llama Fabrican, la desarrolló el diseñador y científico español Manel Torres, y es una tecnología patentada: fibras de algodón o sintéticas suspendidas en una solución polimérica que evapora al contacto y deja una capa de tejido no tejido. Torres estaba en la pasarela aquella noche, junto a dos científicos. La directora de diseño de la casa, Charlotte Raymond, remató el escote y cortó la abertura de la pierna mientras el material aún secaba.

Es decir: Coperni no inventó el material. Lo licenció, lo puso sobre la modelo más fotografiada del momento y lo convirtió en acontecimiento. Eso es dirección creativa, y fue buena. También expone el problema de fondo del modelo: el activo que hizo mundialmente conocida a la marca no era propiedad de la marca.

El gesto tampoco era inédito. En 1999, Alexander McQueen hizo que dos brazos robóticos pintaran con espray el vestido de Shalom Harlow sobre una plataforma giratoria. Coperni actualizó la referencia y la entregó en un formato que en 2022 —a diferencia de 1999— circulaba solo por TikTok e Instagram.

LO QUE PASÓ DESPUÉS NO SE DECIDIÓ EN PARÍS

Coperni no quebró por vender poco. Quebró —técnicamente, entró en concurso— por depender de un intermediario que dejó de pagar.

Desde 2019, el accionista mayoritario y distribuidor exclusivo de la firma era Tomorrow London Group, una de esas plataformas que en la última década se especializaron en financiar y distribuir diseñadores emergentes a cambio de participación: Charles Jeffrey Loverboy y Martine Rose figuraban en la misma cartera. El acuerdo típico dejaba a los fundadores el control creativo y la imagen. No el control de la caja.

Los números de Tomorrow explican bastante. Según sus cuentas de 2024, el grupo declaró 56 millones de libras en pasivo a corto plazo frente a 1,2 millones de libras en tesorería, con ingresos anuales en descenso del 8 %, hasta 63 millones. En marzo de 2026, la italiana Progetto 11 compró Tomorrow.

Para entonces la relación ya estaba rota. En febrero, Arnaud Vaillant y Sébastien Meyer anunciaron que no desfilarían en la Semana de la Moda de París: la relación con Tomorrow, dijeron en su comunicado, «se ha deteriorado significativamente, hasta el punto de que Coperni ya no tiene los medios para sostener su desarrollo». Renunciar al desfile —el escaparate por el que existen marcas como esta— era la señal.

DOS VERSIONES ANTE EL TRIBUNAL

La fecha de cesación de pagos quedó fijada en el 29 de mayo de 2026. El periodo de observación se extiende hasta el 11 de diciembre.

Según Coperni, las dificultades de tesorería no vinieron de una caída de la actividad comercial, sino del impago de cantidades adeudadas por Tomorrow a socios y proveedores. Progetto 11 lo cuenta de otro modo: sostiene que al tomar el control en marzo encontró a Coperni «ya en medio de una disputa más amplia sobre propiedad y gobernanza, sin financiación —lo que provocó también la cancelación del último desfile— y con los fundadores buscando readquirir el control». La compradora añadió que cooperará con los administradores judiciales y que sigue dispuesta a financiar la marca.

Un juez decidirá cuál de las dos versiones sostiene el expediente. Lo que ninguna de las dos discute es el hecho central: la marca perdió acceso a su propio dinero por una decisión tomada en otra sociedad, en otro país.

EL PROBLEMA NO ES LA VIRALIDAD. ES LA ESTRUCTURA

Aquí está lo que casi nunca se explica cuando una marca emergente estalla en redes.

Un vídeo de nueve minutos genera notoriedad, no capital circulante. La notoriedad tiene que convertirse en pedidos mayoristas, y los pedidos mayoristas se cobran con meses de retraso, y ese desfase lo financia alguien. En el modelo que adoptó Coperni —y decenas de firmas de su generación— ese alguien era la plataforma que también era su socio, su distribuidor y su acreedor. Tres funciones, una sola contraparte, ningún contrapeso.

Cuando la contraparte tiene problemas, la marca no tiene plan B. Los tiene el intermediario.

No es un caso aislado. Las quiebras y reestructuraciones de Matches, Farfetch y Saks Global golpearon a decenas de firmas independientes que dependían de ellas para llegar al mercado. El sector construyó una capa de intermediación que aceleró el crecimiento de los diseñadores jóvenes y, al mismo tiempo, concentró su riesgo en un único punto de fallo.

Y sin embargo, la conversación pública sobre marcas emergentes sigue midiéndose en impresiones.

QUÉ MIRAR AHORA

11 de diciembre de 2026. Fin del periodo de observación. El tribunal de París deberá aprobar un plan de continuidad, prorrogar el procedimiento o abrir la liquidación. Esa fecha, y no otra, dirá si Coperni sobrevive como empresa.

El pulso por la propiedad. Vaillant y Meyer han declarado que buscan recuperar el control. Progetto 11 dice estar dispuesta a aportar fondos. Una recapitalización que diluya a los fundadores y una recompra por parte de estos son escenarios opuestos, y el procedimiento concursal es el terreno donde se resolverá.

