La primera vez que vi la maravillosa película Locos de abril (1969) fue a finales de los años setenta, en un pase por televisión, creo que en ‘Sábado cine’, casi diez años después de su estreno en nuestro país.

Protagonizada por Jack Lemmon, Catherine Deneuve y Peter Lawford, estaba dirigida por Stuart Rosenberg, un muy notable realizador que también fue el responsable de otras películas igualmente memorables como La leyenda del indomable, Brubaker o Sed de poder.

La banda sonora era de Marvin Hamlisch, mientras que el tema principal estaba compuesto por Burt Bacharach y lo interpretaba Dionne Warwick, grandes nombres de la música todos ellos, que, sin duda, contribuyeron también a hacer de Locos de abril la comedia romántica realmente mágica e inolvidable que sinceramente considero que es.

En 1969, año en que fue rodada, aún parecía posible poder abandonarlo todo de repente, ya fuese un empleo, una ciudad, un estatus, una casa o lo que fuera, y empezar una nueva vida completamente distinta y diferente en otro lugar, sobre todo si uno llevaba una existencia algo insatisfactoria o sin demasiados alicientes personales o profesionales.

Y eso es lo que quiere hacer el personaje que interpreta Jack Lemmon en esta película, abandonarlo todo e irse a París con la persona que ama, interpretada por Catherine Deneuve. Cuando ambos se conocen, están aún casados con sus respectivas parejas, aunque desde el principio del filme todo parece apuntar a que seguramente no seguirá siendo así por mucho tiempo.

De Locos de abril recuerdo aún hoy, sobre todo, el momento en que se conocen los dos protagonistas, en una fiesta, así como también una secuencia en la que ambos charlan y toman algo en un local algo peculiar y exótico, y especialmente todo el tramo final de la película, con los amigos de Jack Lemmon acompañándole al aeropuerto a toda prisa, mientras de fondo suena un tema genial del percusionista y director de orquesta cubano Ramón ‘Mongo’ Santamaría.

También recuerdo a Jack Lemmon corriendo por la terminal de dicho aeropuerto para coger el mismo avión en el que ya se encuentra Catherine Deneuve, que en el asiento de al lado ha colocado el sapo de peluche que le regaló nuestro protagonista, con el secreto deseo de que, como suele ocurrir en los cuentos de hadas con un final feliz se «transforme» en el príncipe con el que siempre había soñado.

En la última secuencia del filme, el avión de la TWA en el que deseamos que ambos viajen se eleva majestuosamente, mientras está amaneciendo, y empiezan a aparecer entonces los títulos de crédito.

Casi seis décadas después del estreno de Locos de abril, no sé si aún sería posible rodar una película con un final así, tan abierto, y no sólo ni principalmente porque la compañía TWA desapareció hace ya algunos años.

Pero a veces pienso que por mucho que a veces parezcan cambiar los tiempos, casi todos hemos tenido en alguna ocasión la tentación de abandonarlo todo y de empezar una nueva vida, la tentación de partir en un vuelo de madrugada hacia París, la tentación de poder ser, al menos una vez en la vida, unos locos enamorados, unos locos de abril.

Este articulo Locos de abril aparece en La Siesta Magazine escrito por: Josep M. Aguiló

«Nací cuando ella me besó. Morí cuando me abandonó. Viví unas semanas mientras me amó». Estas tres demoledoras frases son, en cierta forma, el hilo conductor que resume a la perfección la historia que se nos cuenta en la película En un lugar solitario(1950), protagonizada magistralmente por Humphrey Bogart y Gloria Grahame

De este filme podríamos decir que es una de las películas más desesperadamente románticas y turbadoras de la historia del cine. Su director fue el maestro Nicholas Ray, autor de otras películas igualmente extraordinarias e imperecederas como Johnny Guitar (1954), Rebelde sin causa (1955) o Chicago, años 30 (1958).

En esas grandes películas de Ray y en la práctica totalidad de las que rodó, el amor fue casi siempre el eje esencial y central de las mismas, un amor a menudo dificultado u obstaculizado, en ocasiones hasta casi el límite, por las circunstancias adversas que solían envolver a las parejas protagonistas de cada una de las citadas historias.

