“Los museos de arte contemporáneo españoles desprecian la pintura”. Con esta aclaración en la rueda de prensa el nuevo director de Es Baluard, el Museu d’Art Contemporani de Palma, estrenó la temporada 2025 con una renovación total de exposiciones en sus salas, dando inicio a la apuesta programática del historiador del arte y comisario David Barro. 

Barro explica que “la pintura siempre tiene una nueva definición”. Bajo esta percepción, la apuesta para la primera temporada que estará en exhibición hasta prácticamente mediados de año, rescata una de las técnicas más importantes en la historia del arte, menospreciada en las últimas décadas en favor de otras disciplinas como la instalación, el arte conceptual, el videoarte, la fotografía o la performance, agrupadas y justificadas dentro del espacio expositivo y museal bajo la denominación de “artes visuales”, como si todo lo que vemos pudiese ser justificado como arte, aunque no exista técnica ni talento pero sí discurso o activismo, tierra fértil para el aumento explosivo de artistas y trabajo continuo para comisarios.

Las palabras de Barro resuenan como un campanario a oídos de artistas taquilleros o comisarios iluminados, constatables al revisar la programación de museos y centros dedicados a la exhibición de arte contemporáneo en España durante al menos las dos últimas décadas. La búsqueda por la originalidad, la pasión por la inmediatez, el vasallaje al mercado, la prostitución hacia la institucionalidad y la subvencionalidad estatal o la insistencia por mensajes relacionados con temas políticos o ideológicos, han vuelto irreconocible lo que no hasta hace mucho entendíamos como “arte” en un relativo marco general. El sistemático asesinato de la pintura y las técnicas tradicionales en pos de nuevas manifestaciones ha provocado con los años una disminución paulatina de la frecuenctación de visitantes a estos espacios y ha desvinculado a los ciudadanos de a pie casi por completo del interés por entrar a un museo de arte contemporáneo. Sencillamente no entienden lo que ven ni les interesa ser receptores de mensajes de tintes propagandísticos o políticos. Y es que en una contemporaneidad repleta de malas noticias y situaciones geopolíticas donde constantemente la estabilidad pende de un hilo, lo último que se desea es entrar por voluntad a un lugar a ver tortuosidades, propaganda o desvinculación de la vida real adornado de textos a modo de esdrujularios.

Curiosamente, por otro lado, museos catalogados y despreciados por esa misma modernidad de antiguos, pasados de moda o anacrónicos como el Louvre, Orsay, el Museo del Prado o los Museos Vaticanos, dedicados a las más altas manifestaciones en la historia del hombre a través de la pintura, la escultura, el dibujo o el grabado, las bellas artes tradicionales, rompen año a año cifras récords de visitas. Esa situación demuestra ejemplarmente que pese a la invención de discursos o reinterpretación u descontextualización de lenguajes, la constante búsqueda del hombre común por la belleza, el placer por la estética, por esas manifestaciones que nos son cercanas y nos hablan de la vida, que pueden emocionarnos en intimidad hasta las lágrimas, en cualquier época y a pesar de todos los avances y nuevas retóricas, se mantienen intactos. En ese sentido, el arte contemporáneo lo tiene muy difícil gracias a él mismo y sus abusos. Constataciones que al mercado, el mundo del galerismo y el comisariado les irrita escuchar.

La nueva programación con la que debuta David Barro incluye las muestras “The Green Fog”, del artista mallorquín José Fiol; “Puntos Cardinales” de Jessica Stockholder; la colectiva “Nachleben: la pintura como arte conceptual” y el plato fuerte, la exposición “Pinturas Aeropostales” del artista chileno Eugenio Dittborn, donde muestra una serie de obras a través de las cuales el creador desafió el estricto régimen institucional de censura durante la dictadura de Augusto Pinochet en el país latinoamericano.

La propuesta de José Fiol presenta a través de la pintura dos prácticas de la cultura y el deporte importantes en la vida y el imaginario de la localidad territorial: el cine y el tenis. Sus lienzos con escenas de las fases de un torneo del elitista deporte, practicado por el propio pintor, como la proyección de una pieza audiovisual de cinematografía estadounidense trae al presente dos nombres que son una constante en el imaginario colectivo español: Pedro Almodóvar y Rafael Nadal, que tanto orgullo, alegría, proyección y reputación internacional han entregado al país, a pesar de que para la mayoría de la población sea prohibitivo pertenecer a un club de tenis o visitar el paseo de la fama en Los Ángeles. Su propuesta refleja, quizá inconscientemente, dos caras antagónicas de una misma sociedad, a pesar de no ser planteada como crítica, sino como simple y mera vivencia del autor. Lo más valioso de esta propuesta es la intención de rigor por la práctica pictórica y sus reglas de representación formal, con una pincelada relamida trabajada a modo de impresora.