El resto de la cartera. Tomorrow financia o distribuye a otras firmas independientes. Si el deterioro de tesorería descrito en el expediente de Coperni afecta a más marcas del grupo, la señal dejará de ser un caso individual para convertirse en un problema de modelo.

Este articulo Coperni: del vestido spray de Bella Hadid al concurso de acreedores aparece en La Siesta Magazine escrito por: J. Fernández Ortega

¿Cuándo y cómo nació tu relación con la música?

Desde una edad temprana, siempre he estado rodeado de música. De pequeño, por ejemplo, recuerdo escuchar la música disco que ponían mis padres en casa. Sin embargo, hubo dos momentos cruciales en los que me di cuenta del efecto que tenía en mí. 

?Uno fue cuando mi hermana compró el primer iPod que salió al mercado. Yo, por entonces, todavía usaba un reproductor de MiniDisc. Ella me dijo que podía meter algo así como mil canciones en esa cosita diminuta y cargarlo todo desde un ordenador en lugar de estar constantemente quemando CDs o grabando desde vinilos. Aquello me voló la cabeza por completo (risas). De hecho, creo que ese momento despertó mi obsesión por la tecnología y por la música. 

Siempre me ha encantado ver cómo la tecnología puede cambiar la forma en que creamos y experimentamos las cosas, y creo que eso sigue siendo una parte fundamental de quién soy hoy.

?El segundo momento fue el que realmente me introdujo en la música electrónica. Un amigo de mi hermana paró fuera de nuestra casa en su Golf GTI con las ventanillas bajadas y la música de Pendulum a todo volumen. Todavía recuerdo escuchar esa línea de bajo y esa batería viniendo de la calle y pensar: «¿Qué diablos es esto?». 

Nunca antes había escuchado música electrónica sonando como es debido. Por aquella época, me gustaba muchísimo el ‘punk’ –y también algo de ‘disco’-, lo que creo que todavía influye en el ritmo (‘groove’) y la energía de mi música actual. 

?A partir de ese instante, me obsesioné con la música. Quería saber cómo se hacía, quién lo hacía, qué software usaban, qué equipo tenían… todo. Pasé de simplemente escuchar música a querer entender cada pequeña parte de cómo se creaba. A esas alturas supe que la música no era solo algo que disfrutaba, sino que era a lo que quería dedicar mi vida.

Si te digo la verdad, ahora me cuesta mucho simplemente escuchar música sin más, ya que me gusta sumergirme en cómo fue creada. Suelo escuchar bandas y música que no está hecha con un ordenador, porque esa es la única manera en que mi mente puede relajarse, ya que no sé tocar esos instrumentos (risas). 

¿Y cuándo empezaste a pinchar?

Empecé a pinchar cuando tenía unos 17 años, mientras todavía estaba en el instituto. Compré unos platos muy modestos con los que solía practicar en mi habitación. Estaban conectados a unos viejos altavoces de ordenador, que ponía a todo volumen. Mirando en retrospectiva, apuesto a que mis vecinos me adoraban (risas).

?En aquel entonces ponía de todo: ‘electro’, ‘dubstep’, ‘drum & bass’, ‘techno’… lo que fuera que me gustase. Como dije antes, apenas estaba empezando a meterme en la música electrónica, así que realmente no me importaban los géneros. Si me gustaba una canción, la ponía.

?Gracias a eso, terminé aprendiendo a hacer transiciones entre bpm’s completamente diferentes. En ese momento no tenía idea de que eso fuera una habilidad; simplemente hacía que funcionara porque quería poner toda la música que me gustaba. Viéndolo ahora, fue un accidente con final feliz porque, realmente, todavía no entendía el arte de ser deejay. Solo me estaba divirtiendo.

?Las cosas realmente despegaron cuando fui a la universidad. Me presenté a un concurso, cuyo premio era una residencia en una fiesta llamada ‘Get Satisfied’. No gané, pero aun así terminaron contratándome para bastantes eventos, así que debí hacer algo bien.

?Después de eso, empecé a organizar mis propias noches llamadas ‘Ambush’ y ‘Decibel’. A partir de ahí, todo se convirtió en una bola de nieve. 

Para serte honesto, no empecé a pinchar porque pensara que podía ganarme la vida con ello; ni siquiera sabía que eso fuera realmente posible. Simplemente amaba la música y me encantaba ponérsela a la gente. De alguna manera eso se convirtió en mi profesión. Y me siento bastante afortunado de que así haya sido.

¿Recuerdas tu primer bolo?

Mis primeras sesiones fueron en un club gay en Reading (Inglaterra, Reino Unido) llamado ‘Zeus’. Guardo muy buenos recuerdos de aquellas noches, en las que no había teléfonos móviles en alto ni nadie grabando todo para las redes sociales… Tan solo había gente bailando durante horas y viviendo genuinamente el momento. Creo que eso es algo que hemos perdido un poco a lo largo de los años, y es una lástima porque el ambiente de esa época era increíble.

¿Y en qué momento empezó a cambiar todo? 