En algunos casos, de modo especial en En un lugar solitario, el amor representaba un breve y precioso remanso de paz en unas vidas marcadas por un destino trágico y, por tanto, imposibilitadas para llegar a conseguir algún día un futuro de felicidad compartida.

En otros casos, el amor era la única posibilidad de redención y de salvación para quienes, sin poder evitarlo, vivían enfrentados a la sociedad de la cual formaban parte, que a su vez les rechazaba o les pretendía marginar o incluso dañar en mayor o menor medida.

¿Cuál era ese lugar solitario al que hacía referencia el título de la película de Ray que comentamos hoy? La posible respuesta la dio muy certeramente un gran admirador del cineasta norteamericano, el también director Curtis Hanson, un cineasta también ya desaparecido, al que asimismo valoraba y valoro mucho. Hanson decía que ese lugar solitario podía ser el lugar solitario de cualquier ser humano que lucha contra sus propios demonios, o el lugar solitario de un artista, o el lugar solitario de un mundo sin amor.

Hanson también afirmaba que esta película de Ray era una de las mejores y más duras que se han hecho nunca sobre Hollywood. El papel que encarnaba aquí Bogart, el del guionista Dixon Steele, era un fiel retrato de lo difícil que puede llegar a ser para algunos artistas y creadores conseguir que se respete su criterio y su trabajo en la meca del cine… o en otros ámbitos.

En cierto modo, la propia trayectoria biográfica y cinematográfica de Ray fue paradigmática en ese sentido. Dicha trayectoria tuvo también siempre algo de ese lugar solitario al que alude su película, entendido además en cada una de las tres vertientes a las que se refería Hanson.

Por diversas y complejas razones, entre ellas un cierto punto autodestructivo que se iría acentuando con el paso de los años, Ray nunca llegaría a consolidar una carrera estable en Hollywood.

A principios de los años sesenta lo intentó también fuera de su país, instalándose en España, pero tampoco logró la continuidad que buscaba desde el inicio de su carrera. Su última película como director fue 55 días en Pekín (1963), que además ya sólo rodaría parcialmente.

Como cineasta, Ray mereció mucha mejor suerte de la que tuvo en vida, por el altísimo nivel cinematográfico del conjunto de toda su obra. Como persona, Ray mereció haber logrado escapar algún día de ese lugar solitario y apartado en el que, como Dixon Steele, casi siempre vivió.

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La noche de los gigantes (1968) es una pequeña joya a reivindicar, una reivindicación que debería hacerse extensiva a su director, Robert Mulligan, y a su productor, Alan J. Pakula, que durante años conformaron un tándem de primer nivel que ya nos había ofrecido con anterioridad una obra maestra como Matar a un ruiseñor (1962).

Además, en La noche de los gigantes merecen ser elogiados igualmente el guionista, Alvin Sargent, y el director de fotografía, Charles Lang, que fueron otros dos grandes de Hollywood.

Al igual que ocurría con otro gran western algo anterior, Duelo en Diablo, podemos afirmar que La noche de los gigantes es también fascinante desde sus mismos títulos de crédito, cuando vemos aparecer por el encuadre superior izquierdo de la pantalla a un explorador corriendo sigilosamente por una colina, mientras al mismo tiempo empezamos a escuchar el bellísimo y melancólico tema principal de la película, compuesto por Fred Karlin.

Este magnífico filme crepuscular nos cuenta una historia que nos atrapa ya desde el primer instante, cuando conocemos que un reconocido rastreador del Ejército, Sam Varner (Gregory Peck), ha decidido retirarse e irse a vivir a un rancho que ha comprado en Nuevo México.

Pero antes de hacerlo ayudará de manera desinteresada, incluso poniendo en peligro su propia vida, a Sarah Carver (Eva Marie Saint) y a su hijo, que huyen del padre del pequeño, un indio especialmente sanguinario llamado Salvaje. El mejor amigo de Sam, Nick (Robert Forster), explorador de origen indio, jugará un papel muy importante en la resolución de esta historia.