Se trata de exhibiciones diametralmente opuestas unas entre otras. Lo cualitativo también varía y eso se aprecia a simple vista en la segunda propuesta  “Nachleben: la pintura como arte conceptual” con el 98% de las pinturas expuestas de propiedad de la colección del mismo museo. En esta nueva revisión de la colección se incluyen algunas obras destacadas, como el ya conocido y teatral “El Abanderado” de Joan Miró y obras de algunos nombres fundamentales de la pintura moderna y contemporánea como Antonio Saura, Wilfredo Lam, George Baselitz o Miquel Barceló. 

Apreciamos a los buenos artistas porque a través de sus obras nos hablan directamente a los ojos de la vida como la erupción de un volcán, una explosión de dinamita o como el choque del viento en nuestro rostro. Eso no llega a suceder con “Puntos Cardinales” la propuesta de Jessica Stockholder, poniendo ante el espectador una fórmula repetida largamente en museos de arte contemporáneo. La agrupación de desechos y basura tecnológica rearmados en formas aparentemente escultóricas y pintadas encima en colores vivos y chillones resulta una inercia constante que desconecta con el gusto estético fundamental del espectador. La mejor propuesta de la exposición parece ser una gran alfombra multicolor de producción local y prolijidad en su fabricación. 

Se reivindica la planta baja en un punto de inflexión con la presencia de la obra de Eugenio Dittborn, que parece anular todo el resto, repletar el espacio como mercurio arrastrándose por un laberinto y traer al presente y la memoria olvidadiza un pasado extremadamente pesado, lúgubre, dramático y tormentoso. Se trata de “Pinturas Aeropostales”. El nombre podría hacernos pensar que se trata de postales pintadas enviadas por correo, pero nada más lejos. Son tres obras de gran formato en papel, tela y material de sastrería, que han sido plegadas y enviadas por correo postal. Lo que parece el envío de un sobre normal de cartón donde cabría una camiseta, oculta y despliega al abrirlo obras monumentales de carga política y social que el artista hizo circular en plena dictadura militar chilena en los años ochenta. En estas obras, el Premio Nacional de Artes Plásticas de su país (2005) crea un juego visual entre texto e imágenes en un claro guiño al poeta Nicanor Parra. Educado en Chile, Berlín y París, las pinturas aeropostales de Dittborn, en palabras de su comisario, están ejecutadas en una estrategia pragmática, tomando en cuenta la condición geográfica de Chile, sorteando aduanas y la censura del régimen militar, que en su momento debían obligatoriamente salir del país autorizadas y selladas por el Museo Nacional de Bellas Artes. Son el testimonio plástico de una època histórica donde el artista se arriesgó a ser detenido y lo que eso conllevaba y que incluía tortura, exilio, asesinato o desaparición forzada.

Esta propuesta de Eugenio Dittborn toma un especial simbolismo en Es Baluard y el territorio español, donde su obra es poco conocida y en una época donde los museos de arte contemporáneo nacionales han normalizado el desprecio por la pintura. Es relevante el hecho de que esta muestra ha sido comisariada por otro artista, el creador también chileno Patrick Hamilton, residente en Madrid desde hace doce años. Gracias a Hamilton y Felipe Cooper, el asistente personal de Dittborn, actualmente de 82 años, esta exposición llega a España. Recupera una histórica relación de artistas comisariando exposiciones de otros artistas, práctica casi desaparecida debido a la omnipresencia de comisarios en las instituciones museales. En el pasado los artistas no solamente comisariaban las exposiciones, sino además dirigían los museos y salvaguardaban las colecciones. Este gesto trae inevitablemente del pasado la figura de Nemesio Antúnez, el segundo artista más reconocido de país latinoamericano después del surrealista Roberto Matta, según el MoMA de Nueva York. Antúnez se convirtió en una voz rectora de las artes y la pintura en su país, emblemático por haber protegido el museo y la colección el día en que militares sobre tanquetas abrieron fuego contra el Museo Nacional de Bellas Artes, estando él mismo dentro. Antúnez se las arregló para sacar contra reloj y de forma clandestina un importante número de obras y artistas del país antes de que cayeran en las manos y atrocidades perpetradas por el golpe de Estado y sus sicarios. En un contexto histórico escalofriante, Dittborn hace recordar con su obra a otros tantos de su generación que como él, desafiaron al dictador y su violencia.