Creo que el verdadero punto de inflexión en mi carrera ocurrió en Ibiza hace unos diez años. Había ido allí con Latmun y fuimos a ‘Music On’ en Amnesia un viernes por la noche. Antes de salir, me recordó que tenía que volar de vuelta a Liverpool al día siguiente para pinchar, pero que volvería a la isla el domingo y que seguiríamos donde lo dejamos.

?El sábado me desperté alrededor de las diez de la mañana -tras haber dormido apenas dos horas- por el ruido de lo que creí que era alguien intentando entrar a mi apartamento. La puerta estaba literalmente temblando en sus bisagras. Me acerqué pensando: «¿Qué mierda está pasando aquí?». Entonces, me di cuenta de que no era alguien en la puerta… eran los graves de unos altavoces (risas).

?Abrí la puerta y había una pila enorme de subwoofers allí fuera. Y es que no me había enterado de que ‘Music On’ estaba haciendo su ‘after’ en el patio de los apartamentos Bora Bora, donde yo estaba alojado. Cerré la puerta, me volví a meter en la cama e intenté ponerme una almohada en la cabeza. Pero fue inútil. 

Como no había ninguna posibilidad de volver a dormir, me di una ducha, salí de la habitación y me fui, solo, a la fiesta. Al cabo de un rato, me puse a charlar con otro chico inglés en la parte de atrás de la fiesta. En un momento dado, le comenté estaba produciendo música. Me preguntó si podía escuchar algo, así que terminamos en mi apartamento con un par de copas y nos pusimos frente a mi portátil para escuchar un par de ‘tracks’.

?Al chico le encantó lo que estaba haciendo. Tanto, que me dijo que le encantaría firmar algo para su sello y, tal vez, incluso remezclar alguno de mis temas. Unas horas más tarde, nos fuimos juntos al ‘Ushuaïa.’ 

?Al día siguiente, Latmun regresó a Ibiza. «Ayer conocí a un chico llamado Michael Bibi… Creo, que, realmente, le gusta mi música”, le dije.  

?Ese mismo año, Michael hizo un remix de mi tema “Sleep Like A Stoner”. También empecé a lanzar música en su sello ‘Solid Grooves’ y todo creció como la espuma. Mirando hacia atrás, es una locura cómo una conversación completamente casual cambió el rumbo de mi carrera. Por cierto, creo que nunca había contado esa historia antes… 

Vamos acabando ¿Cómo ves la escena en España?

Me encanta. Por su cultura y la energía de la gente. Resulta curioso, pero dependiendo de la ciudad, les gusta un estilo u otro. Tempos más rápidos, líneas de bajo más duras, en algunos lugares les gustan las voces, en otros los ritmos continuos (‘rollers’). Es diferente en todas partes. Podrías compararlo con las paellas y sus diferentes versiones. Cada región tiene una (risas). 

¿Qué consejo le darías a alguien que quiera aprender a pinchar?

Le aconsejaría que dedicara tiempo a aprender el oficio. Creo que hoy en día hay demasiada gente que se mete en esto porque quiere ser famosa o piensa que es una forma rápida de ganar dinero. Si esas son sus razones, probablemente perderá el interés bastante rápido, porque la realidad es que requiere de mucho trabajo duro.

Aprender a pinchar, hoy en día, no es tan difícil. Pero dominar la profesión es una historia completamente diferente. Saber leer el público (psicología de pista), construir la energía a lo largo de un set completo, saber cuándo poner el disco y cuándo no, recuperarse de los errores sin que nadie se dé cuenta… esas son las cosas que llevan años.

También le diría que no tuviera prisa. Que practicara todo lo que pueda y que grabara sus para luego escuchar sus errores. Y lo más importante, que lo hiciera porque ama genuinamente la música. 

Por último ¿Cuáles son tus planes de futuro?

?Tengo un montón de música nueva a punto de salir este año que siempre me emociona compartir. Música en sellos como ‘Hellbent’, ‘Elrow’, ‘Nothing Else Matters’, ‘Moxy’ y muchos más. 

También estoy a punto de lanzar mi nueva empresa, ‘Dead Quiet Studio’, que dirijo junto a mis increíbles socios comerciales. Se trata de un espacio de alta gama para masterización, mezcla, acabado y ‘plugins’, ya que he estado metido en ese mundo durante muchos años. 

FAST CHECK 

• Un deejay: Marco Carola
• Un productor: Jezz (Jezen)
• Un tema: “I want your soul” de Armand Van Helden
• Un estilo que no sea electrónica: punk
• Un club: Chinois Ibiza
• Un festival: Reading Festival (Inglaterra, Reino Unido)
• Una comida: japonesa
• Una bebida: Coca Cola (la clásica)
• Una película: “Brokeback Mountain” (Ang Lee, 2005)
• Una serie: ‘Breaking bad’
• Un lugar para perderse: dentro de mi cabeza

Este articulo Iglesias: “Me encanta pinchar en España por la energía que transmite la gente”  aparece en La Siesta Magazine escrito por: Tommy M. Jaume