Entre las muchas virtudes de La noche de los gigantes se encuentran la elegancia y la perfección técnica con que está rodada por Mulligan, la autenticidad que transmiten todos los actores —¡cuánta tristeza y melancolía hay en la mirada de Eva Marie Saint!—, la importancia que se concede al paisaje o la tensión ascendente con que se desarrolla la intriga principal del filme.

Otros aciertos a destacar de esta obra son la sutileza con que se nos cuenta la preciosa historia de amor que poco a poco va naciendo entre Sam y Sarah o la defensa implícita que se hace del valor de la amistad.

Tanto Sam como Nick, son dos seres esencialmente retraídos y solitarios, pero a la vez también empáticos y compasivos. Lo puedo corroborar porque yo «asumía» ambos roles de forma alternativa.

Además, el personaje que interpreta Gregory Peck en La noche de los gigantes nos recuerda mucho a su Atticus Finch de Matar a un ruiseñor, porque es íntegro y vulnerable al mismo tiempo, porque cree en unos valores y porque llega a poner en riesgo su vida para defenderlos.

Gracias a westerns como Duelo en Diablo o como La noche de los gigantes, algo cambió para siempre en mi manera de ver las películas del Oeste. Es cierto que antes de descubrir esos filmes era ya consciente de la importancia de la honestidad, el comportamiento ético, la lealtad o el respeto a la ley, pero a partir de entonces aprendí también que la pérdida, el dolor, la soledad, la injusticia o el sufrimiento no están vinculados nunca a una nacionalidad específica o al color concreto de una piel.

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La teleserie creada por Christopher Storer se estrenó el pasado 5 de octubre y trata sobre el funcionamiento interno en un restaurante de barrio. Desde otras series se nos ha mostrado las entrañas de las cocinas de otros restaurantes. Pero en «The Bear» es el primero en obligarte a trabajar en uno.

El joven chef Carmen Berzatto (Jeremy Allen White ) ha dejado atrás una carrera vertiginosa, repleta de premios como Rising Star de la Fundación James Beard, en un restaurante de alta gama sin nombre de Nueva York. Vuelve a casa en Chicago para dirigir el puesto de bocadillos de carne italiana de su familia después de que su hermano Mikey se suicidara, sin nota y dejando una deuda de 300.000 dólares. La monumental tarea de mantener a flote el «Original Beef of Chicagoland» mientras trata de llorar a su hermano, retener a sus empleados y hacer buena comida lo devora vivo, y el espectáculo que muestra un montaje sublime te hace sentir que estás justo a su lado.

La carne italiana de Chicago es uno de los mejores bocadillos que puedes comer en Estados Unidos, con carne asada en rodajas finas, giardiniera ácida y pimientos asados apilados en un rollo rociados o sumergidos en jugos de carne de res. Se envuelve en papel y se come en lo que los lugareños llaman «porción de carne italiana».

En lugar de supervisar a cocineros entrenados mientras pinzan hierbas y cáscara de yuzus, Carmen ahora está corriendo en una rueda de tareas de hámster: cortar zanahorias, evitar peleas y vender su colección de ropa vintage para comprar carne. El joven chef, hereda un equipo curioso, leal a la memoria de su hermano y su receta de espaguetis, además de un gerente furioso y afligido (y amigo de la infancia) que se burla de él llamándolo «primo».

A medida que los chefs han pasado de ser trabajadores invisibles a artesanos e influencers famosos, ha habido muchos intentos de convertirlos en estrellas en la pantalla. Películas como «Chef» (2014), «Burnt» (2015) y «Pig» (2021) lo hicieron con diversos grados de éxito, representando a los chefs como genios profundos y torturados.

Parte de la precisión de la serie proviene de ser filmada en una cocina real. Su característica más auténtica es también lo primero que Carmen ve cuando despierta: el reloj, el gobernante absoluto de cualquier cocina. No importa lo rápido que trabaje, no puede cambiar el tiempo que tarda en caramelizar las cebollas o hacer que la masa de pan suba. La cuenta atrás para la hora de apertura es inexorable.