Hay un rasgo que se observa en general en los artistas chilenos: su extraordinaria capacidad de resiliencia y reinvención sin olvidar el pasado, una capacidad en que logran diferenciar con facilidad lo superfluo de lo importante. Probablemente, características devenidas de una historia de supervivencia en el lugar más austral del mundo, una situación de insularidad territorial (rodeados por desierto, montaña, mar y hielo), explicado por Hamilton, el constante ensañamiento del rugido de la naturaleza y, por supuesto, el trauma de una dictadura cuya herida continúa presente como venas abiertas después de medio siglo. Con amplia diferencia, la propuesta más destacada de esta nueva programación de Es Baluard y un buen antecedente que abre el debut de su nuevo director. 

Este articulo Es Baluard rescata la pintura en la época del desprecio aparece en La Siesta Magazine escrito por: Alex Ceball

El arte contemporáneo se fusiona con la reflexión espacial en la última exposición presentada por Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma. Bajo el título «Soy Palacio / Soy Establo», la obra de Ana Laura Aláez se erige como una exploración profunda del vacío como elemento escultórico, desafiando las convenciones establecidas y llevando al espectador a un viaje introspectivo a través de cinco obras ingeniosamente concebidas.

Ana Laura Aláez, conocida por su enfoque multidisciplinario y su constante búsqueda de nuevos lenguajes artísticos, ha creado una exhibición que va más allá de la mera representación visual, invitando al público a reflexionar sobre la relación entre el espacio, la materia y la experiencia humana. La comisaria de la exposición, Frederic Montornés, guía al espectador a través de un laberinto de significados, donde cada obra se convierte en un punto de partida para explorar temas tan diversos como lo atávico y lo contemporáneo, lo público y lo privado, lo corpóreo y lo etéreo.

En «Soy Palacio / Soy Establo», Aláez desafía las convenciones tradicionales de la escultura al utilizar una variedad de materiales, desde el esparto hasta el hierro, y al explorar la relación entre el vacío y la forma. Cada obra se convierte en una experiencia única, donde el espectador es invitado a contemplarla desde múltiples perspectivas, descubriendo nuevos significados con cada mirada.

Una de las características más intrigantes de la exposición es la manera en que Aláez incorpora textos escritos por ella misma, añadiendo una capa adicional de profundidad y complejidad a cada obra. Estos textos, surgidos de la experiencia personal de la artista durante el proceso de creación, revelan la íntima relación entre el arte y la vida, entre la forma y el contenido.

Además de su impacto visual, «Soy Palacio / Soy Establo» también invita al espectador a reflexionar sobre el papel del cuerpo humano en la creación artística. Aláez considera al cuerpo no solo como un objeto de estudio, sino como un portador vivo de la escultura, un medio a través del cual se exploran nuevas formas de expresión y significado.

En última instancia, «Soy Palacio / Soy Establo» no es simplemente una exposición de obras de arte, sino un viaje emocional y conceptual a través de la mente de una artista en constante evolución. Ana Laura Aláez desafía las expectativas y redefine los límites del arte contemporáneo, recordándonos que el vacío, lejos de ser una ausencia, puede ser una fuente infinita de significado y creatividad

Este articulo Explorando el Vacío: Ana Laura Aláez presenta ‘Soy Palacio / Soy Establo’ aparece en La Siesta Magazine escrito por: Marina Forteza

L a Embajada de la India en España celebra en Palma el Día Internacional del Yoga. Un evento que a primera hora de la mañana estuvo abierto a todos los aficionados al yoga y que ha contado con la presencia de Sanjay Verma, Embajador de la India en España.

El yoga es la unión del cuerpo, la mente y el alma. Esta antigua práctica es hoy un fenómeno mundial que comparten millones de personas. Por lo tanto, también merece celebraciones mundiales para animar a más y más personas a unirse y adoptar un estilo de vida saludable.

En la puerta de Es Baluard una botella de agua y una camiseta conmemorativa del Día internacional del yoga. Con una distancia prudencial, cada inscrito ha colocado su esterilla dispuesto a recibir las indicaciones para el comienzo de su clase.

En 2014 la ONU declaró el 21 de junio como el Día Internacional del Yoga (DIY). Desde los últimos seis años, España ha sido testigo de la celebración del Día del Yoga en más de 17 ciudades.

Este año la Embajada de la India ha celebrado en el espacio icónico Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma una Clase Magistral de Yoga basada en el Protocolo Común de Yoga, que ha incluido algunas de las principales asanas y pranayamas.

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El pintor ibicenco Rafael Tur Costa ha fallecido este miércoles con Covid a los 93 años de edad, según ha comunicado su familia a través de redes sociales. En el mensaje, el hijo del pintor ha destacado que se contagió del virus, aunque estuvo asintomático hasta hace pocos días, cuando su estado empeoró.

Cabe recordar que, a comienzos de diciembre, la Conselleria de Presidencia, Cultura e Igualdad dedicó una exposición retrospectiva al ibicenco en Es Baluard Museu de Mallorca, repasando sus obras desde los años 50 hasta la actualidad.

La muestra, que lleva el título ‘La luz del fragmento‘ y se puede visitar hasta el 18 de abril de 2021, recompone no sólo la trayectoria plástica de Tur Costa, sino que también acerca a espacios íntimos en que cada detalle se correlaciona con una vivencia, según destacaron desde el Govern.

Coincidiendo con la inauguración, a la que el propio artista
acudió, desde Cultura señalaron que después de la concesión este año de la Medalla de Oro de la Comunidad Autónoma, esta exposición completa el homenaje a «un artista capital de la plástica balear».

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Diecinueve apagones y un destello, Un manifiesto tentativo de Valentín Roma se presento esta semana en Es Baluard Museu de Palma. Una charla cultural del mundo del arte con la presentación de la directora del museo Imma Prieto y el autor de libro. Entre los asistentes, Catalina Joy, Eva Cifré, Marcos Augusto y Tolo cañellas

Los episodios de este libro componen cierto manifiesto sobre la interpretación. Una tentativa problemática porque atiende a los puntos ciegos de la historia antes que a sus momentos estelares.

Anna Magnani discute con Juana de Arco, Nicanor Parra reprendre a Chardin, Marguerite Duras comenta una secuencia de American Beauty, Susan Sontag espía la última pintura de Vermeer. Tal vez el arte no sea otra cosa que conversar a oscuras, puede que solo miremos para poner el foco en las circunstancias, para restarle heroísmo a nuestra insignificancia.

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Es Baluard Museu abrió las puertas de la exposición retrospectiva que la Conselleria de Presidencia, Cultura e Igualdad dedica al artista ibicenco Rafael Tur Costa (Santa Eulària des Riu, Ibiza, 1927), la cual comprende obras desde los años 50 hasta la actualidad.

«Desde el Govern, queríamos reconocer la importancia de Tur Costa como primer artista abstracto formado en las Islas y testigo de la Ibiza cultural y tradicional que atrajo el interés de artistas y galeristas en los años 50», ha explicado la delegada de la Presidencia por la Cultura, Catalina Solivellas, después de la concesión este año de la Medalla de Oro de la Comunidad Autónoma, esta exposición completa el homenaje de «un artista capital de la plástica balear». «Nos permite profundizar en su obra, marcada por la luz de Ibiza y un aprendizaje autodidacta sin prejuicios hasta conformar un lenguaje muy personal dentro de la abstracción», ha indicado.

Rafael Tur Costa vive y trabaja en Ibiza. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Ibiza y en 1955 conoce a los integrantes de la Hochschule Für Bildende Künste de Berlín, un grupo de estudiantes alemanes de Bellas Artes que llega a la isla y que le pone en contacto con los planteamientos artísticos de la vanguardia europea.

Su inquietud lo lleva a frecuentar los círculos artísticos de Madrid y Barcelona. Ha expuesto su obra tanto en Europa, como en Estados Unidos, en galerías, centros de arte y museos entre los que se encuentran el Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza (MACE) en varias ocasiones (1983, 1997) o el Casal Solleric de Palma (1997).

En la inauguración de la muestra acudió Inma Prieto, Pilar Costa, Caty Verdera, Elena Ruiz y Eva María Mulet, la presidenta del Govern Francina Armengol y la pareja Manolo Oya y Helena l Pezzi

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Por su naturaleza efímera, la danza, la performance, la música o la spoken word quedan fuera de investigaciones teóricas e historiográficas. Por este motivo, desde la Delegación de la Presidencia para la Cultura se quiere apoyar el sector, reivindicar estos lenguajes artísticos e introducir en el ámbito deBaleares una línea de estudios que acerque estas reflexiones a los diferentes públicos.