Los actores, poco conocidos para el gran publico, trabajaron duro para estudiar a la élite del mundo culinario del que Carmen ha regresado. Jeremy Allen White, que interpreta a Carmen, y Ayo Edebiri, la sous chef interna que es el único otro personaje del mundo de Carmen, pasaron por una formación en el Instituto de Educación Culinaria de Los Ángeles. Lionel Boyce, que interpreta al panadero, fue a Copenhague a estudiar con Richard Hart, el susurrador de masa madre británico que ayudó a construir Tartine en San Francisco antes de que René Redzepi lo reclutara para hacer pan para Noma en 2017. (Los libros de cocina de Noma son los únicos que vemos en uso en la cocina, aunque es posible ver un conjunto de «Cocina Modernista», y hay una copia de «Mastering the Art of French Cooking» de Julia Child en una esquina de la oficina).

Para arreglar la cocina, trae las prácticas de un restaurante de alta cocina (idealizado). Comenzando con hacer que los cocineros se llamen mutuamente «chef», establece el respeto mutuo y una clara cadena de mando, y abre las puertas a nuevas habilidades. (Con cierto caos en el camino, cortesía de un nuevo sistema digital de pedidos de comida para llevar). Por supuesto, debido a que esto es ficción, el chef transforma con éxito a su equipo en una banda muy unida: una brigada literal, una vez que se establece una jerarquía culinaria tradicional francesa.

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«Tengo 26 años y tengo dignidad». Así comienza ‘Nevenka’, la serie documental de tres episodios que se puede ver en la plataforma Netflix. En ella se repasa el caso de acoso sexual que sufrió una joven concejala del ayuntamiento de Ponferrada (León) hace poco más de veinte años.

Un caso conocido porque fue la primera vez que un alcalde (Ismael Álvarez) era condenado por un delito sexual. Lo que lo distancia la anécdota del caso único es la reacción que despertó en la opinión publica. ¿Una chica guapa y joven denunciando a un superior? «Algo querrá». La denuncia de Nevenka hizo aflorar a una sociedad que cuando la víctima habla se le señala a ella, y en este caso su pecado fue ser bonita, pero hubiera dado igual de no serlo, porque habría otras excusas para hacer más difícil el camino.

«Esta es la historia de una mujer sensata que, cuando se dio cuenta de que todo lo que le habían contado era mentira, fue al juzgado, denunció los hechos y lo puso todo patas arriba». Esta frase, pronunciada por el escritor y periodista Juan José Millás (75), resuena en los primeros minutos de ‘Nevenka’. Ganó en los tribunales pero perdió el juicio público. Millás, escritor y periodista, fue uno de los primeros en alzar su voz mediática posicionándose junto a la víctima.

Millás recupero en 2004 esta historia en un libro «Hay algo que no es como me dicen: El caso de Nevenka Fernández contra la realidad» este año la productora Newtral de Ana Pastor se hace eco con la dirección de Maribel Sánchez-Maroto.

El #MeToo  patrio, de una época de bonanza económica, con todo el revuelo producido cuando una joven muchacha decide dar un paso inaudito. Ver las reacciones de la gente, los interrogatorios, esa culpabilización a la víctima en una época nada lejana a la nuestra nos recuerda cómo ha cambiado la conversación sobre este tema.

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Hace no mucho, cuando le preguntabas a un niño/a qué quería ser de mayor, te respondían con profesiones como doctor, astronauta, abogada, profesora o músico. Ahora la respuesta que muchos dan es influencer, influencer a secas.

HBO estrenó este lunes Fake Famous, un documental del periodista Nick Bilton que plantea un experimento real y muy curioso: como convertir a una persona normal y corriente en una sensación en las redes. Followers falsos, compras de likes y postureo de mal gusto.

Fake Famous investiga el mundo de los influencers en las redes sociales. El documental sigue a tres personas en Los Ángeles Dominique, Chris y Wylie con una cantidad de seguidores relativamente pequeña y analiza diferentes intentos de conseguir fama. Compra-venta de seguidores falsos y marcas que venden sus productos a robots

Si alguna vez soñaste con ser influencer, obtener cientos de miles de likes, ser reconocido por millones de followers o que alguna marca te financiase unas vacaciones de lujo, este documental de HBO te hará desterrar esa idea por completo. La mayoría de lo que ves en redes es falso. Su creador Nick Bilton, nos muestra la verdad detrás de las cuentas más seguidas de Instagram: fama creada artificialmente. ¿Con qué propósito?, ¿A dónde les lleva todo esto?

https://www.instagram.com/p/CKaCx4QFTfD/

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No cabe duda que Amor y anarquía es la sorpresa absoluta en el terreno cómico en este año. No hay que ser un lince, no es una comedia romántica típica, lo excitante es su tensión romántica que se desarrolla como un divertido juego.