El objetivo de I-CorDes es llevar a cabo una reflexión sobre la relación entre el cuerpo, el texto y el sonido. En este sentido, el motor de búsqueda se centra en aquellos trabajos relacionados con las artes escénicas (danza, performance, voz) que activan el concepto ‘exposición’ a partir de la presencia física de los cuerpos en el espacio.

CUATRO SESIONES DE I-CORDES

El ciclo tendrá cuatro sesiones, coincidiendo cada una de ellas con el cambio de estación. Cada sesión, pensada de forma intensiva e inclusiva, se extenderá a lo largo de una jornada. Contará con una parte teórica, una práctica y una sonora, conducidas por reconocidos profesionales de los ámbitos de las artes escénicas y la búsqueda como Óscar Cornago, Catalina Carrasco, Kiko Barrenengoa, Aimar Pérez Galí, Reinaldo Ribeiro y Carles Congost (The Congosound), que introducirán las diferentes propuestas de este otoño e invierno.

Dia: 14 de noviembre de 2020
Hora: 11:00h a 21:00h
Espacio: Aljub

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Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma presenta «Spleen de Teherán. Poesía en prosa», un proyecto de Nuria Marqués que reflexiona, desde una perspectiva personal e íntima, sobre la aceptación de una serie de estereotipos y representaciones culturales impuestas en Occidente, a partir de la obra que la artista realizó durante una residencia artística en Teherán en 2018.

La exposición, comisariada por Catalina Joy, se abrió al público con una visita guiada por la artista Nuria Marqués. A ella acudieron diversos amantes del arte contemporáneo como Tolo Cañellas, Irene Amengual, Eva Cífre, Aïda Lacomba, Mireia Guitart y Joan Riutort o Paula Sernadas, Nadia Barberón, Carla Rossasalvo y Sara Miraldi.

La artista muestra su propia versión del país, que surge «como resultado de las emociones que le provocaba la dicotomía entre lo que supuestamente conocía y lo que percibía», según la comisaria. Todos los dibujos, convertidos en carteles de una medida única, se presentan bajo una estandarización e intensidad simétricas que persiguen la estética de la propaganda de los regímenes totalitarios.

En este sentido, Catalina Joy explica que «la creadora menorquina huye de los estereotipos más intransigentes mientras, a su vez, se cuestiona los límites de la comunicación humana a través de su propia experiencia: ¿cómo acercarnos al otro y la alteridad cuando los códigos no son evidentes?» Así, el proyecto de Nuria Marqués explora la oportunidad de construir otra mirada, y alejarnos de la historia única -según el planteamiento de Chimamanda Adichie.

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Con «Phasing Rain» Es Baluard celebra su 16 aniversario apuntando a la reflexión en torno a la memoria del espacio y, al mismo tiempo, afrontando las urgencias de nuestra contemporaneidad: el cambio climático y el agua como recurso en escasez. Mediante esta instalación site-specific de luz y sonido, el museo pone la atención sobre las problemáticas de mayor actualidad.

La instalación, codirigida por Onionlab y Xavi Bové Studio con diseño de sonido y música de Zinkman, tiene por objetivo transformar radicalmente el antiguo aljibe de agua dulce que abastecía todo el barrio del puig de Sant Pere y que actualmente forma parte del Complejo cultural de Es Baluard. Un espacio que extiende su propia potencia en un diálogo entre el pasado y el presente, donde la memoria del lugar se amplía a medida que las gotas de agua golpean nuestras conciencias.

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El complejo cultural de Es Baluard se engarza en el discurso museológico conduciendo a nuevas interpretaciones a partir de piezas significativas –adquiridas por la propia Fundación– que aluden, precisamente, a la relación entre los paisajes interiores y los exteriores, lo doméstico y la intemperie, el ser social y la intimidad individual. Una ventana y una mirilla que les permiten seguir investigando en las líneas abiertas y profundizar en el análisis de los casos de estudio de los múltiples relatos de la historia del arte.

Atravesar las fronteras, las vallas, hacer los muros permeables. Una membrana porosa, la de un museo en una fortaleza. Más allá del white cube, una colección. El plan estratégico de Es Baluard 2018, incide en un modelo de museo cuya misión principal es responder por el valor del patrimonio artístico que custodia y debe transmitir a la sociedad.

Así, la institución pretende trascender las paredes del contenedor museístico para convertirse en un ente orgánico, transmisor y receptor de la evolución cultural de nuestro tiempo. La actual disposición de la Colección Permanente se potenciará con la inclusión y diálogo de las últimas incorporaciones de obras de arte, a las que se suman colaboraciones con artistas, coleccionistas y otras entidades con el denominador común del dentro-afuera.

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