Más allá de la trama romántica, presenta una mirada al mundo editorial contemporáneo y su transformación, los responsables de la empresa se ven buscando autores influencers mientras intentan mantener a «los de verdad» y, como signo de los tiempos, aparece Stream Us, una plataforma de streaming interesada en hacerse con ellos porque su big data se lo dice y porque así, de paso, tienen material de partida para sacar películas y series, algo así como Netflix, lo que no le quita gracia.

«Amor y Anarquía» es una serie web sueca de comedia romántica. Es la segunda serie de Netflix en sueco, después de Quicksand. Es producido por la misma empresa, FLX. La serie esta creada por Lisa Langseth, quien también se desempeña como escritora principal junto con Alex Haridi.

¿De qué va Amor y anarquía?

Sofie (Ida Engvoll) ficha temporalmente por una editorial en decadencia para poner la empresa al día en un periodo de seis meses y evitar que tenga que cerrar. Ella es esposa, madre de familia y de mentalidad capitalista, en contraposición con un padre antisistema.

Pero tiene que rebajar su tono de jefe en la empresa cuando Max (Björn Mosten), un joven informático, se la encuentra masturbándose en la oficina. Esto cambia las dinámicas de la editorial, sobre todo cuando Sofie y Max entran en un bucle simpático de desafíos que, sin darse cuenta, se convierten en el motivo por el que quieren ir cada día a trabajar.

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La utilización de un Madrid Pre-pandemia con colores pastel y numeroso publico por sus calles, son el motor de los conflictos de los personajes de la nueva serie de Netflix.

La ficción basada en la saga literaria de Elísabet Benavent  desembarco este mes de mayo en la plataforma. Protagonizada por Diana Gómez (Valeria), Silma López (Lola), Paula Malia (Carmen), Teresa Riott (Nerea), Maxi Iglesias (Víctor), Ibrahim Al Shami (Adrián) y Aitor Luna (Sergio), la historia gira en torno a una escritora que tendrá que hacer frente a una crisis creativa y al distanciamiento de su marido, Adrián. La ficción producida por Plano a plano traslada a los espectadores a las bulliciosas calles de Madrid en una mezcla española de ‘Sexo en NY’ y Bridget Jones, repitiendo las mismas historias y personajes.

La utilización de los espacios tanto en exteriores como en interiores y el estilismo de sus personajes resulta el aspecto más estimulante de la nueva serie de la plataforma de ‘streaming’.

El bochorno nocturno de la capital en verano, el bullicio de Gran Vía, el ambiente de Malasaña, la vida de Chueca, la dificultad de encontrar piso, el ajetreo del transporte público, las complicadas perspectivas laborales… ‘Valeria’ muestra la vida de Madrid y la aprovecha para dar forma a sus personajes, como motor de sus conflictos.

En España, Valeria lleva varios días en lo más alto de la clasificación. Consiguió arrebatarle el primer puesto al documental sobre Michael Jordan, El último baile, y desde entonces no hay serie o película que pueda con este título. A día de hoy, este es el Top 10 de Netflix España

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Una asesina en serie y una detective se enfrentan en una persecución a nivel internacional en la que ambas mujeres se obsesionarán la una con la otra. Por un lado, Villanelle (Jodie Comer), una asesina psicópata sumida en el lujo de su profesión, y por otro, Eve Polastri (Sandra Oh), una agente del MI6. Cansada y aburrida de pasarse los días sentada en su escritorio, la perspicaz criminóloga Eve busca más acción en su vida profesional y un día se encuentra al mando de un grupo secreto cuyo objetivo es dar caza a Villanelle.

Creada por la incansable y exitosa  Phoebe Waller-Bridge (Fleabag, Crashing y la última serie Run), basada en las novelas de Luke Jenning y  producida por la BBC America y que aquí se puede ver en HBO.

La británica Phoebe Waller-Bridge ha demostrado que se puede meter de lleno en una serie de género policíaco y además darle una vuelta de tuerca para conjugar humor y suspense hasta hacerla irresistible para el espectador. El resultado podría ser una mamarrachada o quedarse a medio camino, pero no, y en parte es gracias a Villanelle, la supuesta villana que acaba siendo la estrella de la función y que interpreta con contundencia Jodie Comer. Villanelle es juguetona, frívola pero también letal y despiadada. Ah, y con gustos sibaritas, sobre todo en moda

VILLANELLE

Nunca una absoluta psicópata ha tenido tanto ‘glamour’ como Villanelle (interpretada por la multipremiada Jodie Comer). Sádica e imprevisible, esta asesina a sueldo es la gran atracción de la serie. Y también lo más divertido. Irrumpe por derecho propio en la categoría de malos irresistibles, como Hannibal Lecter, Dexter o Barry.

Te gustará si eres una fashionista

El éxito no solo de debe a un maravilloso guión firmado por Phoebe Waller-Bridge, sino a la increíble interpretación de las dos protagonistas, y a un tercer personaje que nos enamora capítulo a capítulo: el vestuario. Villanelle es la encargada de llevar la alta costura a las calles de París, Amsterdam o Londres, y lo hace como solo ella sabe. Sus looks son inspiradores, pura tendencia y un motivo más para que esta serie sea una de nuestras favoritas.

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Unorthodox es la historia de Etsy Saphiro –una joven criada en una comunidad judía ultraortodoxa de Williamsburg, Brooklyn, Nueva York– y de su entorno es un alegato universal por la libertad y el control sobre la propia vida precioso e inspirador, basado en el libro autobiográfico “Unorthodox: The Scandalous Rejection Of My Hasidic Roots” escrito por Deborah Feldman.

“Unorthodox” cuenta con un elenco de grandes actores judíos y no judíos que consiguen transmitir a los no conocedores de las comunidades ultraortodoxas la realidad de las mismas.

El libro dedica más tiempo a la infancia de Feldman en Williamsburg, mientras que Unorthodox de Netflix se centra principalmente en su compromiso y matrimonio con Yakov. La madre de Feldman dejó la comunidad Satmar porque era homosexual. El grupo le advirtió que no se le permitiría llevar a su hija con ella. Como se muestra en la serie, Feldman se fue a vivir con sus abuelos y se separó de su madre durante muchos años.

https://www.youtube.com/watch?v=TQ60C7evv-M

Feldman nació en una comunidad judía jasídica de Brooklyn cuyas creencias se cimentaron en el trauma del Holocausto en la Segunda Guerra Mundial. El genocidio perpetrado por los nazis se interpretó por los fundadores de este grupo como un castigo divino por no preservar mejor las tradiciones de su religión, y por tanto el radicalismo se impondría a partir de ese momento para apartar a todos sus miembros del resto de la sociedad. Vivir en su burbuja para preservar su legado. Como veremos, esto no benefició a las mujeres, que sufren gran parte del peso de las normas por cargar con la responsabilidad de «compensar las seis millones de vidas perdidas» en las guerras convirtiéndose en «máquinas de fabricar bebés». Otros detalles reales que aparecen en la serie son la prohibición de mostrar el pelo femenino (por eso son rapadas y llevan pelucas) o la obligación de bañarse en agua sagrada antes de practicar sexo con su marido

One of us

Recomendamos, también de Netflix, «One of us» es un documental de 2017 que narra la vida de tres ex judíos jasídicos de Brooklyn. El logro más brillante del documental es dar una mirada personal, que le permite a los no judíos acercarse al tema, sin sentirse anti semitas. Esta es la historia de tres judíos jasídicos se enfrentan al ostracismo, a la ansiedad y al peligro al intentar huir. Heidi Ewing y Rachel Grady, directoras del documental, abren una pequeña ventana al mundo Judío Ultraortodoxo o Jasídico  de Brooklyn.

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